Scultura "Profeta" (1914), bronzo
Scultura "Profeta" (1914), bronzo
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 980 copie | numerata | firma | marchio della fonderia | certificato | bronzo | cesellato | patinato | dimensione originale | dimensioni 30 x 6 x 5 cm (h/w/d) | peso circa 1 kg
Descrizione dettagliata
Scultura "Profeta" (1914), bronzo
Insieme alla Fondazione Nolde Seebüll, abbiamo potuto realizzare l'opera di Emil Nolde "Prophet", un'edizione in bronzo della sua scultura in legno di dimensioni originali. "Emil Nolde iniziò il suo percorso artistico come scultore del legno e intagliatore di mobili. Durante il suo viaggio nei mari del sud nel 1913/14, tornò alle tecniche di intaglio, creando una piccola serie di sculture che dimostravano la sua familiarità con il legno attraverso la loro eleganza. Nel 1921, Max Sauerlandt descrisse le sculture come "tutte dotate di una solidità di forma simile a quella del legno e di un movimento contenuto". In un modo nuovo, sotto lo stimolo del materiale nobile, il desiderio di scolpire dei suoi primi anni di apprendimento fu improvvisamente risvegliato ancora una volta. Il "Profeta" di Nolde, inizialmente indicato anche come Sacerdote, è una delle opere dedicate a temi religiosi e biblici. Questi ultimi rivestono un ruolo particolare nell'opera di Emil Nolde, essendo tra i momenti salienti della sua vita e considerati ancora oggi dei capolavori. Nelle sue rappresentazioni, Nolde non si attiene strettamente alla Bibbia, ma trasmette piuttosto esperienze che descrive come profondamente radicate, salvaguardate e che "brillano interiormente". Dovevo essere artisticamente libero, non percepire Dio davanti a me come un sovrano assiro duro come l'acciaio, ma Dio dentro di me, fervente e santo come l'amore di Cristo. Sono lieto che l'eccellente riproduzione della scultura "Profeta" porti ora un altro aspetto delle sculture di Nolde all'attenzione di un pubblico selezionato". (Dr. Christian Ring, direttore della Fondazione Nolde di Seebüll) Scultura in bronzo pregiato, fusa a mano con il processo a cera persa, cesellata e patinata. Modellata direttamente dall'originale e riprodotta nelle dimensioni originali. Edizione limitata di 980 esemplari, numerati singolarmente. Il piedistallo (in bronzo) porta la firma di Nolde e il marchio della fonderia. ars mundi Edizione Esclusiva, pubblicata in collaborazione con la Fondazione Nolde Seebüll. Con certificato di autenticità e limitazione numerati. Dimensioni 30 x 6 x 5 cm (h/w/d). Peso circa 1 kg. © 2024 Fondazione Nolde Seebüll
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Emil Nolde
1867-1956 - Espressionista tedesco
Emil Nolde nacque con il nome di Hans Emil Hansen e nel 1902 assunse il nome della sua città natale. Nolde è considerato uno dei più importanti esponenti dell'espressionismo tedesco. Dopo essere stato respinto dall'Accademia di Belle Arti di Monaco, si trasferì a Parigi per studiare all'Académie Julien. A partire dal 1905 visse e lavorò sull’isola danese di Alsen e a Berlino; fu membro per un breve periodo del rivoluzionario gruppo espressionista «Die Brücke» (Il Ponte) e della Secessione berlinese.
Poco dopo aver lasciato l’associazione di artisti “Die Brücke” alla fine del 1907, Nolde incontrò a Berlino il pittore norvegese Edvard Munch, la cui opera lo colpì profondamente. Durante la visita del suo amico Hans Fehr nel 1908, iniziò a scoprire la tecnica dell’acquerello e, infine, a padroneggiarla con virtuosismo.
Oggi l’opera di Nolde comprende numerose opere ad acquerello, dipinti a olio, opere grafiche e diverse sculture. È caratteristico il suo uso intenso del colore. Sebbene l’artista sia sempre rimasto figurativo nei suoi soggetti (ad esempio paesaggi, fiori, scene urbane, soggetti religiosi), «componeva» i suoi quadri interamente a partire dal colore. Quando nel 1927 Nolde si trasferì nella sua casa in mattoni «Seebüll» a Neukirchen, nel nord della Germania, la circondò con un ampio giardino che gli offriva motivi in abbondanza.
La ricerca aveva da tempo rilevato che la posizione di Nolde nei confronti del nazionalsocialismo era problematica. La sua esclusione dalla Camera delle Belle Arti del Reich comportò il divieto di esporre, vendere e pubblicare le sue opere. Nolde cercò ripetutamente di ottenere la riabilitazione e il riconoscimento come artista di Stato. Tuttavia, gli fu negato questo diritto fino alla fine. La sua pittura semplicemente non era formalmente compatibile con le idee dei nazisti.
All’inaugurazione della famigerata mostra «Arte degenerata» furono esposte 48 delle sue opere e ne furono confiscate più di 1000. Tuttavia, grazie ai suoi contatti, Nolde riuscì a recuperare gran parte di queste opere.
Nonostante la sua attiva adesione al regime, dal 1941 gli fu vietato di lavorare. Tuttavia, tale divieto non comportava un divieto generale di dipingere, come spesso fu riportato in seguito. Durante la guerra, realizzò più di 1.000 dei cosiddetti «quadri non dipinti» nella privacy della sua casa. Il termine originariamente si riferiva alla funzione di questi acquerelli di piccolo formato come studi e bozzetti preliminari che non venivano trasformati in dipinti di grandi dimensioni. Dopo il 1945, queste opere di indubbio fascino artistico e la loro denominazione contribuirono alla mistificazione di Nolde come artista perseguitato.
Nonostante le posizioni ideologiche contraddittorie di Nolde come persona, il valore artistico della sua opera rimane indiscusso ancora oggi. Il modo in cui Nolde riesce a far risplendere dall’interno il colore di un dipinto a olio o di un acquerello non ha eguali.
Le opere di Emil Nolde sono presenti nelle collezioni di musei di prim’ordine in tutto il mondo, tra cui l’Art Institute di Chicago, il Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo, il Museum of Modern Art di New York, il Brücke Museum di Berlino, l’Albertina di Vienna e il Kunstmuseum di Basilea, ecc. Inoltre, in suo onore sono state istituite fondazioni a Seebüll e a Berlino.
Una lega di rame con altri metalli (in particolare con lo stagno) utilizzata fin dall'antichità. È un metallo ideale per fusioni artistiche di alta qualità, in grado di resistere per millenni.
Quando fonde il bronzo, l'artista applica solitamente la tecnica della cera persa, che risale a oltre 5000 anni fa. Si tratta del metodo migliore, ma anche più complesso, per realizzare sculture.
In primo luogo, l'artista realizza un modello della sua opera. Questo modello viene immerso in una massa di gomma siliconica liquida. Una volta che il materiale si è solidificato, il modello viene ritagliato, lasciando uno stampo negativo. La cera liquida viene quindi versata nello stampo negativo. Dopo il raffreddamento, il calco in cera viene rimosso dallo stampo, dotato di canali di colata e immerso in una massa ceramica. La massa ceramica viene indurita in un forno, dove la cera si scioglie (stampo perso).
Infine, lo stampo negativo è pronto e vi viene versato il bronzo fuso a 1400 °C. Dopo che il bronzo si è raffreddato, il guscio ceramico viene rotto, liberando la scultura.
Successivamente, i canali di colata vengono rimossi, le superfici vengono lucidate, patinate e numerate dall'artista o da uno specialista, seguendo le loro istruzioni. Pertanto, ogni fusione è un'opera originale.
Per i calchi in bronzo di qualità inferiore, viene spesso utilizzato il metodo della fusione in sabbia, che tuttavia non raggiunge i risultati di una tecnica a cera persa più elaborata in termini di caratteristiche e qualità della superficie.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Movimento artistico che ha sostituito l'impressionismo all'inizio del XX secolo.
L'espressionismo è la forma tedesca della rivoluzione artistica nella pittura, nell'arte grafica e nella scultura, i cui precursori si trovano nelle opere di Paul Cézanne, Vincent van Gogh e Paul Gauguin alla fine del XIX secolo. Gli espressionisti cercavano di raggiungere gli elementi fondamentali della pittura. Utilizzando colori vivaci e ininterrotti su grandi superfici, enfatizzando le linee e puntando a un'espressività suggestiva, combattevano contro il gusto artistico stabilito dalla borghesia.
I rappresentanti più importanti dell'espressionismo furono i fondatori di “Die Brücke”: Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein, Otto Mueller e Franz Marc, August Macke e altri.
I maestri dell'espressionismo viennese sono Egon Schiele e Oskar Kokoschka. Tra gli scultori, il più famoso è Ernst Barlach.
Il fauvismo è la forma francese dell'espressionismo.
Termine che indica un oggetto d'arte (scultura, installazione) che, secondo l'intenzione dell'artista, viene prodotto in più copie all'interno di un'edizione limitata e numerata.
I multipli consentono la “democratizzazione” dell'arte, rendendo l'opera accessibile e alla portata di un pubblico più ampio.
Opera d'arte plastica realizzata in legno, pietra, avorio, bronzo o altri metalli.
Mentre le sculture in legno, avorio o pietra vengono scolpite direttamente dal blocco di materiale, nella fusione in bronzo viene prima preparato un modello di lavoro. Di solito è realizzato in argilla o altri materiali facilmente modellabili.
Il periodo d'oro della scultura dopo l'antichità greca e romana è stato il Rinascimento. L'impressionismo ha dato un nuovo impulso alle arti scultoree. Anche artisti contemporanei come Jorg Immendorf, Andora e Markus Lupertz hanno arricchito la scultura con opere eccezionali.