Billede "Vase med blomster på et bord" (1922), indrammet
Billede "Vase med blomster på et bord" (1922), indrammet
Kort info
begrænset, 499 eksemplarer | reproduktion, Giclée-print på lærred | på båre | indrammet | størrelse 55,5 x 77 cm (h/w)
Detaljeret beskrivelse
Billede "Vase med blomster på et bord" (1922), indrammet
Corinths sene arbejde er af særlig betydning. Først og fremmest er der Walchensee-billederne, som blev malet i nærheden af Urfeld syd for München fra 1919 og frem, og hvor maleren genopdagede landskabsmaleriet for sig selv. Men han søgte og fandt også nye tilgange i andre motiver, såsom portrætter.
Billedet "Blomstervase på et bord" fra 1922 viser, hvordan et andet klassisk motiv fortsatte med at udvikle sig i hans arbejde, da han blev ældre. Lidt over et årti tidligere havde han malet stilleben på lærred, som stadig tydeligt understregede deres reference til de gamle mestre og fremstod i dybe, rembrandtske brune toner. Men dette er en akvarel, der viser en lænestol til højre og en hund, der ligger i sin kurv til venstre. Vi ser kort sagt et fristed, der lovede maleren fred og afslapning.
Original: 1922, akvarel, 36,5 x 57 cm, Graphische Sammlung Albertina, Wien.
Reproduktion med Fine Art Giclée direkte på kunstnerens lærred og spændt op på en ramme. Begrænset oplag på 499 eksemplarer. Indrammet i en naturfarvet ramme af massivt træ. Størrelse 55,5 x 77 cm (h/w).
Kundeanmeldelser
Tolles Bild, gut verarbeitet, Lieferzeit zwar etwas lange, dann ist die Vorfreude um so größer!
Om og Lovis Corinth
"Ægte kunst har (...) ingen praktisk, profitabel smag. Den er et mål i sig selv. Egoistisk som en gud, står den der i al sin skønhed." (Lovis Corinth)
Lovis Corinths (1858-1925) værk som helhed er vanskeligt at opsummere. Selv den gentagne klassificering af hans arbejde som "tysk impressionisme" i modsætning til fransk impressionisme er tvivlsom - Corinth eksperimenterede bestemt med farvens virkning i betydningen af et selvstændigt billedmedium, men videnskabeligt-akademiske beregninger, farvesystemer eller en retfærdiggørelse af farvens virkning baseret på fysik er stort set fremmed for ham. Generelt var han på kant med sin tids kunstneriske tendenser og hånede endda mange af den unge avantgardes nye tilgange med ætsende hån som "opskriftskunst".
Men Corinth ser kun ud til at være en "konservativ" maler på overfladen. På den ene side forblev han hele sit liv engageret i den figurative, realistiske malestil. Hans garanter forblev de gamle hollandske malere, frem for alt Rembrandt, og han døde nær Amsterdam, fordi han ønskede at beundre dem der igen i originalen. På den anden side blev han betragtet som en rebel og fornyer og udforskede gentagne gange de klassiske genrer (historiemalerier, bibelske og mytologiske temaer) med et meget subjektivt øje, herunder parodi og travesti. I sidste ende var han en fremragende samtid i sin kunstneriske epoke og blev anerkendt som sådan. Han var alligevel moderne i enhver henseende, og serien af hans berømte selvportrætter viser den til tider ustabile Corinth, splittet mellem kunstnerisk beruselse og depression, som en mester i psykologisk selvfortolkning.
Corinths sene arbejde er af særlig betydning. For det første er der Walchensee-malerierne, som blev skabt fra 1919 og frem i nærheden af Urfeld syd for München, og hvor maleren genopdagede landskabsmaleriet for sig selv. Men han søgte og fandt også nye tilgange i andre motiver, såsom portrætter og stilleben.
Giclée = afledt af det franske verbum gicler, der betyder "at sprøjte, sprøjte".
Giclée-metoden er en digital trykproces. Det er en højopløselig udskrift i stort format på en inkjetprinter med specielle forskellige farvede eller pigmentbaserede blæk (normalt seks til tolv). Farverne er lysægte, dvs. modstandsdygtige over for skadeligt UV-lys. De har en høj nuancerigdom, kontrast og mætning.
Giclée-processen er velegnet til ægte kunstlærred, håndlavet og akvarelpapir og til silke.
Impressionismen, der opstod i fransk malerkunst i 1870, skylder sit navn til Claude Monets landskab "Impression, Soleil Levant". Efter en indledende afvisning begyndte den en sand triumf.
Malere som Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir og andre skabte motiver fra hverdagslivet, by- og landskabsscener i et klart, naturligt lys.
Impressionismen kan ses som en reaktion på det akademiske maleri. Vægten blev ikke lagt på indholdet med dets strenge regler for maleriets struktur, men på objektet, som det ser ud på et givet tidspunkt, i en ofte tilfældig udskæring. Virkeligheden blev set i hele sin farvevariation i naturlig belysning. Ateliermaleriet blev erstattet af friluftsmaleriet.
Den lysere palet og opløsningen af faste konturer blev ledsaget af en ny måde at håndtere farver på. Ofte blev farverne ikke længere blandet på paletten, men side om side på lærredet, så det endelige indtryk ligger i beskuerens øje med en vis afstand. I "pointillismen" (med malere som Georges Seurat eller Paul Signac) blev dette princip ført til det yderste.
Uden for Frankrig blev impressionismen taget op af malere som Max Slevogt, Max Liebermann og Lovis Corinth i Tyskland, og af James A. M. Whistler i USA.
Inden for skulptur udtrykte impressionismen sig kun betinget. I værkerne af Auguste Rodin, som betragtes som en af hovedrepræsentanterne, kan man se en opløsning af overfladerne, hvor spillet af lys og skygge er inkluderet i det kunstneriske udtryk. Degas og Renoir skabte også skulpturer.