Bild "Vas med blommor på ett bord" (1922), inramad
Bild "Vas med blommor på ett bord" (1922), inramad
Snabb information
begränsad, 499 exemplar | reproduktion, Giclée-tryck på duk | på spännram | inramad | storlek 55,5 x 77 cm (h/v)
Detaljerad beskrivning
Bild "Vas med blommor på ett bord" (1922), inramad
Corinths sena verk är av särskild betydelse. Först och främst är det Walchensee-bilderna, som målades nära Urfeld i södra München från 1919 och framåt och där målaren återupptäckte landskapsmåleriet för sig själv. Men han sökte och fann också nya tillvägagångssätt i andra ämnen, till exempel porträtt.
Bilden "Blomvas på bord" från 1922 visar hur ett annat klassiskt motiv fortsatte att utvecklas i hans arbete när han blev äldre. Drygt ett decennium tidigare hade han målat stilleben på duk som fortfarande tydligt betonade sin referens till de gamla mästarna och framträdde i djupa, Rembrandtska bruna toner. Detta är dock en akvarell som visar en fåtölj till höger och en hund som ligger i sin korg till vänster. Vi ser, i ett nötskal, en tillflyktsort som lovade målaren lugn och avkoppling.
Original: 1922, akvarell, 36,5 x 57 cm, Graphische Sammlung Albertina, Wien.
Reproduktion med Fine Art Giclée direkt på konstnärens duk och uppspänd på en spännram. Begränsad upplaga på 499 exemplar. Inramad i en naturfärgad ram av massivt trä. Storlek 55,5 x 77 cm (h/v).
Producent: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Tyskland E-postadress: info@arsmundi.de
Kundrecensioner
Tolles Bild, gut verarbeitet, Lieferzeit zwar etwas lange, dann ist die Vorfreude um so größer!
Om Lovis Corinth
”Sann konst har (...) ingen praktisk, lönsam smak. Den är ett mål i sig själv. Egoistisk som en gud står den där i all sin skönhet.” (Lovis Corinth)
Lovis Corinths (1858-1925) verk som helhet är svårt att sammanfatta. Till och med den upprepade klassificeringen av hans verk som ”tysk impressionism” i motsats till fransk impressionism kan ifrågasättas - Corinth experimenterade förvisso med färgens verkan i betydelsen ett självständigt bildmedium, men vetenskapligt-akademiska beräkningar, färgsystem eller en fysikaliskt grundad motivering av färgens verkan var i stort sett främmande för honom. Överhuvudtaget var han på kant med sin tids konstnärliga trender och hånade till och med många av det unga avantgardets nya grepp med ett bitande hån som ”receptkonst”.
Men Corinth verkar bara vara en ”konservativ” målare på ytan. Å ena sidan höll han fast vid den figurativa, realistiska målarstilen under hela sitt liv. Hans garanter förblev de gamla holländska målarna, framför allt Rembrandt, och han dog i närheten av Amsterdam för att han ville beundra dem där igen i original. Men å andra sidan betraktades han som en rebell och förnyare och utforskade gång på gång de klassiska genrerna (historiemåleri, bibliska och mytologiska teman) med en högst subjektiv blick, som även inkluderade parodi och travesti. I slutändan var han en framstående samtida i sin konstnärliga epok och erkändes som sådan. Modern var han ändå i alla avseenden, och i serien av hans berömda självporträtt framstår den ibland instabile Corinth, sliten mellan konstnärligt rus och depression, som en mästare på psykologisk självtolkning.
Corinths sena verk är av särskild betydelse. Det gäller för det första Walchensee-målningarna, som tillkom från 1919 och framåt i närheten av Urfeld söder om München och där målaren återupptäckte landskapsmåleriet för sig själv. Men han sökte och fann också nya vägar i andra motiv, som porträtt och stilleben.
Giclée = härrör från det franska verbet gicler som betyder "att spruta, spraya".
Giclée-metoden är en digital tryckprocess. Det är en högupplöst utskrift i storformat på en bläckstråleskrivare med speciella, olikfärgade eller pigmentbaserade bläck (vanligtvis sex till tolv). Färgerna är ljusäkta, dvs. motståndskraftiga mot skadligt UV-ljus. De har en hög nyansrikedom, kontrast och mättnad.
Giclée-processen är lämplig för äkta konstduk, handgjort papper och akvarellpapper samt för siden.
Impressionismen, som uppstod i det franska måleriet 1870, har fått sitt namn efter Claude Monets landskap "Impression, Soleil Levant". Efter att först ha avvisats började den ett verkligt triumferande avancemang.
Målare som Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir och andra skapade motiv från vardagslivet, stads- och landskapsscener i ett starkt, naturligt ljus.
Impressionismen kan ses som en reaktion på det akademiska måleriet. Tonvikten låg inte på innehållet med dess strikta regler för målningens struktur, utan på objektet som det ser ut i varje givet ögonblick, i ett ofta slumpmässigt utsnitt. Verkligheten sågs i hela sin färgvariation i naturlig belysning. Ateljémåleriet ersattes av friluftsmåleriet.
Den ljusare paletten och upplösningen av fasta konturer åtföljdes av ett nytt sätt att hantera färg. Ofta blandades färgerna inte längre på paletten utan sida vid sida på duken så att det slutliga intrycket ligger i betraktarens öga med ett visst avstånd. I "Pointillismen" (med målare som Georges Seurat eller Paul Signac) drevs denna princip till sin spets.
Utanför Frankrike togs impressionismen upp av målare som Max Slevogt, Max Liebermann och Lovis Corinth i Tyskland, och av James A. M. Whistler i USA.
Inom skulpturen kom impressionismen endast till uttryck i begränsad omfattning. I verken av Auguste Rodin, som anses vara en av de främsta företrädarna, kan man se en upplösning av ytorna där spelet med ljus och skugga ingår i det konstnärliga uttrycket. Degas och Renoir skapade också skulpturer.