Quadro "Il girasole" (1907), incorniciato
Quadro "Il girasole" (1907), incorniciato
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 499 copie | certificato numerato | riproduzione, stampa Giclée su tela | su telaio a barella | incorniciata | dimensioni 79 x 79 cm
Descrizione dettagliata
Quadro "Il girasole" (1907), incorniciato
I Quadri di Gustav Klimt sono tra le opere d'arte più costose al mondo e godono di grande popolarità internazionale. Il suo stile è inconfondibile. Oltre ai dipinti del suo "periodo d'oro", furono soprattutto gli impressionanti dipinti di paesaggi con cui il maestro viennese Gustav Klimt segnò il passaggio alla pittura moderna. Per Gustav Klimt, i paesaggi che dipingeva nella natura, senza schizzi preliminari, erano fonte di tranquillità e meditazione. Al centro dei suoi paesaggi di giardino su larga scala c'è lo spettacolo della natura come simbolo elementare della vita.
"Il girasole": Un alto girasole dal fogliame lussureggiante si staglia da una selva apparentemente impenetrabile di piante - una cascata di foglie della natura che sfocia in un magnifico mare di fiori.
Originale: 1907, olio su tela di proprietà privata. L'opera originale è stata trasferita direttamente su tela d'artista in 100% cotone con il processo Fine Art Giclée per una riproduzione brillante e autentica e montata su telai a barella. Incorniciata in una cornice in legno massiccio dorato fatta a mano. L'edizione è limitata a 499 esemplari, numerati singolarmente sul certificato posto sul retro. Dimensioni 79 x 79 cm. In esclusiva da ars mundi.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Gustav Klimt
1862-1918, pittore austriaco, illustre esponente dell’Art Nouveau viennese
Gustav Klimt (1862-1918) era già un artista di fama, che con i suoi murales influenzò lo stile Art Nouveau della famosa Ringstrasse di Vienna e fu cofondatore della Secessione viennese, quando creò il suo “Stile dorato”. Ispirandosi ai mosaici bizantini, inserì superfici cromatiche ornamentali in una cornice dorata, proprio come gemme incastonate. Nei suoi cicli pittorici, Klimt descrive il percorso della vita umana, in cui l’individuo, influenzato negativamente dagli istinti, trova la redenzione nel bacio. Le rappresentazioni del corpo trasmettono un erotismo sottile, sebbene le figure si dissolvano in superfici cromatiche ornamentali e geometriche. Egli utilizzò questo metodo non solo per le sue raffigurazioni di coppie, ma anche per i ritratti di donne benestanti e per i dipinti di paesaggi. Questo stile bidimensionale è oggi l’emblema dell’arte dai colori intensi di Klimt, che tuttavia caratterizza la sua opera solo a partire dal 1905.
Klimt non solo era un maestro nell’uso dell’oro e dell’opulenza, ma era anche un brillante disegnatore. Nel corso della sua vita realizzò numerosi disegni, per lo più come studi preliminari per opere di più grandi dimensioni.
Figlio di un incisore, Klimt apprese il mestiere alla Scuola di Arti Applicate di Vienna. Mentre era ancora alla ricerca del proprio stile artistico, le sue prime opere si ispiravano allo storicismo, in particolare all’influenza di Hans Makart, il «principe degli artisti» della monarchia asburgica alla fine del XIX secolo. Insieme al fratello Ernst e a Franz Matsch, i tre giovani pittori formarono una comunità artistica e ricevettero numerose commissioni per progettare nuovi edifici sulla Ringstrasse di Vienna. Le scale del Burgtheater di Vienna o del Museo delle Belle Arti testimoniano lo stile storicista di questo gruppo di collaboratori.
Verso la fine degli anni Novanta del XIX secolo, come tanti giovani artisti di larghe vedute della fin de siècle, Gustav Klimt abbandonò la tradizione accademica. Nel 1897, insieme ad altri artisti, fondò la «Secessione viennese», che presiedette fino alle sue dimissioni nel 1905. Ancora oggi, l’edificio espositivo della Secessione rimane un luogo e un tempio per la nuova arte giovane.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Il termine Art Nouveau, o il termine tedesco Jugendstil (lett.: “Stile Gioventù”), indica il periodo artistico compreso tra il 1890 e il 1910. Il nome deriva dalla rivista “Jugend” (Gioventù), fondata a Monaco di Baviera nel 1896. Era la controparte tedesca dell'Art Nouveau (Francia), conosciuta a livello internazionale come Modern Style (Inghilterra) o Secession (Austria).
L'Art Nouveau si diffuse in tutta Europa, dando vita a innumerevoli opere, dalla pittura alle arti applicate all'architettura. Uno dei requisiti dell'Art Nouveau era il design artistico degli oggetti di uso quotidiano, con l'obiettivo di fondere bellezza e praticità. L'unità desiderata dell'abilità artistica poteva essere raggiunta solo attraverso un design influenzato individualmente, rendendo l'Art Nouveau un precursore del modernismo. La caratteristica distintiva dell'Art Nouveau è la sua ornamentazione lineare, spesso asimmetrica. I modelli sono tratti in particolare dalla natura e dalla flora.
I principali centri dell'Art Nouveau si formarono a Monaco, Darmstadt, Bruxelles, Parigi e Nancy (arte del vetro di Emile Gallé). L'architettura viennese di quel periodo fu determinata da Otto Wagner e J. Hoffmann. Gustav Klimt creò dipinti che diedero forma sensuale allo spirito dell'Art Nouveau.
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