Scultura "Danzatrice birmana" (1914), bronzo parzialmente placcato oro
Scultura "Danzatrice birmana" (1914), bronzo parzialmente placcato oro
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 980 copie | numerata | firma | marchio della fonderia | certificato | bronzo parzialmente placcato oro | dimensioni originali | dimensioni 8,5 x 28 x 4 cm (a/c)
Descrizione dettagliata
Scultura "Danzatrice birmana" (1914), bronzo parzialmente placcato oro
Disponibile in tutto il mondo solo su ars mundi: La danzatrice birmana di Emil Nolde Deve essere stata una grande avventura per Emil Nolde, cresciuto in una fattoria: dall'inizio di ottobre del 1913 all'estate del 1914, accompagnò la "Spedizione medico-demografica nella Nuova Guinea tedesca". La sua arte si concentra interamente sulle persone. Nolde li disegna e li acquerella ed è affascinato dai loro rituali. Sull'isola di Giava ebbe modo di assistere a un festival reale. L'intagliatore, che aveva studiato, rimase così impressionato dalle danzatrici e dalla loro esibizione, controllata fino al più piccolo movimento, che si dedicò a catturare la loro grazia in figure realizzate con la legna da ardere della cambusa della nave durante i suoi viaggi.
L'amore e l'ammirazione di Emil Nolde per le popolazioni indigene dei Paesi attraversati si riflettono nella bellezza della danzatrice birmana. Egli assistette a uno spettacolo di danza unico nel suo genere e, ripensandoci, registrò ciò che vide nelle sue memorie. Questa danza affascinò talmente Nolde che prese un coltello da intaglio e scolpì la graziosa danzatrice in un pezzo di legno da ardere. Gli occhi della piccola danzatrice sono particolarmente suggestivi, ed è l'unica figura della mano di Nolde ad indossare granati scintillanti. Sono molto lieto che, dopo la Danzatrice di Giava, sia stata riprodotta anche l'incantevole Danzatrice birmana, che rivela un aspetto in gran parte sconosciuto dell'opera di Nolde. Questa scultura di qualità eccezionale è disponibile per un pubblico selezionato. (Dr. Christian Ring, direttore della Fondazione Seebüll Ada e Emil Nolde) Scultura in bronzo pregiato, fusa con il processo a cera persa, cesellata a mano, lucidata e patinata. Fusione diretta dall'originale, riprodotta nelle dimensioni originali. Parzialmente placcata in oro 24 carati. Occhi con granati rossi. Edizione limitata a 980 esemplari, numerati e firmati, con marchio della fonderia. Pubblicato in collaborazione con la Fondazione Nolde Seebüll. Con certificato di autenticità e limitazione numerati. Dimensioni 8,5 x 28 x 4 cm (a/c). ars mundi Edizione Esclusiva.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Recensioni dei clienti
Dieses beeindruckende Kunstwerk entführt den Betrachter in die Südsee bzw. nach Indonesien, wo der Expressionist Emil Nolde kurz vor dem Ersten Weltkrieg, seiner Sehnsucht nach Ursprünglichkeit und Natürlichkeit folgte. Die Anmut dieser Skulptur, die eine für uns Europäer damals ganz fremde Kultur in einer von vielen Ausdrucksformen darstellt, nimmt einen gefangen und lässt einen nicht so bald wieder los. Zusammen mit dem Pendant "Java-Tänzerin", die ich zuvor erworben hatte, ist sie ein wahrer Kunstgenuss und für mich eine Augenweide. Einziger kleiner Kritikpunkt ist aus meiner Sicht die Beschaffenheit des Sockels, der etwas zu eckig mit vorspringender Verankerung und weniger formschön als die "Java-Tänzerin" gestaltet wurde. Darüber kann man aber wirklich hinwegsehen.
Informazioni Emil Nolde
1867-1956 - Espressionista tedesco
Emil Nolde nacque con il nome di Hans Emil Hansen e nel 1902 assunse il nome della sua città natale. Nolde è considerato uno dei più importanti esponenti dell'espressionismo tedesco. Dopo essere stato respinto dall'Accademia di Belle Arti di Monaco, si trasferì a Parigi per studiare all'Académie Julien. A partire dal 1905 visse e lavorò sull’isola danese di Alsen e a Berlino; fu membro per un breve periodo del rivoluzionario gruppo espressionista «Die Brücke» (Il Ponte) e della Secessione berlinese.
Poco dopo aver lasciato l’associazione di artisti “Die Brücke” alla fine del 1907, Nolde incontrò a Berlino il pittore norvegese Edvard Munch, la cui opera lo colpì profondamente. Durante la visita del suo amico Hans Fehr nel 1908, iniziò a scoprire la tecnica dell’acquerello e, infine, a padroneggiarla con virtuosismo.
Oggi l’opera di Nolde comprende numerose opere ad acquerello, dipinti a olio, opere grafiche e diverse sculture. È caratteristico il suo uso intenso del colore. Sebbene l’artista sia sempre rimasto figurativo nei suoi soggetti (ad esempio paesaggi, fiori, scene urbane, soggetti religiosi), «componeva» i suoi quadri interamente a partire dal colore. Quando nel 1927 Nolde si trasferì nella sua casa in mattoni «Seebüll» a Neukirchen, nel nord della Germania, la circondò con un ampio giardino che gli offriva motivi in abbondanza.
La ricerca aveva da tempo rilevato che la posizione di Nolde nei confronti del nazionalsocialismo era problematica. La sua esclusione dalla Camera delle Belle Arti del Reich comportò il divieto di esporre, vendere e pubblicare le sue opere. Nolde cercò ripetutamente di ottenere la riabilitazione e il riconoscimento come artista di Stato. Tuttavia, gli fu negato questo diritto fino alla fine. La sua pittura semplicemente non era formalmente compatibile con le idee dei nazisti.
All’inaugurazione della famigerata mostra «Arte degenerata» furono esposte 48 delle sue opere e ne furono confiscate più di 1000. Tuttavia, grazie ai suoi contatti, Nolde riuscì a recuperare gran parte di queste opere.
Nonostante la sua attiva adesione al regime, dal 1941 gli fu vietato di lavorare. Tuttavia, tale divieto non comportava un divieto generale di dipingere, come spesso fu riportato in seguito. Durante la guerra, realizzò più di 1.000 dei cosiddetti «quadri non dipinti» nella privacy della sua casa. Il termine originariamente si riferiva alla funzione di questi acquerelli di piccolo formato come studi e bozzetti preliminari che non venivano trasformati in dipinti di grandi dimensioni. Dopo il 1945, queste opere di indubbio fascino artistico e la loro denominazione contribuirono alla mistificazione di Nolde come artista perseguitato.
Nonostante le posizioni ideologiche contraddittorie di Nolde come persona, il valore artistico della sua opera rimane indiscusso ancora oggi. Il modo in cui Nolde riesce a far risplendere dall’interno il colore di un dipinto a olio o di un acquerello non ha eguali.
Le opere di Emil Nolde sono presenti nelle collezioni di musei di prim’ordine in tutto il mondo, tra cui l’Art Institute di Chicago, il Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo, il Museum of Modern Art di New York, il Brücke Museum di Berlino, l’Albertina di Vienna e il Kunstmuseum di Basilea, ecc. Inoltre, in suo onore sono state istituite fondazioni a Seebüll e a Berlino.
Una lega di rame con altri metalli (in particolare con lo stagno) utilizzata fin dall'antichità. È un metallo ideale per fusioni artistiche di alta qualità, in grado di resistere per millenni.
Quando fonde il bronzo, l'artista applica solitamente la tecnica della cera persa, che risale a oltre 5000 anni fa. Si tratta del metodo migliore, ma anche più complesso, per realizzare sculture.
In primo luogo, l'artista realizza un modello della sua opera. Questo modello viene immerso in una massa di gomma siliconica liquida. Una volta che il materiale si è solidificato, il modello viene ritagliato, lasciando uno stampo negativo. La cera liquida viene quindi versata nello stampo negativo. Dopo il raffreddamento, il calco in cera viene rimosso dallo stampo, dotato di canali di colata e immerso in una massa ceramica. La massa ceramica viene indurita in un forno, dove la cera si scioglie (stampo perso).
Infine, lo stampo negativo è pronto e vi viene versato il bronzo fuso a 1400 °C. Dopo che il bronzo si è raffreddato, il guscio ceramico viene rotto, liberando la scultura.
Successivamente, i canali di colata vengono rimossi, le superfici vengono lucidate, patinate e numerate dall'artista o da uno specialista, seguendo le loro istruzioni. Pertanto, ogni fusione è un'opera originale.
Per i calchi in bronzo di qualità inferiore, viene spesso utilizzato il metodo della fusione in sabbia, che tuttavia non raggiunge i risultati di una tecnica a cera persa più elaborata in termini di caratteristiche e qualità della superficie.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Termine che indica un oggetto d'arte (scultura, installazione) che, secondo l'intenzione dell'artista, viene prodotto in più copie all'interno di un'edizione limitata e numerata.
I multipli consentono la “democratizzazione” dell'arte, rendendo l'opera accessibile e alla portata di un pubblico più ampio.
Una riproduzione fedele all'originale di un'opera d'arte nelle stesse dimensioni e con la migliore uniformità possibile dei materiali e dei colori.
Lo stampo viene solitamente ricavato direttamente dall'originale, in modo che la replica riproduca anche i minimi dettagli. Dopo aver fuso la replica, utilizzando il metodo più appropriato, la superficie viene lucidata, patinata, dorata o dipinta secondo l'originale.
Una replica di ars mundi è una copia riconoscibile dell'originale.
Opera d'arte plastica realizzata in legno, pietra, avorio, bronzo o altri metalli.
Mentre le sculture in legno, avorio o pietra vengono scolpite direttamente dal blocco di materiale, nella fusione in bronzo viene prima preparato un modello di lavoro. Di solito è realizzato in argilla o altri materiali facilmente modellabili.
Il periodo d'oro della scultura dopo l'antichità greca e romana è stato il Rinascimento. L'impressionismo ha dato un nuovo impulso alle arti scultoree. Anche artisti contemporanei come Jorg Immendorf, Andora e Markus Lupertz hanno arricchito la scultura con opere eccezionali.