Quadro "La Salute (Venezia)" (1906), versione con cornice bianca e dorata
Quadro "La Salute (Venezia)" (1906), versione con cornice bianca e dorata
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | tiratura limitata a 980 esemplari | numerata | certificato | riproduzione, stampa Giclée su tela | su telaio | incorniciata | dimensioni circa 68 x 84 cm (alt./larg.)
Descrizione dettagliata
Quadro "La Salute (Venezia)" (1906), versione con cornice bianca e dorata
Con colori vivaci e luci scintillanti, Paul Signac cattura l’inconfondibile atmosfera di Venezia. Al centro della composizione si erge la famosa Basilica di Santa Maria della Salute, la cui sagoma sembra emergere dalla foschia della laguna. Le barche a vela gialle strutturano la scena e aggiungono accenti vivaci alla superficie scintillante dell’acqua.
In qualità di esponente di spicco del neoimpressionismo, Signac sviluppò una tecnica pittorica in cui i colori puri sono affiancati l’uno all’altro e si fondono solo nell’occhio dello spettatore per formare un’immagine d’insieme radiosa. Ciò crea una straordinaria luminosità che trasforma acqua, luce e architettura in un armonioso gioco di colori.
*La Salute (Venezia)* è tra le rappresentazioni più suggestive di Venezia realizzate dall’artista. L’opera combina magistralmente la bellezza poetica della città lagunare con la teoria pionieristica del colore di Signac, rendendo tangibile in modo unico la visione pittorica moderna del neoimpressionismo.
L'opera originale è stata esposta al pubblico per l'ultima volta nel 1913 ed è stata venduta all'asta da Koller il 26 giugno 2026 per 4.164.500 CHF.
Originale: 1906, olio su tela, 73 x 92 cm, collezione privata.
Edizione basata sull’originale, realizzata con il processo Fine Art Giclée, trasferita direttamente su tela da pittore e montata su telaio. Edizione limitata a 980 copie, numerate, con certificato. Incorniciata in una cornice artigianale in legno massello bianco e dorato. Dimensioni circa 68 x 84 cm (h/l). ars mundi Edizione Esclusiva.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Recensioni dei clienti
Variante telaio: Corniciatura 1
Ein großartiges Bild, welches wir jeden Morgen beim Aufwachen betrachten können. Ganz tolle Farben und die Punkte sind so gut erkennbar.
Übrigens kam die Lieferung umgehend.
Vielen Dank.
Informazioni Paul Signac
1863-1935
Paul Signac è uno dei più importanti esponenti del neoimpressionismo. Insieme a Georges Seurat, ha sviluppato la tecnica del puntinismo, in cui innumerevoli piccoli punti di colore si fondono per formare composizioni luminose. Attraverso l’uso ponderato dei colori primari, sia contrastanti che complementari, e una profonda conoscenza dell’ottica e della fisiologia della percezione, ha creato capolavori la cui luminosità è difficilmente eguagliabile.
I dipinti di Signac sono caratterizzati da una straordinaria abbondanza di luce e da un uso armonioso del colore, che trasformano paesaggi, porti e scene costiere in mondi pittorici poetici. La sua opera coniuga la teoria scientifica del colore con la sensibilità artistica e offre allo spettatore una visione di calma, chiarezza e gioia di vivere mediterranea.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.