Cuadro "Naturaleza muerta con manzanas y prímulas" (principios de la década de 1890), enmarcado
Cuadro "Naturaleza muerta con manzanas y prímulas" (principios de la década de 1890), enmarcado
Información resumida
limitada, 199 ejemplares | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | sobre bastidor | enmarcada | tamaño 60 x 73 cm (h/w)
Descripción detallada
Cuadro "Naturaleza muerta con manzanas y prímulas" (principios de la década de 1890), enmarcado
Original: Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Reproducción de alta calidad mediante el proceso Fine Art Giclée directamente sobre el lienzo del artista, tensado sobre bastidor. Edición limitada de 199 ejemplares. Con marco de museo de madera maciza. Tamaño 60 x 73 cm.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Acerca de Paul Cézanne
1839-1906
"No pinto simplemente como veo, pinto como siento": Paul Cézanne (1839-1906) creó con sus imágenes postimpresionistas puntos de partida decisivos para la pintura del siglo XX. En particular, cubistas y fauvistas como Pablo Picasso y Henri Matisse remitieron su arte directamente a Cézanne. Como uno de los primeros pintores, Cézanne modificó conscientemente en sus pinturas formatos y perspectivas para lograr una vivacidad y unos efectos especiales.
El hijo de un pequeño banquero nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence. El reconocimiento artístico muy tardío hizo que Cézanne dependiera económicamente de su padre durante toda su vida. A ello se sumaron, dificultándolo todo, los rechazos de la Ecole des Beaux-Arts de París y la constante negativa de los salones, lo que lo convirtió cada vez más en un solitario huraño. Abandonando los estudios de Derecho deseados por su padre, finalmente se formó a sí mismo como autodidacta y se instruyó en las obras de Rubens, Delacroixs y Poussins. A menudo trabajó en el círculo de los impresionistas y expuso con ellos. Sin embargo, se distanció de su estilo, ya que quería crear una "pintura sólida y duradera" que solo era impresionista en algunos rasgos, como la aclaración de la paleta y el colorido atmosférico y vibrante.
Cézanne pintó casi exclusivamente paisajes de los alrededores de Aix-en-Provence, bodegones y escenas de contenido cotidiano, en los que no quería reproducir la naturaleza visible, sino lo percibido. Desarrolló una nueva concepción del espacio, la forma y el color que habría de marcar el rumbo de las generaciones posteriores de pintores. Con razón se le denomina "Padre de la modernidad".
La importancia de sus obras solo fue reconocida después de su primera exposición individual en París en 1895. Siguieron otras exposiciones y sus cuadros se vendieron a precios elevados. A pesar de ello, se retiró cada vez más y su salud empeoró visiblemente. Tampoco su esposa y su hijo, que vivían ambos en París, pudieron ya llegar a él. Finalmente, Cézanne murió solo de una neumonía en su taller de Aix-en-Provence el 22 de octubre de 1906.
El "mito Cézanne" fue conmemorado ya un año después en una gran exposición conmemorativa con 56 de sus pinturas.
Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.