Scultura "Ballerina spagnola", versione in bronzo
Scultura "Ballerina spagnola", versione in bronzo
Informazioni rapide
ars mundi Exclusive Edition | bronzo | fatto a mano | dimensioni 13 x 45 x 19 cm (l/h/d) | peso circa 4 kg
Descrizione dettagliata
Scultura "Ballerina spagnola", versione in bronzo
Con l'avanzare dell'età, Degas divenne sempre più cieco, rendendo impossibile dipingere. Ma la sua forza creativa rimase inalterata. Pertanto, si concentrò gradualmente su piccole sculture, che stabilirono anche la sua eterna reputazione di scultore. La "Danzatrice spagnola" fu fusa per la prima volta da Hébrand nel 1900.
Originale: Bronzo, anni 1882-1900, Museo d'Orsay, Parigi.
Scultura in bronzo pregiato, fusa a mano con il procedimento a cera persa. Dimensioni 13 x 45 x 19 cm (a/h/d). Peso circa 4 kg. edizione esclusiva ars mundi.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Edgar Degas
1834-1917
I quadri di ballerine aggraziate e di scene teatrali colorate sono stati al centro dell’opera di Degas sin dalla metà degli anni ’60 del XIX secolo. Si tratta di quadri di vita quotidiana che ritraggono la vita metropolitana. In molti dei suoi dipinti, Degas critica il nuovo mondo moderno. Sceglieva un dettaglio piuttosto insolito che aveva attirato la sua attenzione e lo metteva in risalto isolando il soggetto.
Nato nel 1834, il pittore francese – che, secondo i desideri della sua facoltosa famiglia, avrebbe dovuto diventare avvocato – aveva studiato l’arte dei maestri del passato al Louvre e nei musei italiani. I dipinti storici classicisti e i ritratti facevano parte del suo repertorio di motivi e forme di quel periodo. Solo l’incontro con l’impressionista Édouard Manet e le regolari esposizioni insieme a lui, a partire dal 1874, modificarono il suo stile pittorico. Tuttavia, non si considerò mai un esponente dell’impressionismo e tenne sempre alla propria indipendenza.
Nella sua opera non ci sono paesaggi, né ha mai adottato la scomposizione impressionista di colore e forma. Per Degas, l’essere umano è sempre stato il tema dominante del suo lavoro. Il legame tra le sue opere e quelle degli impressionisti risiedeva nello sforzo di cogliere l’attimo. Dimostrò la sua abilità nel rappresentare il movimento nei suoi dipinti dinamici di corse di cavalli e scene di balletto. Catturava inoltre il soggetto attraverso rapide pennellate di colori pastello e delicate linee di contorno. La base artistica di Degas era il disegno, ispirato alla xilografia giapponese. Altrettanto importante era il fatto che traducesse il soggetto sia nella pittura che nell’arte grafica.
Quando, verso la fine della sua vita, Degas iniziò a perdere gradualmente la vista, passò dalla pittura alla scultura. Modellò statuette di cavalieri e ballerine, rimanendo così fedele ai suoi motivi ricorrenti. Degas morì a Parigi nel 1917.
Una lega di rame con altri metalli (in particolare con lo stagno) utilizzata fin dall'antichità. È un metallo ideale per fusioni artistiche di alta qualità, in grado di resistere per millenni.
Quando fonde il bronzo, l'artista applica solitamente la tecnica della cera persa, che risale a oltre 5000 anni fa. Si tratta del metodo migliore, ma anche più complesso, per realizzare sculture.
In primo luogo, l'artista realizza un modello della sua opera. Questo modello viene immerso in una massa di gomma siliconica liquida. Una volta che il materiale si è solidificato, il modello viene ritagliato, lasciando uno stampo negativo. La cera liquida viene quindi versata nello stampo negativo. Dopo il raffreddamento, il calco in cera viene rimosso dallo stampo, dotato di canali di colata e immerso in una massa ceramica. La massa ceramica viene indurita in un forno, dove la cera si scioglie (stampo perso).
Infine, lo stampo negativo è pronto e vi viene versato il bronzo fuso a 1400 °C. Dopo che il bronzo si è raffreddato, il guscio ceramico viene rotto, liberando la scultura.
Successivamente, i canali di colata vengono rimossi, le superfici vengono lucidate, patinate e numerate dall'artista o da uno specialista, seguendo le loro istruzioni. Pertanto, ogni fusione è un'opera originale.
Per i calchi in bronzo di qualità inferiore, viene spesso utilizzato il metodo della fusione in sabbia, che tuttavia non raggiunge i risultati di una tecnica a cera persa più elaborata in termini di caratteristiche e qualità della superficie.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.
Una riproduzione fedele all'originale di un'opera d'arte nelle stesse dimensioni e con la migliore uniformità possibile dei materiali e dei colori.
Lo stampo viene solitamente ricavato direttamente dall'originale, in modo che la replica riproduca anche i minimi dettagli. Dopo aver fuso la replica, utilizzando il metodo più appropriato, la superficie viene lucidata, patinata, dorata o dipinta secondo l'originale.
Una replica di ars mundi è una copia riconoscibile dell'originale.
Opera d'arte plastica realizzata in legno, pietra, avorio, bronzo o altri metalli.
Mentre le sculture in legno, avorio o pietra vengono scolpite direttamente dal blocco di materiale, nella fusione in bronzo viene prima preparato un modello di lavoro. Di solito è realizzato in argilla o altri materiali facilmente modellabili.
Il periodo d'oro della scultura dopo l'antichità greca e romana è stato il Rinascimento. L'impressionismo ha dato un nuovo impulso alle arti scultoree. Anche artisti contemporanei come Jorg Immendorf, Andora e Markus Lupertz hanno arricchito la scultura con opere eccezionali.