Quadro "Santuario di Kameido Tenjin" (1856-1858), incorniciato

Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".

Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.

Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.

L'arte giapponese ha ricevuto importanti impulsi dalla Cina attraverso l'acquisizione della cultura e della scrittura cinese, l'introduzione del buddismo e anche dalla Corea. All'imitazione iniziale è seguito lo sviluppo di forme e tecniche specificamente giapponesi in tutti i settori della creazione artistica. Stili diversi sono emersi come risultato della combinazione con le religioni buddista, zen e shintoista.

La storia antica del Giappone inizia nel VII millennio a.C. I reperti ceramici di questo periodo presentano decorazioni a cordicella sulla superficie. Inoltre, sono state rinvenute anche figure stilizzate in argilla e maschere risalenti a questo periodo.

Il periodo Yayoi durò dal III secolo a.C. fino al III secolo d.C. e prese il nome dal sito in cui furono rinvenuti specchi, armi e campane in bronzo con decorazioni geometriche e figurative.

Kofun (III-VI secolo)
I reperti funerari, gli oggetti in bronzo, le ceramiche e i gioielli in diaspro, oro e argento ritrovati testimoniano le creazioni artistiche di quel periodo.

Periodo Asuka e Hukaho (552-710)
Con l'accettazione ufficiale del buddismo, l'influenza cinese e coreana sull'arte giapponese aumentò. Tuttavia, l'architettura shintoista conservò gli stili edilizi preistorici nei santuari e nelle palafitte in legno. Le sculture buddiste di quel periodo furono fortemente influenzate dalla Corea e dalla Cina.

Periodo Nara (710-794)
L'arte di questo periodo fu realizzata con grande impegno e continuò a seguire i modelli cinesi. Gli unici resti del palazzo imperiale sono la sua struttura e circa 200 sculture. Un elemento di spicco è la fusione in bronzo alta 16 metri del “Grande Buddha” di Todaiji. Nuovi materiali, lacca secca e argilla, resero possibile raffigurare figure sia monumentali che drammaticamente commoventi. In seguito, l'influenza cinese diminuì; le sculture divennero squadrate e gli abiti presentavano pieghe ondulate.

Periodo Heian (794-1185)
Prende il nome dalla nuova capitale Heian-Kyo, oggi Kyoto. Gli scultori raffiguravano principalmente nuove manifestazioni del Buddha “storico” con sculture in legno di peso enorme. La seconda metà dell'epoca continuò la giapponesizzazione dell'arte. Le opere scultoree acquisirono maggiore eleganza e movimento. La pittura di questo periodo è stata conservata quasi esclusivamente attraverso la famosa Sala della Fenice di Byodo-in. I dipinti illustrano colori delicati e una tendenza verso la bellezza morbida e la rotondità delle linee. La calligrafia, che era più apprezzata della pittura nell'Asia orientale, divenne molto importante.

Periodo Kamakura (1185-1336)
Con la fondazione dello shogunato a Kamakura, fu costruito un nuovo centro culturale. La durezza e lo spirito bellicoso determinarono questa età dell'oro della cavalleria giapponese. Lo scultore Kokai e i suoi discendenti crearono sculture con intagli profondi, modellature del corpo forti e occhi naturalistici intarsiati con cristalli. L'introduzione del buddismo zen ebbe inizialmente un impatto solo sull'architettura, ma in seguito anche sulla pittura. L'artigianato creò attrezzature per la pittura, strumenti di scrittura, scatole da toilette, terracotta smaltata e ceramica. L'arte delle armi e la produzione di armature e lame per spade conobbero il loro massimo splendore.

Periodo Muromachi (1336-1573)
Prende il nome dal quartiere di Kyoto, dove aveva sede lo shogunato Ashikaga. L'architettura profana riprese lo stile Shoin dei templi Zen, che diede origine allo stile di base delle case giapponesi odierne. Anche le case da tè e la raffinata arte dei giardini si svilupparono sotto l'influenza Zen. I sacerdoti Zen coltivarono la pittura a inchiostro giapponese. I magnifici dipinti paesaggistici di Sesshu sono i capolavori artistici di quel periodo.

Periodo Momoyama (1573-1603)
Prende il nome dal palazzo del comandante Toyotomi Hideyoshi sulla collina Momoyama vicino a Kyoto. Questo periodo, caratterizzato da lusso e pomposità, è contraddistinto da un'arte libera da legami religiosi e puramente rappresentativa. Ad eccezione di pochi esemplari, la maggior parte dei castelli pomposi furono distrutti. Il lusso si rifletteva nei ricchi intagli in legno e nelle finiture in metallo. I castelli erano decorati con magnifici dipinti dai colori vivaci su sfondo dorato e l'arte del metallo era molto sviluppata.

Periodo Edo (1603-1848)
Il periodo Edo è un periodo di pace durato 250 anni in cui si svilupparono l'arte e la cultura borghesi. Furono costruite dimore e case da tè dal gusto sofisticato e semplice. La pittura decorativa conobbe una nuova ripresa. La tecnica iniziale delle lastre colorate a mano fu ulteriormente sviluppata con l'aggiunta di lastre a due colori nella stampa a quattro colori. La ceramica si distaccò dall'influenza cinese-coreana e sviluppò uno stile giapponese caratteristico. L'arte della porcellana fu arricchita da una graziosa pittura a smalto colorato. La porcellana più raffinata e di migliore qualità, che a differenza della porcellana Imari non era destinata all'esportazione, era fornita dalle fornaci Okochi. Emerse la nuova arte dell'intaglio netsuke, che veniva indossato come contrappeso all'Inro (scatola per medicinali) o alle borse per tabacco sulla cintura. L'era si concluse con l'apertura forzata del Paese da parte degli americani e il trasferimento del potere governativo all'imperatore.

Periodo Meiji (1868-1912)
Questo fu il periodo dell'occidentalizzazione in tutti i settori della vita. La pittura si sviluppò utilizzando modelli europei, ma col tempo tornò alle antiche tradizioni. Nel 1888, la Scuola di Belle Arti di Tokyo assunse il compito di promuovere la pittura giapponese. L'arte scultorea, tuttavia, continuò a seguire i modelli europei, ad eccezione di una scuola che continuò con l'arte tradizionale dell'intaglio del legno.