Cuadro "Baile en Le moulin de la Galette" (1876), enmarcado
Cuadro "Baile en Le moulin de la Galette" (1876), enmarcado
Información resumida
ars mundi Edición Exclusiva | limitada, 499 ejemplares | certificado | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | en bastidor | enmarcada | tamaño aprox. 69 x 89 cm (h/w)
Descripción detallada
Cuadro "Baile en Le moulin de la Galette" (1876), enmarcado
Historia(s) del Arte - "Baile en Le moulin de la Galette" de Renoir.
Existen dos versiones de la "Danza" de Renoir. Una de ellas se conserva en el Museo de Orsay. La otra causó furor en el mundo del arte cuando un coleccionista japonés la compró por 78 millones de dólares y anunció su intención de enterrarla con él a su muerte. El mundo del arte estaba alborotado. Y feliz cuando al final vendió el cuadro a un coleccionista suizo.
La pérdida habría sido inimaginable: El "Baile en Le moulin de la Galette" es una de las obras más importantes del primer impresionismo. Sobre todo por su técnica pictórica impresionista, ejecutada con seguridad, en la que cada salpicadura de color conlleva un significado. Ejecuta con maestría el colorido ajetreo y el bullicio. Al mismo tiempo, el "Baile" demuestra cómo un pintor de la magnitud de Renoir podía representar la interacción de la luz artificial y la natural. Además, es un interesante retrato del París de su época desde el punto de vista histórico-artístico, ya que reúne a los compañeros pintores de Renoir y a algunos de los modelos de Renoir de esta época, que también aparecen en otras obras, en un baile redondo. Original: Óleo sobre lienzo, propiedad privada.
Reproducido mediante el procedimiento Fine Art Giclée sobre lienzo de artista, tensado sobre bastidor y enmarcado en un elegante marco de madera auténtica. Edición limitada a 499 ejemplares, con certificado. Tamaño aprox. 69 x 89 cm (h/w). Edición exclusiva ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Acerca de Auguste Renoir
1841-1919
Toda la obra de Renoir, nacido en 1841 en Limoges, Francia, está marcada por su inquebrantable fe en el poder vital de la naturaleza. Los colores brillantes de sus paisajes, la gracia sensual de las imágenes de mujeres y jóvenes, con su ligera alegría, dan testimonio de ello.
Inicialmente, Renoir trabajó como pintor de porcelana y estudió en el Louvre a Antoine Watteau y François Boucher. En 1862, comenzó sus estudios en la École des Beaux-Arts, para luego, a finales de los años sesenta, bajo la influencia de la escuela de Barbizon, dedicarse a la pintura al aire libre. Junto con Claude Monet, Frédéric Bazille y Alfred Sisley, descubrió las ventajas especiales de pintar al aire libre y mantuvo estrechos contactos con Camille Pissarro y Paul Cézanne. Al igual que Claude Monet, desarrolló el característico trazo suelto del impresionismo, con el que se puede capturar la coloración cambiante de la luz. Además de los paisajes, también realizó retratos, incluyendo a sus amigos pintores y su modelo favorita Lise Tréhot.
En el verano de 1869, realizó una serie de pinturas del restaurante "La Grenouillère", que visitaba frecuentemente con Monet. Estas cuadros llenas de luz ilustran claramente su estilo inconfundible de pinceladas fugaces y colores suaves y claros, que capturan el parpadeo del aire y el brillo del agua. Al mismo tiempo, Renoir demostró ocasionalmente, con tonos más apagados y pinceladas más densas, su interés en las obras de Courbet y Delacroix.
Después de un viaje a Italia en la década de 1880, Renoir se alejó del impresionismo. Ya no se centraba en la representación de la atmósfera, sino en el dibujo y la composición, en referencia a la pintura de Rafael e Ingres.
Su obra tardía muestra una enorme fuerza de color, combinada con elementos gráficos, que no dejan entrever su grave enfermedad reumática, especialmente en las manos. Con la ayuda de un alumno, el escultor Maillol, también creó algunas esculturas de bronce en ese período.
El más importante pintor y grabador del impresionismo murió como un artista reconocido mundialmente el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes-sur-Mer.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Representación de escenas típicas de la vida cotidiana en la pintura, con distinciones entre el género campesino, burgués y cortesano.
Esta categoría alcanzó su auge y gran difusión en la pintura neerlandesa del siglo XVII. En el siglo XVIII, especialmente en Francia, la pintura cortesana y galante cobró protagonismo, mientras que en Alemania se desarrolló un carácter más burgués.
Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.