Cuadro "Santuario Kameido Tenjin" (1856-1858), enmarcado
Cuadro "Santuario Kameido Tenjin" (1856-1858), enmarcado
Información resumida
ars mundi Edición Exclusiva | limitada, 499 ejemplares | numerada | certificado | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | bastidor | marco de madera | tamaño 56 x 81 cm
Descripción detallada
Cuadro "Santuario Kameido Tenjin" (1856-1858), enmarcado
Nuestra reproducción procede de la serie "100 vistas de lugares famosos de Edo" (Tokio) (compuesta en realidad por 118 grabados), que el artista creó en los últimos años de su vida. La obra es una de las más destacadas de esta serie buscada por los coleccionistas.
Original: Xilografía en color.
Reproducida mediante el procedimiento Fine Art Giclée, transferida directamente sobre lienzo de artista y montada sobre bastidor. Edición limitada y numerada de 499 ejemplares, con certificado. Enmarcado en un bastidor de madera auténtica hecho a mano. Tamaño 56 x 81 cm. En exclusiva en ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Acerca de Ando Hiroshige
1797-1858
Ando Hiroshige (también: Utagawa Hiroshige) es considerado, junto a Hokusai, el xilógrafo en color más importante de su tiempo. En cualquier caso fue el más exitoso: después de que la publicación de sus "53 estaciones del Tokaido" (1833-1834) lo hiciera famoso prácticamente de la noche a la mañana, sus paisajes bien compuestos y obsesionados con el detalle siguieron siendo tan populares hasta el final de su vida que con frecuencia se alcanzaron tiradas de cinco cifras. Venerado ya en vida como "Meishoeshi" (maestro en la representación de lugares famosos), no son en último término sus obras las que abrieron el camino del arte japonés de la xilografía hacia Europa, ante todo las "100 vistas de lugares famosos en Edo" (Tokio), que creó en sus últimos años de vida. Van Gogh se entusiasmó con ellas e incluso realizó copias.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El arte de Japón recibió influencias significativas de China, a través de la adopción de la cultura y escritura china, así como la introducción del budismo y también de Corea. A la imitación inicial le siguió el desarrollo de formas y técnicas específicamente japonesas en todas las áreas de la creación artística. En conexión con las religiones budismo, zen y sintoísmo, surgieron diferentes estilos artísticos.
La prehistoria japonesa comienza en el séptimo milenio a.C. Los hallazgos de cerámica de esta época muestran decoraciones con patrones de cuerda. Además, se han descubierto figurillas de arcilla estilizadas y máscaras de ese período.
El período Yayoi duró desde el siglo III a. C. hasta el siglo III d. C. y tomó su nombre del sitio arqueológico de espejos de bronce, armas de bronce y campanas de bronce con ornamentación geométrica y figurativa.
Kofun (siglos III-VI)
Los ajuares funerarios redescubiertos, objetos de bronce, cerámica y joyas de jaspe, oro y plata documentan la producción artística de esta época.
Período Asuka y Hakuho (552-710)
Con la adopción oficial del budismo, aumentó la influencia china y coreana en el arte japonés. Sin embargo, la arquitectura sintoísta conservó los estilos arquitectónicos prehistóricos en santuarios y edificaciones sobre pilotes de madera. Las esculturas budistas de este período estuvieron fuertemente influenciadas por China y Corea.
Período Nara (710-794)
El arte de ese período que se logró con mucho esfuerzo continuó siguiendo los modelos chinos. Del palacio imperial solo se conservan el plano y unas 200 esculturas. Destaca la gigantesca estatua de bronce de 16 metros del "Gran Buda" del Tōdai-ji. Se introdujeron nuevos materiales, como la laca seca y la arcilla, que permitieron crear figuras monumentales con gran dinamismo. Más adelante, la influencia china disminuyó; las esculturas eran más compactas y con pliegues ondulados en los ropajes.
Período Heian (794-1185)
Nombrado en honor a la capital recién construida de Heian-kyō, hoy Kioto. La escultura representó principalmente nuevas formas del "Buda Supremo", con esculturas de madera de gran peso. En la segunda mitad del período, el arte japonés se diferenciaba más del chino. Las obras escultóricas adquirieron más graciosa elegancia y emoción. La pintura de la época se conserva principalmente en el Salón del Fénix del Byōdō-in. Las pinturas muestran colores suaves y líneas curvas delicadas. La caligrafía adquirió gran importancia, valorándose incluso más que la pintura en el Este de Asia.
Período Kamakura (1185-1336)
Con el establecimiento del shogunato en Kamakura, surgió un nuevo centro cultural. El espíritu marcial influyó en esta época dorada de la caballería japonesa. El escultor Kōkei y sus descendientes crearon obras con profundas incisiones, modelado corporal detallado y ojos de cristal incrustados con un realismo impactante. La introducción del budismo zen tuvo un impacto inicialmente solo en la arquitectura, pero más tarde también en la pintura. Se destacaron la laca, la cerámica vidriada, la forja de armas y la fabricación de armaduras y guardas de espadas.
Período Muromachi (1336-1573)
Nombrado por el barrio de Kioto donde residían los shogunes Ashikaga. La arquitectura civil adoptó el estilo shoin de los monasterios zen, sentando las bases del diseño de las casas japonesas actuales. Bajo la influencia del zen, surgieron las casas de té y se refinó el arte de los jardines. Los monjes zen cultivaron la pintura a tinta japonesa. Las magníficas pinturas de paisajes de Sesshū son puntos destacados artísticos de esa época.
Período Momoyama (1573-1603)
Llamado así por el palacio de Toyotomi Hideyoshi en la colina Momoyama cerca de Kioto. Esta época, marcada por el lujo y la pomposidad, se caracteriza por el arte que se desvinculó de ataduras religiosas y sirvió a fines puramente representativos. Los pomposos castillos fueron destruidos, excepto unos pocos. Pero el lujo allí se refleja en ricas tallas de madera y accesorios de metal. Los castillos estaban decorados con magníficas pinturas en delicados colores sobre un fondo de pan de oro, el arte del metal estaba muy desarrollado.
Período Edo (1603-1848)
La era Edo es el período de paz de 250 años en el que se desarrolló el arte y la cultura urbana. Se construyeron villas y casas de té con un refinado gusto minimalista. La pintura decorativa experimentó un resurgimiento. La técnica del grabado, primero coloreado a mano, se desarrolló aún más mediante la adición de planchas de 2 colores para la impresión a cuatro colores. La cerámica se alejó de la influencia china y coreana, adoptando un estilo distintivamente japonés. La porcelana adquirió una decoración esmaltada de gran delicadeza. La porcelana más fina y de mejor calidad, que a diferencia de la porcelana Imari no estaba destinada a la exportación, fue suministrada por los hornos de Okochi. En esta época nació el arte de los netsuke, pequeñas tallas utilizadas como contrapeso para los inrō (cajas para medicinas) y bolsitas de tabaco. El período finalizó con la apertura forzada de Japón por los estadounidenses y la restauración del poder imperial.
Período Meiji (1868-1912)
Marcado por la occidentalización en todos los ámbitos. La pintura se desarrolló siguiendo modelos europeos, aunque con el tiempo recuperó la tradición japonesa. En 1888, la Escuela de Bellas Artes de Tokio impulsó la pintura japonesa. La escultura adoptó el estilo europeo, salvo por una escuela que continuó la tradición del tallado en madera.