Quadro "Uomo pappagallo" (1902), incorniciato
Quadro "Uomo pappagallo" (1902), incorniciato
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 980 copie | certificato numerato | riproduzione, stampa Giclée su tela | su telaio a barella | incorniciata | dimensioni 65 x 47 cm (h/w)
Descrizione dettagliata
Quadro "Uomo pappagallo" (1902), incorniciato
Originale: 1902, olio su tela, 102,5 x 72,5 cm, Museum Folkwang, Essen.
Per ottenere una riproduzione brillante e autentica, l'opera originale è stata trasferita direttamente su tela d'artista con il processo Fine Art Giclée e tesa su un telaio a barella. Edizione limitata di 980 esemplari con certificato numerato sul retro. Cornice in legno massiccio nero e dorato. Dimensioni 65 x 47 cm (h/w). ars mundi Edizione Esclusiva.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Recensioni dei clienti
Variante telaio: incorniciato
Prachtig schilderij en kwaliteit op canvas prima in orde. Zeer blij mee. Dankjewel
Variante telaio: incorniciato
Informazioni Max Liebermann
1847-1935
Insieme a Lovis Corinth e Max Slevogt, Max Liebermann formò il triumvirato dell’impressionismo tedesco e ricevette numerosi riconoscimenti nel corso della sua vita. Il suo impegno nel trasformare in arte la vita e il lavoro della gente comune con sobria semplicità fece sì che Liebermann dovesse inizialmente lottare per ottenere il riconoscimento.
Liebermann divenne un pittore celebre solo a cavallo tra il XIX e il XX secolo, quando si dedicò sempre più a motivi e scene tratti dalla vita dell’alta borghesia. Fu nominato professore all’Accademia Reale e membro della giuria alle mostre dell’Accademia nel 1897. Nel 1899 fondò la Secessione di Berlino, trasformandola nella più importante istituzione artistica tedesca. Nel 1920 Liebermann divenne presidente dell’Accademia Prussiana e nel 1932 ne assunse la presidenza onoraria.
A causa delle sue origini ebraiche, fu emarginato dai nazisti e costretto a dimettersi da tutte le cariche. Mentre dalla finestra del suo appartamento osservava i nazisti festeggiare la vittoria marciando attraverso la Porta di Brandeburgo, Liebermann avrebbe detto: «Non riesco a mangiare tanto quanto vorrei vomitare». Nel 1935 morì all’età di 87 anni dopo una lunga malattia.
Per Max Liebermann, la natura era sempre un paradiso creato dall’uomo (e abitato dall’uomo). Trovava i suoi soggetti nei giardini, nei parchi e nei luoghi di svago borghesi. Liebermann è un maestro della luce messa in scena, che lascia ricadere sulle sue scene, spesso filtrata attraverso una chioma di alberi. I singoli fasci di luce che penetrano fino al suolo sono suggestivi e sono passati alla storia dell’arte come «macchie solari di Liebermann».
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Raffigurazione di scene tipiche della vita quotidiana nella pittura, con distinzioni tra generi rurali, borghesi e cortesi.
Il genere raggiunse il suo apice e un'immensa popolarità nella pittura olandese del XVII secolo. Nel XVIII secolo, soprattutto in Francia, la pittura cortese e galante divenne prominente, mentre in Germania si sviluppò un carattere più borghese.
Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.