Quadro "Vaso con oleandri" (1888), incorniciato
Quadro "Vaso con oleandri" (1888), incorniciato
Informazioni rapide
limitata, 950 copie | replica originale Dietz | olio su tela | su telaio a barella | incorniciato | dimensioni circa 64 x 75 cm (h/w)
Descrizione dettagliata
Quadro "Vaso con oleandri" (1888), incorniciato
Originale: 1888, olio su tela, 60,3 x 73,6 cm, Metropolitan Museum of Art, New York.
Replica originale di Dietz a olio su tela a 90 colori. Edizione limitata a 950 esemplari. Montato su telaio a barella. Incorniciato con striscia di vero legno marrone. Dimensioni, inclusa la cornice, circa 64 x 75 cm (h/l).
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
Informazioni Vincent van Gogh
1853-1890 - Pioniere dell'espressionismo
«Quest’uomo o impazzirà o lascerà tutti noi molto indietro», predisse Camille Pissarro a proposito di Vincent van Gogh, nato nel 1853 figlio di un sacerdote. E in effetti, l’olandese divenne un precursore del modernismo, inaugurando l’espressionismo con le sue linee curve e i suoi colori vivaci. Mentre durante la sua vita van Gogh riusciva a malapena a guadagnare dai suoi dipinti quanto bastava per comprare colori e tele e doveva fare affidamento sul sostegno finanziario del fratello Theo, oggi le sue opere raggiungono regolarmente prezzi multimilionari in aste spettacolari.
Van Gogh (1853-1890) proveniva da una famiglia di pastori protestanti di Groot-Zundert, nel Brabante. Il suo primo contatto con l’arte avvenne grazie a uno zio che era mercante d’arte. Inizialmente van Gogh lavorò nelle filiali della Galleria Goupil & Cie all’Aia, a Londra e a Parigi, ma anche come precettore in Inghilterra e come predicatore metodista. Iniziò a disegnare mentre era predicatore nel distretto carbonifero del Borinage. In seguito, frequentò l’Accademia di Bruxelles per alcuni mesi, ma proseguì la sua formazione principalmente da autodidatta.
I suoi primi dipinti a olio raffigurano contadini e operai poveri. Questi quadri sono molto cupi e realizzati con tratti semplici e ampi. Passando per Anversa, dove soggiornò per tre mesi e entrò in contatto con la leggerezza e l’eleganza delle stampe giapponesi su legno, giunse a Parigi. Qui scoprì il sole e i colori vivaci. Studiò gli impressionisti, i puntinisti e i primi simbolisti e dipinse vedute urbane, paesaggi e ritratti.
Alla ricerca di maggiore luce e libertà, nel 1888 si recò ad Arles, nel sud della Francia, dove lo seguì il suo amico Paul Gauguin. Van Gogh aveva in mente di fondare lì una comunità di artisti e di invitare tutti i suoi amici pittori a vivere e lavorare con lui, ma il progetto fallì. Dopo un drammatico scontro con Gauguin, nel corso del quale van Gogh si ferì all’orecchio, dovette trascorrere diversi lunghi periodi in ospedale a causa di crisi nervose. Queste crisi si intensificarono in seguito e alla fine lo portarono al suicidio.
I dipinti più famosi di Van Gogh furono realizzati durante il suo soggiorno ad Arles. In questi dipinti si percepisce tutta la luminosità del sole; campi, alberi e nuvole riflettono la potenza della natura in modo impressionante. Per noi spettatori di oggi è difficile immaginare la forza che deve essere stata necessaria per produrre capolavori così gioiosi nel mezzo di una profonda sofferenza psicologica. Questo rimane il segreto di van Gogh – e rimane il segreto della sua opera tardiva fino ai giorni nostri.
Un processo rivoluzionario sviluppato da Günter Dietz per la riproduzione autentica dei dipinti, in cui non vengono utilizzati i normali inchiostri da stampa, ma gli stessi colori originali utilizzati dall'artista. A seconda della tecnica pittorica dell'artista, possono essere necessari fino a 140 (!) strati diversi di vernice per ottenere una replica perfetta dell'originale che riproduca in modo tangibile anche il "rilievo" e la consistenza della vernice.
Un esempio è "Coppia al tavolo da giardino" di August Macke:
Inoltre, viene sempre utilizzato il materiale del supporto originale, il che significa che la riproduzione viene realizzata su tela, carta, legno, rame o pergamena.
Il risultato è una riproduzione perfetta, senza griglia, che assomiglia molto all'originale in termini di espressività ed effetto. Anche gli specialisti dei musei spesso non riescono a distinguere l'originale dalla replica. Pertanto, è necessario aggiungere una speciale nota di sicurezza, visibile solo ai raggi X.
L'edizione della maggior parte delle repliche Dietz è limitata, di solito a 950 copie. Ogni replica su tela è tesa su un telaio, proprio come l'originale, in modo da poter essere ritesa in caso di variazioni della temperatura e dell'umidità della stanza. Una cornice in legno massello di alta qualità completa l'aspetto di ogni replica Dietz.
Numerosi capolavori di Rembrandt, Caspar David Friedrich, Claude Monet, Gustav Klimt e altri sono stati ricreati dalla "Dietz Offizin". Famosi artisti moderni come Pablo Picasso, Salvador Dalí, Max Ernst, Friedensreich Hundertwasser, Joan Miró e Marc Chagall hanno utilizzato questo metodo sviluppato da Günter Dietz per realizzare repliche delle loro opere.
Commenti della stampa:
"Il sistema Dietz fornisce immagini di qualità pari agli originali. Ciò che l'elettronica ha realizzato con l'invenzione dell'Hi-Fi e dello stereo per la riproduzione musicale, questa tecnologia lo ha ora fatto per le arti visive." (Die Zeit, quotidiano tedesco)
"In teoria, non c'è alcuna differenza tra l'originale e la replica Dietz. Dovrebbero essere chiamate facsimili, non riproduzioni." (Newsweek, rivista di attualità statunitense)
"Per gli stampatori d'arte di tutto il mondo, ciò che Dietz ha realizzato con la tecnica di stampa rimane un obiettivo irraggiungibile: la riproduzione perfetta delle opere dipinte." (Der Spiegel, rivista tedesca)
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.
Una riproduzione fedele all'originale di un'opera d'arte nelle stesse dimensioni e con la migliore uniformità possibile dei materiali e dei colori.
Lo stampo viene solitamente ricavato direttamente dall'originale, in modo che la replica riproduca anche i minimi dettagli. Dopo aver fuso la replica, utilizzando il metodo più appropriato, la superficie viene lucidata, patinata, dorata o dipinta secondo l'originale.
Una replica di ars mundi è una copia riconoscibile dell'originale.