Tableau "Le cheval blanc" (1898), encadré
Tableau "Le cheval blanc" (1898), encadré
Brève info
limité, 950 exemplaires | réplique originale de Dietz | huile sur toile | sur châssis | encadré | dimensions env. 92,5 x 64,5 cm (h/l)
Description détaillée
Tableau "Le cheval blanc" (1898), encadré
Un pharmacien commande à Gauguin un tableau représentant un cheval blanc. Lorsque Gauguin termina le tableau, le pharmacien le refusa en disant : "Je voulais un tableau avec un cheval blanc : "Je voulais un tableau avec un cheval blanc. Ce cheval est vert". Dans l'histoire de l'art, le titre du tableau est toujours "Le cheval blanc", et il est considéré comme le tableau le plus décoratif de Gauguin. Original : 1898, huile sur toile, 140 x 91,5 cm, Musée d'Orsay, Paris.
Réplique originale de Dietz. Huile sur toile en 104 couleurs. Édition limitée à 950 exemplaires. Chaque réplique de toile est tendue sur un châssis conformément à l'original, ce qui permet de retendre la toile en fonction des variations de température et d'humidité de la pièce. Encadré dans un cadre en bois véritable argenté. Dimensions, cadre compris, environ 92,5 x 64,5 cm (h/l).
Producteur : ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hanovre, Allemagne, [email protected]
A propos Paul Gauguin
1848-1903
Paul Gauguin était peintre, sculpteur, céramiste et graveur. Il a fondamentalement contribué à l’art du XXème siècle en faisant de la forme et la couleur des valeurs expressives.
Ce n’est qu’en 1872 que Paul Gauguin, agent de change né à Paris le 7 juin 1848, trouve sa voie vers la peinture grâce à Claude-Émile Schuffenecker. Il commence par collectionner les travaux des impressionnistes et étudie la peinture à l’académie Colarossi. Il rencontre Pissarro et Cézanne, travaille avec eux et expose avec les impressionnistes. À Pont-Aven, il rencontre Bernard, à Paris Degas et les frères van Gogh.
En 1890, Gauguin décide d’émigrer, vend ses tableaux et prend le bateau en direction de Tahiti le 4 avril 1891. Cependant, la maladie et la pauvreté l’obligent à revenir à Paris en 1893.
En 1895, il fait ses adieux à ses cinq enfants et à sa femme, une Danoise qu’il avait épousée en 1873, pour quitter définitivement son pays natal. Les huit années qu’il a passées dans les mers du Sud sont à nouveau marquées par la maladie et les soucis d’argent, devenus si considérables qu’il songe à retourner à Paris. Mais ses mécènes restés en France le lui déconseillent, afin de ne pas détruire le mythe du peintre des mers du Sud.
Les tableaux qu’il envoyait régulièrement à son marchand d’art Vollard montrent le monde exotique d’une culture étrangère et de gens visiblement heureux, vivant sans préjugés : le paradis que l’on croyait perdu. Cette œuvre tardive, réalisée à Tahiti, est pleine de couleurs, d’harmonie et de beauté et ne laisse rien présager des années de souffrance de Gauguin jusqu’à sa mort, le 8 mai 1903 à Atuona, Hiva-Oa, aux îles Marquises.
Procédé révolutionnaire développé par Günter Dietz pour la réplique authentique de tableau, par lequel sont utilisées, non pas les peintures d’impression habituelles, mais les mêmes peintures que celles utilisées dans l’original par l’artiste. Selon la technique de peinture de l’artiste, jusqu’à 140 applications de couleurs différentes peuvent être nécessaires pour atteindre une représentation parfaite de l’original, ce qui permet également de reproduire le relief et la texture de l’œuvre.
Voyez par exemple l’œuvre d’August Macke "Couple à la table du jardin":
En outre, le même matériel que le porteur d’origine est utilisé; la reproduction se fait alors sur toile, papier, bois, cuivre, parchemin.
Cela résulte en une reproduction parfaite et sans grille qui se rapproche de l’original en termes d’effet et d’expressivité. Même les professionnels de musée ne peuvent souvent pas distinguer l’original de la reproduction. C’est pourquoi une note de sécurité doit être insérée, visible uniquement au rayon X.
Le tirage de la plupart des reproductions de Dietz est souvent limité à 950 exemplaires. Chaque reproduction de toile est tendue comme le modèle sur un châssis à clés afin que vous puissiez retendre la toile en cas de fluctuation de la température de la pièce et de l’humidité de l’air. Des lames de bois massif de grande qualité complètent l’apparence de chaque reproduction de Dietz.
De nombreux grands chefs-d’œuvre de la peinture, par Rembrandt, Caspar David Friedrich, Claude Monet, Gustav Klimt et bien d’autres ont été reproduits par la Dietz Offizin. De célèbres artistes de l’art moderne, tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí, Max Ernst, Friedensreich Hundertwasser, Juan Miró ou encore Marc Chagall, ont utilisé le procédé développé par Günter Dietz pour la conception de reproductions de leurs propres œuvres.
Commentaires de la presse:
"Le système de Dietz permet des œuvres semblables aux originaux. Ce que l’électronique a atteint pour la reproduction musicale avec l’invention de la Hi-Fi et de la stéréo, c’est ici la technique graphique qui l’a reproduit pour les arts plastiques. " (Die Zeit)
"Il n’y a en théorie aucune différence entre l’original et la reproduction de Dietz. Bien plus que des reproductions, on devrait les appeler des fac-similés." (Newsweek)
"Ce qui était resté jusqu’à aujourd’hui impossible à produire pour tous les imprimeurs d’art du monde entier, Dietz réussit tout seul à le faire à l’aide de cette technique d’impression : une parfaite reproduction d’œuvres picturales." (Der Spiegel)
L’impressionnisme, courant artistique de la peinture française apparu vers 1870, tient son nom du tableau de Claude Monet ‘Impression, Soleil levant’. Après le rejet initial que cette peinture reçut, elle fit une avancée triomphante.
Des peintres tels que Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet et Auguste Renoir, entre autres, créèrent des motifs de la vie quotidienne, des scènes urbaines et pittoresques capturées dans une lumière claire et naturelle.
L’impressionnisme est à percevoir comme une réaction à la peinture de l’académisme : on ne cherche pas à mettre en avant le contenu à travers une constellation figurative structurée par des règles strictes, mais plutôt à mettre en valeur l’objet, la manière qu’il a d’apparaître à un moment donné, souvent fortuit. La réalité est perçue dans toute sa diversité de couleurs dans un éclairage naturel. La peinture sur le motif se substitue à la peinture en atelier.
Le nouveau maniement de la couleur s’accompagne d’un éclaircissement de la palette et de la disparition des contours fermes. Les couleurs ne sont plus mélangées à plusieurs reprises sur la palette, mais sont disposées directement sur la toile les unes à côté des autres, de telle manière que l’impression finale n’apparaisse que dans les yeux de l’observateur, prenant un certain recul. Dans le pointillisme (avec des peintres tels que Georges Seurat ou Paul Signac), ce principe a été poussé à l’extrême.
En dehors de la France, on retrouve l’impressionnisme dans les œuvres de peintres tels que Max Slevogt, Max Liebermann ou Lovis Corinth en Allemagne, ou bien James A. M. Whistler aux États-Unis.
Dans la sculpture, l’impressionnisme ne s’exprima qu’occasionnellement. Dans les œuvres de Auguste Rodin, considéré comme son représentant majeur, se montre l’évaporation des surfaces, à travers laquelle le jeu de lumière et d’ombres est assimilé au message artistique. Degas et Renoir créèrent également des sculptures.
Reproduction fidèle à l’original d’une œuvre d’art dans les mêmes dimensions et si possible dans les mêmes matériaux et utilisant les mêmes couleurs.
Généralement, la forme est directement déclinée de l’original, de telle manière que la reproduction reconstitue les détails les plus délicats. Après la fonte de la reproduction à partir du procédé le plus approprié, la surface est polie, patinée, dorée et peinte conformément à l’original.
Une reproduction produite par ars mundi est un portrait reconnaissable de l’original.