Popart: Toen alledaagse cultuur in kunst veranderde

Kleurrijk, gedurfd en zonder respect voor het kunstestablishment: vanaf het einde van de jaren 1950 zette de Pop Art de kunstwereld op zijn kop. De kunstenaars stelden bijna alle parameters van de beeldende kunst ter discussie - van motieven en thema's tot stijl en esthetiek, maar ook de rol en functie van kunst binnen de maatschappij. Ze zochten hun motieven en inspiratie voornamelijk in de objecten van het dagelijks leven, zoals media-inhoud, reclame, strips of consumptiegoederen. Pop Art gaf aanleiding tot talrijke beroemde werken, zoals de LOVE-sculptuur van Robert Indiana, de hommages aan stripboeken van Roy Lichtenstein, de zeefdrukken van Marilyn Monroe van Andy Warhol en zijn legendarische "Campbell's Soup Can".

De baanbrekende stijl van Pop Art breidde zich ook uit naar veel andere gebieden dan kunst en ontwikkelde zich tot een soort nieuwe universele taal voor design. Invloeden van Pop Art waren te vinden in mode, grafisch ontwerp, illustratie en vele andere aspecten van de populaire cultuur in de jaren 1960. Aan het begin van de jaren 1970 waren de hoogtijdagen voorbij, maar de geest ervan bleef een blijvende impact hebben. Voor veel kunstenaars bleef dit tijdperk met zijn vernieuwende esthetiek nog decennia lang een belangrijke inspiratiebron. De sporen van Pop Art zijn nog steeds zichtbaar in de hedendaagse kunst, bijvoorbeeld in het werk van Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Niki de Saint-Phalle, James Rizzi, Jeff Koons of Mr. Brainwash.

Oorsprong in het VK, Doorbraak in de VS

Pop Art en haar kunstenaars worden vaak gezien als een Amerikaans fenomeen, maar haar wortels liggen in het Verenigd Koninkrijk in het begin van de jaren 1950. In die tijd kwam een groep kunstenaars genaamd de "Independent Group" samen in het Londense "Institute of Contemporary Arts". Deze groep hield zich kritisch bezig met de gevolgen van de economische welvaart in veel landen over de hele wereld. Ze verenigde kunstenaars uit verschillende disciplines, waaronder schilders, beeldhouwers, architecten en curatoren, onder wie Lawrence Alloway, Richard Hamilton en Eduardo Paolozzi.

Het doel van de groep was niet alleen om gezamenlijk kunst te creëren en tentoon te stellen, maar ook om de ontwikkelingen in de maatschappij, zoals de toenemende consumptie en de alomtegenwoordigheid van reclame, op een theoretisch niveau te analyseren. In deze omgeving ontstonden de eerste kunstwerken, die nu worden beschouwd als voorlopers van de Pop Art-beweging, zoals de collages van Paolozzi en Hamilton.

Iets later dan de Londense kunstenaars begonnen kunstenaars in de VS ook te zoeken naar nieuwe uitdrukkingsvormen, thema's en concepten. Vanaf het einde van de jaren 1950 begonnen ze prominente motieven uit de economie, de media en de maatschappij in hun werken te verwerken. Robert Rauschenberg en Jasper Johns behoorden tot de eersten die erkenning kregen met een aantal van de latere typische elementen van Pop Art. Beiden hadden eind jaren 1950 tentoonstellingen in New York. In 1958 stelde galeriehouder Leo Castelli Rauschenberg tentoon en later dat jaar ook Johns. Kort daarna sloten veel andere Amerikaanse Pop Art kunstenaars zich bij de beweging aan, zoals Robert Indiana, Andy Warhol, Mel Ramos, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein en James Rosenquist, die nu als iconen van dat tijdperk worden beschouwd.

Pop Art zet een volledig nieuwe koers in de kunst in gang

Gezien de veranderingen in de economie en maatschappij ontwikkelden zowel Britse als Amerikaanse Pop Art kunstenaars een fundamenteel nieuw concept van beeldende kunst. Gebaseerd op de observatie dat commercialisering, reclame, massaproductie en massamedia het leven van mensen in toenemende mate domineerden, wilden ze deze ontwikkelingen in hun werken aan de orde stellen, bevragen en in zekere zin instrumentaliseren.

Het idee was om kunst op twee manieren dichter bij het dagelijks leven en de ervaringen van mensen te brengen: Ten eerste kwam de inspiratie voor de kunstwerken van alomtegenwoordige thema's, producten en individuen. Ten tweede zou kunst weer een grotere betekenis moeten krijgen voor de massa.

Pop Art-motieven: de trivialiteit van het alledaagse leven in de schijnwerpers

Pop Art-kunstenaars wilden de consumptiemaatschappij en haar mechanismen in twijfel trekken. Om dit te doen, verwerkten ze voornamelijk motieven in hun werken die hedendaagse gebeurtenissen symboliseerden en wijdverspreid bekend waren. Hiertoe behoorden talloze alledaagse producten, inhoud van massamedia, evenals bepaalde ontwerpprincipes en gedragspatronen van de massacultuur. Door gewone alledaagse voorwerpen centraal te stellen in hun kunstwerken, initieerde de Pop Art een paradigmaverschuiving in de beeldende kunst. Ogenschijnlijk alledaagse voorwerpen zoals soepblikken, auto's, sigarettenpakjes, brood, Coca-Cola flesjes of meubels werden plotseling prominent aanwezig.

De massamedia, vooral gedrukte media, werden de tweede belangrijke bron van Pop Art-motieven. Merklogo's, advertenties en uittreksels uit kranten en tijdschriften vonden nieuwe contextuele betekenissen, vooral in collages. Foto's van bekende persoonlijkheden zoals John F. Kennedy, Janis Joplin, Elvis Presley en Marilyn Monroe werden ook gereproduceerd in de kunstwerken. Daarnaast werkten veel Pop Art kunstenaars ook met verwijzingen naar en hommages aan stripfiguren en strips zoals Donald Duck, Popeye of Mickey Mouse. Pop Art putte echter ook uit traditionele genres zoals portretten of stillevens, maar interpreteerde ze op een gebiedsdekkende basis en op een zeer gestileerde manier, waardoor ze fundamenteel opnieuw werden uitgevonden.

Uit de musea - in het dagelijks leven: De "democratisering" van kunst

De motivatie van de makers van Pop Art om hun motieven in het dagelijks leven van mensen te zoeken was gebaseerd op de overtuiging dat kunstwerken toegankelijker moesten worden en minder intellectueel en elitair. Mensen zouden zichzelf en hun omgeving in kunst moeten kunnen herkennen, waardoor ze gemakkelijker toegang zouden krijgen tot een cultureel domein dat gewoonlijk beperkt was tot galeries en musea. Het achterliggende idee was dat de aloude traditie om in kunstwerken onderscheid te maken tussen populaire cultuur en hoge cultuur moest worden losgelaten. Pop Art-kunstenaars beschouwden dit systeem als volledig achterhaald. Ze streefden ernaar om zich via hun werken rechtstreeks te mengen in het leven van mensen.

Een belangrijk onderdeel van deze strategie was om kunstwerken betaalbaar te maken voor een groter publiek. Door serieproductie, vooral met behulp van druktechnieken, moest kunst net zo gewoon worden als elk ander consumentenproduct. In dit proces werden de principes van originaliteit en uniciteit, die lange tijd beschouwd werden als de enige onderscheidende kenmerken van kunstwerken, opgeofferd. Pop Art doorbrak verschillende taboes en zette vraagtekens bij het hele kunstestablishment met al zijn regels en mechanismen.

De kenmerken van Pop Art: Stijl en technieken

Naast het nieuwe zelfbeeld en de nieuwe motieven lag de grote verdienste van Pop Art in de vernieuwende esthetiek. Het doorbrak veel principes van hedendaagse stijlen en stelde nieuwe normen.

Een belangrijk aspect van Pop Art beelden was de terugkeer naar representatieve motieven die grotendeels waren verbannen in de zeer populaire Abstract Expressionisme beweging. De picturale objecten werden echter meestal niet realistisch weergegeven, maar eerder gestileerd, waardoor ze gereduceerd werden tot hun essentiële kenmerken en contouren.

Levendige en gedurfde kleuren, vooral de primaire kleuren rood, blauw en geel, werden gebruikt in grote kleurvlakken. Andere kenmerken van Pop Art waren het gebrek aan diepte en het gebruik van grotere en kleinere stippen, die deden denken aan druktechnieken. De beeldtaal van de Pop Art deed dus bewust denken aan de illustraties van strips en tekenfilms.

Naast de koele en abstracte stijl werkten Pop Art-kunstenaars steeds vaker met citaten en vervormingen. Ze haalden motieven uit hun oorspronkelijke context en presenteerden ze geïsoleerd of in nieuwe, onbekende verbanden. Bovendien manipuleerden ze vaak hun kunstobjecten en veranderden ze de betekenis ervan door een artistieke behandeling.

De technieken die in de Pop Art werden gebruikt brachten ook enkele veranderingen teweeg. Terwijl schilderen, tekenen en beeldhouwen gebruikelijk bleven, introduceerde Pop Art nieuwe of minder gebruikelijke technieken zoals fotomontage, collage, assemblage of verschillende druktechnieken. Deze methoden ondersteunden de esthetiek van de Pop Art of bepaalden deze zelfs gedeeltelijk. Vooral zeefdrukken werd een symbool van de seriële productie van Pop Art.

De twee kanten van commercialisering in popart

Met hun standpunt over commercialisering bevonden sommige Pop Art-kunstenaars zich in een intellectuele spagaat. Aan de ene kant bekritiseerden ze de immense betekenis van consumptie en de gevolgen ervan. Aan de andere kant propageerden ze ook mechanismen die gericht waren op serieproductie en massaverspreiding van hun werken. Vooral het gebruik van zeefdruk om grote series identieke kunstwerken te produceren droeg bij aan de commercialisering.

Vooral Andy Warhol maakte er geen geheim van dat economisch succes een belangrijk onderdeel was van zijn artistieke praktijk. Dit standpunt druiste in tegen de lang gekoesterde overtuiging dat kunst in de eerste plaats een hoger, nobel doel moest dienen en onafhankelijk moest blijven van economische beperkingen. De pragmatische en realistische houding van veel Pop Art-kunstenaars leverde veel kritiek op en leidde tot een debat over de commercialisering van kunst dat tot op de dag van vandaag voortduurt.