Tableau "The Tegernsee", encadré
Tableau "The Tegernsee", encadré
Brève info
limité, 950 exemplaires | réplique originale de Dietz | huile sur toile | sur châssis | encadré | taille approx. 46 x 59 cm (h/l)
Description détaillée
Tableau "The Tegernsee", encadré
Original : Neue Pinakothek, Munich.
Réplique originale de Dietz en 65 couleurs. Huile sur toile. Édition limitée à 950 exemplaires. Chaque réplique de toile est tendue sur un châssis comme l'original afin de pouvoir retendre la toile en cas de fluctuations de la température et de l'humidité de la pièce. Avec un cadre en bois massif. Dimensions : environ 46 x 59 cm (h/l).
Producteur : ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hanovre, Allemagne E-mail : info@arsmundi.de
A propos Georg von Dillis
1759-1841
Né le 26 décembre 1759 à Grüngiebing dans le nord de la Bavière, Dillis reçut à l’âge de six ans une formation scientifique dans le secondaire. Aîné d’une famille de 11 enfants, il devait ce privilège à son parrain, le prince électeur Maximilien III Joseph de Bavière. Ses talents artistiques ne tardèrent pas à se manifester, mais, sans ressources après la mort de son parrain, il se tourna vers des études de philosophie et de théologie. En 1782, il reçut l’ordination de prêtre séculier et se tourna à nouveau vers le dessin, puis vers la peinture de paysages et de portraits. Il fit notamment la connaissance de familles prestigieuses grâce à son activité de professeur de dessin.
Lors de ses voyages, il réalisa de nombreuses aquarelles des montagnes bavaroises et des environs. Dillis joua un rôle particulier pour la peinture munichoise. Avec une grande habilité, il traduisait en peinture son étude minutieuse de la nature. Il se débarrassait ainsi de l’éclectisme de la fin du rococo et développa un nouveau naturalisme. Son point fort était le dessin. Ses œuvres préfiguraient déjà le style des paysages atmosphériques qu’il peignit plus tard à Munich.
Dillis mourut à Munich le 28 septembre 1941, rendant toujours hommage à sa patrie dans ses tableaux.
Concept d’époque pour l’art du 17ème siècle. Le style artistique du baroque, né à Rome autour de 1600, s’est rapidement imposé la littérature et la musique dans pratiquement toute l’Europe, ainsi que dans les beaux-arts, qu’il marqua jusqu’en 1770. La dernière phase est plus généralement connue comme l’époque Rococo.
Parmi les caractéristiques principales, on retrouve : le mouvement ample de toutes les formes, le soulèvement des frontières entre architecture, peinture et sculpture, qui mena à l’œuvre totale, typique pour l’époque, sans oublier l’utilisation ciblée de la lumière, qui devint notamment une composante majeure artistique. La priorité mise sur l’ensemble plutôt que sur la partie a donné naissance à un espace à la fois unitaire et dynamique, qui prend tout son sens dans les somptueux bâtiments de cette époque.
L’art baroque, avec son penchant pour la grandeur, la magnificence et l’abondance débordante, montre clairement un souhait de représentation, qui était une demande des commanditaires laïcs et religieux - surtout catholiques, renforcés par un mouvement de contre-réformation - de cette époque. Dans la peinture, les caractéristiques typiques du baroque se montrent surtout dans la peinture d’autel et de plafond, la peinture historique et de portrait.
Les représentants majeurs de ce courant sont, entre autres, des artistes comme Anthonis von Dyck ou Peter Paul Rubens, ainsi que Gian Lorenzo Bernini dans le domaine de la sculpture.
Procédé révolutionnaire développé par Günter Dietz pour la réplique authentique de tableau, par lequel sont utilisées, non pas les peintures d’impression habituelles, mais les mêmes peintures que celles utilisées dans l’original par l’artiste. Selon la technique de peinture de l’artiste, jusqu’à 140 applications de couleurs différentes peuvent être nécessaires pour atteindre une représentation parfaite de l’original, ce qui permet également de reproduire le relief et la texture de l’œuvre.
Voyez par exemple l’œuvre d’August Macke "Couple à la table du jardin":
En outre, le même matériel que le porteur d’origine est utilisé; la reproduction se fait alors sur toile, papier, bois, cuivre, parchemin.
Cela résulte en une reproduction parfaite et sans grille qui se rapproche de l’original en termes d’effet et d’expressivité. Même les professionnels de musée ne peuvent souvent pas distinguer l’original de la reproduction. C’est pourquoi une note de sécurité doit être insérée, visible uniquement au rayon X.
Le tirage de la plupart des reproductions de Dietz est souvent limité à 950 exemplaires. Chaque reproduction de toile est tendue comme le modèle sur un châssis à clés afin que vous puissiez retendre la toile en cas de fluctuation de la température de la pièce et de l’humidité de l’air. Des lames de bois massif de grande qualité complètent l’apparence de chaque reproduction de Dietz.
De nombreux grands chefs-d’œuvre de la peinture, par Rembrandt, Caspar David Friedrich, Claude Monet, Gustav Klimt et bien d’autres ont été reproduits par la Dietz Offizin. De célèbres artistes de l’art moderne, tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí, Max Ernst, Friedensreich Hundertwasser, Juan Miró ou encore Marc Chagall, ont utilisé le procédé développé par Günter Dietz pour la conception de reproductions de leurs propres œuvres.
Commentaires de la presse:
"Le système de Dietz permet des œuvres semblables aux originaux. Ce que l’électronique a atteint pour la reproduction musicale avec l’invention de la Hi-Fi et de la stéréo, c’est ici la technique graphique qui l’a reproduit pour les arts plastiques. " (Die Zeit)
"Il n’y a en théorie aucune différence entre l’original et la reproduction de Dietz. Bien plus que des reproductions, on devrait les appeler des fac-similés." (Newsweek)
"Ce qui était resté jusqu’à aujourd’hui impossible à produire pour tous les imprimeurs d’art du monde entier, Dietz réussit tout seul à le faire à l’aide de cette technique d’impression : une parfaite reproduction d’œuvres picturales." (Der Spiegel)
Reproduction fidèle à l’original d’une œuvre d’art dans les mêmes dimensions et si possible dans les mêmes matériaux et utilisant les mêmes couleurs.
Généralement, la forme est directement déclinée de l’original, de telle manière que la reproduction reconstitue les détails les plus délicats. Après la fonte de la reproduction à partir du procédé le plus approprié, la surface est polie, patinée, dorée et peinte conformément à l’original.
Une reproduction produite par ars mundi est un portrait reconnaissable de l’original.