Quadro "La baia di Danzica presso Sopot" (1900), incorniciato
Quadro "La baia di Danzica presso Sopot" (1900), incorniciato
Informazioni rapide
limitato, 499 copie | certificato | riproduzione, stampa Giclée su tela | su telaio a barella | incorniciato | dimensioni 46 x 65 cm (h/w)
Descrizione dettagliata
Quadro "La baia di Danzica presso Sopot" (1900), incorniciato
Corinth, che anni prima aveva viaggiato nel Mar Baltico con l'amico Hans Olde, ha catturato l'atmosferico paesaggio del Mar Baltico in un modo impressionista riccamente colorato con applicazione di colori a impasto.
Originale: 1900, Schweinfurt, Museo Georg Schäfer.
Riproduzione con procedimento Fine Art Giclée su tela d'artista in cotone 100%, tesa su telaio a barella e incorniciata in legno massiccio. Edizione limitata a 499 esemplari con certificato sul retro. Dimensioni 46 x 65 cm (h/l).
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Lovis Corinth
“La vera arte (...) non ha alcun carattere pratico o utilitaristico. Esiste solo per se stessa. Egoista come un dio, si presenta davanti a noi in tutto il suo splendore.” (Lovis Corinth)
L'opera di Lovis Corinth (1858-1925) è difficile da definire nel suo insieme. È persino discutibile classificare il suo lavoro come “impressionismo tedesco” in contrapposizione all'impressionismo francese: Corinth ha certamente sperimentato l'effetto del colore nel senso di dare autonomia ai mezzi pittorici. Ma era per lo più estraneo ai calcoli scientifico-accademici, ai sistemi cromatici o alla giustificazione degli effetti cromatici radicati nella fisica. In generale, si oppose alle tendenze artistiche del suo tempo e disprezzò persino molti dei nuovi approcci della giovane avanguardia come “arte formulaica”.
Ma a prima vista, Corinth sembra solo un pittore “conservatore”. Da un lato, rimase legato allo stile figurativo e realistico della pittura per tutta la vita. Le sue fonti di ispirazione rimasero i vecchi olandesi, soprattutto Rembrandt, e morì vicino ad Amsterdam perché voleva ammirare ancora una volta gli originali che si trovavano lì. D'altra parte, però, era considerato un ribelle e un innovatore, e rivisitava sempre i generi classici (dipinti storici, temi biblici e mitologici) con un occhio altamente soggettivo, fino al punto di arrivare alla parodia e alla travestitura. In definitiva, fu un contemporaneo eccezionale della sua epoca artistica e come tale fu percepito. Era moderno in tutti i sensi e la serie dei suoi famosi autoritratti mostra il Corinth a volte instabile, diviso tra l'ebbrezza artistica e la depressione, come un maestro dell'autointerpretazione psicologica.
L'opera tarda di Corinth è di particolare importanza. Innanzitutto, ci sono i dipinti di Walchensee, realizzati a partire dal 1919 vicino a Urfeld, a sud di Monaco, dove il pittore riscoprì la pittura di paesaggio. Ma cercò e trovò nuovi approcci anche in altri soggetti, come i ritratti e le nature morte.
Raffigurazione di scene tipiche della vita quotidiana nella pittura, con distinzioni tra generi rurali, borghesi e cortesi.
Il genere raggiunse il suo apice e un'immensa popolarità nella pittura olandese del XVII secolo. Nel XVIII secolo, soprattutto in Francia, la pittura cortese e galante divenne prominente, mentre in Germania si sviluppò un carattere più borghese.
Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.