Busto "Bambino di Worpswede", riduzione in bronzo
Busto "Bambino di Worpswede", riduzione in bronzo
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 490 copie | numerata | marchio di garanzia della fonderia | certificato | bronzo | patinato | riduzione | dimensioni 20,5 x 20 x 11,5 cm (h/w/d) | peso circa 2,1 kg
Descrizione dettagliata
Busto "Bambino di Worpswede", riduzione in bronzo
Per Hans am Ende, gli studi accademici a Monaco si rivelarono infruttuosi, addirittura paralizzanti. Al posto delle aule scolastiche, trovò maggiore ispirazione nella Schackgalerie e nella Pinakothek. Lo studio dell'anatomia lo affascinava. E così si concentrò ripetutamente sui ritratti (di teste) attraverso il disegno, l'incisione e la modellazione. Il suo "Bambino di Worpswede" è un ritratto preciso, ma anche l'indizio di un inizio misterioso.
Scultura in bronzo pregiato, patinato. Fusa a mano con il processo a cera persa. Il calco è stato ricavato direttamente dall'originale in gesso e ridotto di dimensioni (riduzione). In collaborazione con la Kunsthalle di Brema. Edizione limitata di 490 esemplari, numerati singolarmente e contrassegnati dal timbro della fonderia. Con certificato di autenticità e limitazione numerati. Dimensioni 20,5 x 20 x 11,5 cm (h/p). Peso circa 2,1 kg. ars mundi Edizione Esclusiva.
"Come cofondatore della colonia di artisti di Worpswede, Hans am Ende ha un significato speciale per la collezione della Kunsthalle di Brema, poiché le sue opere sono state esposte qui già nel 1895. Oggi la sua opera è rappresentata nella nostra collezione da importanti dipinti di paesaggi, da numerose opere su carta e dalla scultura del "Bambino di Worpswede". Il ritratto della bambina, estremamente fine e dettagliato, emana un'incantevole tranquillità e, allo stesso tempo, trasmette la grande abilità artistica di Hans am Ende. Sono lieto che questo meraviglioso ritratto sia ora disponibile per una più ampia cerchia di collezionisti grazie a questa riproduzione di alta qualità". (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, Direttore della Kunsthalle di Brema)
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Hans am Ende
Nel 1889 Hans am Ende fondò, insieme a Fritz Mackensen, Otto Modersohn, Fritz Overbeck, Heinrich Vogeler e Carl Vinnen, la colonia di artisti di Worpswede. La loro partecipazione alla Mostra Cooperativa degli Artisti di Monaco del 1895 portò al piccolo gruppo riconoscimenti e acquisizioni delle opere, segnando così la loro affermazione artistica.
Hans am Ende, nato a Treviri il 31 dicembre 1864, studiò all’Accademia di Monaco dal 1884 al 1889, con un’interruzione di due anni. La sua conoscenza personale con Fritz Mackensen, che aveva scoperto per caso l’ignoto villaggio agricolo nel Teufelsmoor a nord di Brema, spinse Ende a stabilirsi definitivamente a Worpswede nel 1889.
I dipinti dai colori intensi di Hans am Ende hanno come soggetto principale la brughiera. Qui, lontano dai circoli artistici accademici, l’artista ha vissuto un’esperienza della natura immediatamente affascinante. Ha immortalato il paesaggio aspro in dipinti naturalistici suggestivi e delicati.
Nella sua produzione successiva, le alte montagne svizzere divennero il fulcro dei suoi soggetti. Trascorse lì gli ultimi anni della sua vita e morì nel 1918.
Una lega di rame con altri metalli (in particolare con lo stagno) utilizzata fin dall'antichità. È un metallo ideale per fusioni artistiche di alta qualità, in grado di resistere per millenni.
Quando fonde il bronzo, l'artista applica solitamente la tecnica della cera persa, che risale a oltre 5000 anni fa. Si tratta del metodo migliore, ma anche più complesso, per realizzare sculture.
In primo luogo, l'artista realizza un modello della sua opera. Questo modello viene immerso in una massa di gomma siliconica liquida. Una volta che il materiale si è solidificato, il modello viene ritagliato, lasciando uno stampo negativo. La cera liquida viene quindi versata nello stampo negativo. Dopo il raffreddamento, il calco in cera viene rimosso dallo stampo, dotato di canali di colata e immerso in una massa ceramica. La massa ceramica viene indurita in un forno, dove la cera si scioglie (stampo perso).
Infine, lo stampo negativo è pronto e vi viene versato il bronzo fuso a 1400 °C. Dopo che il bronzo si è raffreddato, il guscio ceramico viene rotto, liberando la scultura.
Successivamente, i canali di colata vengono rimossi, le superfici vengono lucidate, patinate e numerate dall'artista o da uno specialista, seguendo le loro istruzioni. Pertanto, ogni fusione è un'opera originale.
Per i calchi in bronzo di qualità inferiore, viene spesso utilizzato il metodo della fusione in sabbia, che tuttavia non raggiunge i risultati di una tecnica a cera persa più elaborata in termini di caratteristiche e qualità della superficie.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.
Termine che indica un oggetto d'arte (scultura, installazione) che, secondo l'intenzione dell'artista, viene prodotto in più copie all'interno di un'edizione limitata e numerata.
I multipli consentono la “democratizzazione” dell'arte, rendendo l'opera accessibile e alla portata di un pubblico più ampio.
Opera d'arte plastica realizzata in legno, pietra, avorio, bronzo o altri metalli.
Mentre le sculture in legno, avorio o pietra vengono scolpite direttamente dal blocco di materiale, nella fusione in bronzo viene prima preparato un modello di lavoro. Di solito è realizzato in argilla o altri materiali facilmente modellabili.
Il periodo d'oro della scultura dopo l'antichità greca e romana è stato il Rinascimento. L'impressionismo ha dato un nuovo impulso alle arti scultoree. Anche artisti contemporanei come Jorg Immendorf, Andora e Markus Lupertz hanno arricchito la scultura con opere eccezionali.