Quadro "Due donne in giardino (nel pergolato)" (1892), incorniciato
Quadro "Due donne in giardino (nel pergolato)" (1892), incorniciato
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 499 copie | numerate | certificato | riproduzione, stampa Giclée su tela | telaio a barella | cornice da museo | dimensioni 66 x 78 cm
Descrizione dettagliata
Quadro "Due donne in giardino (nel pergolato)" (1892), incorniciato
Anche se distolgono lo sguardo dall'altro e si concentrano interamente sul loro lavoro, Krøyer è riuscito comunque a trasmettere un senso di calma e di sereno affiatamento. Questo quadro è quasi in grado di calmare il rumore e il trambusto di un'intera stanza.
Originale: Olio su tela, Museo d'Arte e Cultura, Lubecca.
Giclée Fine Art direttamente su tela dell'artista e montata su telaio a barella. Incorniciato in una cornice da museo. Edizione limitata di 499 esemplari, numerati sul retro e con certificato. Dimensioni 66 x 78 cm. In esclusiva da ars mundi.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Peder Severin Kroyer
1851-1909
In Danimarca e Norvegia, tutti conoscono Peder Severin Krøyer. Il pittore norvegese-danese è l'icona dell'impressionismo nordico.
Krøyer entrò all’Accademia Reale Danese di Belle Arti all’età di 14 anni. Da giovane artista, viaggiò molto in Spagna, Italia e soprattutto in Francia dal 1877 al 1881, dove studiò gli impressionisti a Parigi. Nell’estate del 1882, Krøyer giunse per la prima volta a Skagen, dove da allora trascorse ogni estate, diventando il principale esponente della colonia di artisti locale.
I suoi dipinti ritraggono la vita spensierata degli artisti, le loro feste, le passeggiate sulla spiaggia e le suggestive serate al chiaro di luna.
Non sono solo la sua maestria tecnica e la padronanza virtuosistica della composizione pittorica e dell’armonia cromatica a rendere Krøyer un grande maestro. Sono anche la sua acuta capacità di osservazione e il fatto che le atmosfere perfettamente colte nei suoi quadri abbiano un effetto quasi immediato sullo spettatore.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Raffigurazione di scene tipiche della vita quotidiana nella pittura, con distinzioni tra generi rurali, borghesi e cortesi.
Il genere raggiunse il suo apice e un'immensa popolarità nella pittura olandese del XVII secolo. Nel XVIII secolo, soprattutto in Francia, la pittura cortese e galante divenne prominente, mentre in Germania si sviluppò un carattere più borghese.
Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.