Escultura "Bailarina birmana" (1914), bronce parcialmente dorado
Escultura "Bailarina birmana" (1914), bronce parcialmente dorado
Información resumida
ars mundi Edición exclusiva | limitada, 980 ejemplares | numerada | firma | sello de fundición | certificado | bronce parcialmente dorado | tamaño original | tamaño 8,5 x 28 x 4 cm (c/h/d)
Descripción detallada
Escultura "Bailarina birmana" (1914), bronce parcialmente dorado
Sólo disponible en todo el mundo en ars mundi: La bailarina birmana de Emil Nolde. Debió de ser una gran aventura para Emil Nolde, que creció en una granja: desde principios de octubre de 1913 hasta el verano de 1914, acompañó a la "Expedición médico-demográfica a Nueva Guinea alemana". Su arte se centró por completo en la gente. Nolde los dibujó y acuareló y quedó fascinado por sus rituales. En la isla de Java pudo asistir a un festival real. El escultor de madera quedó tan impresionado por los bailarines y su actuación, controlada hasta el más mínimo movimiento, que se dedicó a plasmar su gracia en figuras hechas con leña de la galera del barco durante sus viajes.
El amor y la admiración de Emil Nolde por los indígenas de los países que recorrió se reflejan en la belleza de la bailarina birmana. Asistió a un espectáculo de danza de un tipo único y, mirando hacia atrás, dejó constancia de lo que vio en sus memorias. Esta danza fascinó tanto a Nolde que tomó un cuchillo y esculpió a la grácil bailarina en un trozo de leña. Los ojos de la pequeña bailarina son especialmente llamativos; es la única figura de la mano de Nolde que luce brillantes granates. Me complace enormemente que, tras la Bailarina de Java, ahora se haya reproducido la encantadora Bailarina birmana para revelar una faceta en gran parte desconocida de la obra de Nolde. Esta escultura de calidad excepcional está disponible para un público selecto. (Dr. Christian Ring, Director de la Fundación Seebüll Ada y Emil Nolde) Escultura de bronce fino, fundida mediante el procedimiento de la cera perdida, cincelada a mano, pulida y patinada. Fundida directamente a partir del original, reproducida en su tamaño original. Chapado parcialmente en oro de 24 quilates. Ojos con granates rojos. Edición limitada de 980 ejemplares, numerados y firmados, con el sello de la fundición. Publicado en colaboración con la Fundación Nolde de Seebüll. Con certificado de autenticidad numerado y limitación. Tamaño 8,5 x 28 x 4 cm (c/h/d). Edición exclusiva ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Reseñas de clientes
Dieses beeindruckende Kunstwerk entführt den Betrachter in die Südsee bzw. nach Indonesien, wo der Expressionist Emil Nolde kurz vor dem Ersten Weltkrieg, seiner Sehnsucht nach Ursprünglichkeit und Natürlichkeit folgte. Die Anmut dieser Skulptur, die eine für uns Europäer damals ganz fremde Kultur in einer von vielen Ausdrucksformen darstellt, nimmt einen gefangen und lässt einen nicht so bald wieder los. Zusammen mit dem Pendant "Java-Tänzerin", die ich zuvor erworben hatte, ist sie ein wahrer Kunstgenuss und für mich eine Augenweide. Einziger kleiner Kritikpunkt ist aus meiner Sicht die Beschaffenheit des Sockels, der etwas zu eckig mit vorspringender Verankerung und weniger formschön als die "Java-Tänzerin" gestaltet wurde. Darüber kann man aber wirklich hinwegsehen.
Acerca de Emil Nolde
1867-1956 - expresionista alemán
Emil Nolde (cuyo nombre real era Hans Emil Hansen, hasta que en 1902 adoptó el apellido de su lugar de nacimiento) está considerado uno de los expresionistas alemanes más importantes. Rechazado por la Academia de Múnich, marchó a París para continuar allí sus estudios en la Académie Julien. A partir de 1905 vivió y trabajó en la isla danesa de Alsen y en Berlín, y fue miembro del grupo "Die Brücke" durante un breve tiempo y periodo, de la Secesión de Berlín.
Poco después de abandonar la asociación de artistas "Die Brücke" a finales de 1907, Nolde conoció en Berlín al pintor noruego Edvard Munch, cuyas obras lo impresionaron profundamente. En 1908, durante una visita a su amigo Hans Fehr, comenzó a descubrir la técnica de la acuarela, que con el tiempo dominó con maestría.
Hoy en día, la obra de Nolde incluye numerosas acuarelas, óleos, obras gráficas y varias esculturas. Se caracteriza por su intenso uso del color; aunque el artista permanecía en el terreno figurativo con sus motivos - paisajes, flores, escenas urbanas, motivos religiosos -, "componía" sus cuadros enteramente a partir del color. Cuando en 1927 Nolde se instaló en su casa de ladrillo "Seebüll" de Neukirchen (Frisia del Norte), la rodeó de un gran jardín que le ofrecía motivos en abundancia.
La postura de Nolde ante el nacionalsocialismo era problemática, como se ha señalado en investigaciones realizadas durante mucho tiempo. Su exclusión de la Cámara del Reich para las Artes Plásticas implicó para él la prohibición de exhibir, vender y publicar su obra. Nolde buscó repetidamente la rehabilitación y el reconocimiento como artista estatal. Sin embargo, esto le fue denegado hasta el final. Su pintura no era formalmente compatible con las ideas de los nacionalsocialistas.
En la inauguración de la tristemente célebre exposición "Arte degenerado" se mostraron 48 de sus obras, y en el transcurso de la misma se confiscaron más de 1.000 obras. Nolde pudo, sin embargo, recuperar gran parte de ellas gracias a sus buenos contactos.
A pesar de su adhesión activa al sistema, se le prohibió trabajar a partir de 1941. Sin embargo, esto no significó, como a menudo se ha dicho, una prohibición total de pintar. En la reclusión de su casa, durante la guerra, creó más de 1000 de las llamadas "pinturas no pintadas". Originalmente, el término hacía referencia a estas acuarelas de pequeño formato como estudios y bocetos que no se transformaron en grandes cuadros. Después de 1945, estas piezas - sin duda artísticamente encantadoras - y su denominación contribuyeron a la mitificación de Nolde como un artista perseguido.
A pesar de las contradictorias posiciones ideológicas de Nolde, el valor artístico de su obra sigue siendo indiscutible hoy en día. La manera en que Nolde logra hacer brillar el color desde dentro en un óleo o una acuarela sigue siendo inigualable.
Obras de Emil Nolde se encuentran en colecciones de museos de renombre en todo el mundo, como el Art Institute de Chicago, el Museo del Hermitage en San Petersburgo, el Museum of Modern Art en Nueva York, el Brücke-Museum en Berlín, la Albertina en Viena y el Kunstmuseum de Basilea, por nombrar solo algunos. En Seebüll y Berlín se fundaron instituciones en su honor.
Aleación de cobre con otros metales (especialmente con estaño), utilizada desde la antigüedad. Es un metal ideal, capaz de perdurar miles de años, para fundiciones artísticas de alta calidad.
En la fundición de bronce, el artista generalmente utiliza un procedimiento de más de 5000 años de antigüedad. Es el mejor, pero también el más complejo método de producción de esculturas.
Primero, el artista forma un modelo de su escultura. Está incrustado en una composición de caucho de silicona líquida. Una vez que el material se ha solidificado, se recorta el modelo, dejando un molde negativo. En este molde negativo se vierte cera líquida. Tras enfriarse, se retira el molde de cera, se añaden los conductos de fundición y se sumerge en una masa cerámica. La masa cerámica se endurece en un horno, donde la cera se derrite y fluye fuera del molde (molde perdido).
Finalmente, se obtiene el molde negativo en el que se vierte el bronce fundido a unos 1400 °C. Una vez que el bronce se enfría, la cubierta de cerámica se rompe, revelando la escultura.
A continuación, se eliminan los conductos de fundición y las superficies son pulidas y patinadas por el artista o un especialista según sus indicaciones. Cada fundición se numera, convirtiendo cada pieza en un original.
Para las fundiciones de bronce de menor calidad, a menudo se utiliza el método de fundición en arena que, sin embargo, no logra los resultados de la técnica de cera perdida más compleja en términos de características y calidad de la superficie.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Denominación de un objeto artístico (escultura, instalación) que, según la voluntad del artista, se produce en varias copias dentro de una edición limitada y numerada.
El múltiple permite una "democratización" del arte, ya que hace la obra accesible y asequible para un público más amplio.
Reproducción fiel de una obra de arte en el mismo tamaño y con la mejor igualdad posible en cuanto a material y color.
La forma generalmente se toma directamente del original, de manera que el réplicado refleja hasta los más pequeños detalles. Después de la fabricación del réplicado con el procedimiento más adecuado, se pule, patina, baña en oro o pinta la superficie de acuerdo con el original.
Un réplicado de ars mundi es una imagen reconocible del original.
Obra plástica de arte escultórico realizada en madera, piedra, marfil, bronce u otros metales.
Mientras que las esculturas de madera, marfil o piedra deben ser talladas directamente del bloque de material, en el caso de la fundición en bronce primero se debe crear un modelo de trabajo, generalmente de arcilla u otros materiales fácilmente moldeables.
La época dorada de la escultura fue después de la antigüedad griega y romana, con el renacimiento. El impresionismo dio nuevos impulsos al arte de la escultura. También artistas contemporáneos como Jörg Immendorff, Andora, Markus Lüpertz han enriquecido el arte de la escultura con importantes obras.