Quadro "Ballo a Le moulin de la Galette" (1876), incorniciato
Quadro "Ballo a Le moulin de la Galette" (1876), incorniciato
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 499 copie | certificato | riproduzione, stampa Giclée su tela | su telaio a barella | incorniciata | dimensioni circa 69 x 89 cm (h/w)
Descrizione dettagliata
Quadro "Ballo a Le moulin de la Galette" (1876), incorniciato
Storia dell'arte - La "Danza al moulin de la Galette" di Renoir.
Esistono due versioni della "Danza" di Renoir. Una è conservata al Museo d'Orsay. L'altra ha fatto scalpore nel mondo dell'arte quando un collezionista giapponese l'ha acquistata per 78 milioni di dollari e ha annunciato l'intenzione di farla seppellire con sé alla sua morte. Il mondo dell'arte era in fermento. E fu felice quando, alla fine, vendette il quadro a un collezionista svizzero.
La perdita sarebbe stata inimmaginabile: La "Danza al moulin de la Galette" è una delle opere più importanti del primo Impressionismo. Soprattutto per la sua tecnica pittorica impressionista eseguita con sicurezza, in cui ogni schizzo di colore ha un significato. L'artista ha eseguito magistralmente il trambusto colorato. Allo stesso tempo, la "Danza" dimostra come un pittore della portata di Renoir potesse rappresentare il gioco della luce artificiale e naturale. Inoltre, è un interessante ritratto della Parigi del suo tempo dal punto di vista storico-artistico, perché riunisce in un girotondo danzante i colleghi pittori di Renoir e alcune modelle di questo periodo, che compaiono anche in altre opere. Originale: Olio su tela, proprietà privata.
Riprodotto con il procedimento Fine Art Giclée su tela d'artista, teso su telaio a barella e incorniciato in un'elegante cornice in vero legno. Edizione limitata a 499 esemplari, con certificato. Dimensioni circa 69 x 89 cm (h/w). ars mundi Edizione Esclusiva.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Auguste Renoir
1841-1919
L’intera opera di Renoir, nato a Limoges nel 1841, è caratterizzata dalla sua incrollabile fiducia nel potere vivificante della natura. I colori luminosi dei suoi paesaggi, la grazia sensuale dei suoi ritratti di donne e ragazze ne sono testimonianza con la loro leggera allegria.
Inizialmente, Renoir lavorò come pittore su porcellana e studiò le opere di Antoine Watteau e François Boucher al Louvre. Nel 1862 iniziò a studiare all’École des Beaux-Arts, per poi dedicarsi alla pittura en plein air alla fine degli anni ’60 sotto l’influenza della Scuola di Barbizon. Insieme a Claude Monet, Frédéric Bazille e Alfred Sisley, scoprì i particolari vantaggi della pittura all’aperto e mantenne stretti contatti con Camille Pissarro e Paul Cézanne. Insieme a Claude Monet, inventò la pennellata libera, con la quale è possibile cogliere il continuo mutare dei colori della luce e che è la caratteristica dell’Impressionismo. Oltre ai paesaggi, realizzò anche ritratti dei suoi amici pittori e della sua modella preferita, Lise Tréhot.
Nell’estate del 1869 realizzò una serie di dipinti del ristorante «La Grenouillère», che frequentava spesso insieme a Monet. Questi dipinti inondati di luce illustrano in modo particolarmente chiaro il suo stile distintivo, caratterizzato da pennellate fugaci e colori delicati e chiari che catturano sia il tremolio dell’aria sia il luccichio dell’acqua. Inoltre, Renoir esprimeva occasionalmente la sua riflessione sulle opere di Courbet e Delacroix attraverso una tonalità smorzata e una pennellata più densa.
Tuttavia, dopo un viaggio in Italia negli anni Ottanta dell’Ottocento, Renoir abbandonò l’impressionismo. Da quel momento in poi, la sua attenzione non fu più rivolta alla riproduzione di atmosfere, ma al disegno e alla composizione nello stile di Raffaello e Ingres.
Le sue opere tardive rivelano un’enorme potenza cromatica, unita a elementi di disegno, che non lasciano trasparire nulla della sua grave malattia reumatica, in particolare alle mani. Con l’aiuto di uno studente, lo scultore Maillol, realizzò anche diverse sculture in bronzo durante questo periodo.
Il più importante pittore e grafico dell’impressionismo morì, ormai artista di fama mondiale, il 3 dicembre 1919 a Cagnes-sur-Mer.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Raffigurazione di scene tipiche della vita quotidiana nella pittura, con distinzioni tra generi rurali, borghesi e cortesi.
Il genere raggiunse il suo apice e un'immensa popolarità nella pittura olandese del XVII secolo. Nel XVIII secolo, soprattutto in Francia, la pittura cortese e galante divenne prominente, mentre in Germania si sviluppò un carattere più borghese.
Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.