Cuadro «La Salute (Venecia)» (1906), versión con marco blanco y dorado
Cuadro «La Salute (Venecia)» (1906), versión con marco blanco y dorado
Información resumida
Edición exclusiva de ars mundi | edición limitada a 980 ejemplares | numerada | certificado | reproducción, Impresión giclée sobre lienzo | montada en bastidor | enmarcada | tamaño aprox. 68 x 84 cm (al./an.)
Descripción detallada
Cuadro «La Salute (Venecia)» (1906), versión con marco blanco y dorado
Con colores vivos y una luz resplandeciente, Paul Signac capta la atmósfera inconfundible de Venecia. En el centro de la composición se alza la famosa basílica de Santa María della Salute, cuya silueta parece emerger de la bruma de la laguna. Los veleros amarillos estructuran la escena y aportan toques de vivacidad a la superficie resplandeciente del agua.
Como uno de los principales representantes del neoimpresionismo, Signac desarrolló una técnica pictórica en la que los colores puros se yuxtaponen y solo se unen en el ojo del espectador para formar una imagen global radiante. Esto crea una luminosidad extraordinaria que transforma el agua, la luz y la arquitectura en un armonioso juego de colores.
«La Salute (Venecia)» se encuentra entre las representaciones más impresionantes de Venecia realizadas por el artista. La obra combina magistralmente la belleza poética de la ciudad de la laguna con la teoría pionera del color de Signac, haciendo que la visión pictórica moderna del neoimpresionismo resulte tangible de forma única.
La obra original se expuso por última vez al público en 1913 y fue vendida en una subasta de Koller el 26 de junio de 2026 por 4 164 500 CHF.
Original: 1906, óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm, colección privada.
Edición basada en el original, realizada mediante el proceso Fine Art Giclée, transferida directamente sobre lienzo de artista y tensada sobre bastidor. Edición limitada de 980 ejemplares, numerados y con certificado. Enmarcada en un marco de madera maciza blanco y dorado, elaborado a mano. Tamaño aproximado: 68 x 84 cm (al./an.). Edición exclusiva de ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Reseñas de clientes
Variante de marco: Encuadre 1
Ein großartiges Bild, welches wir jeden Morgen beim Aufwachen betrachten können. Ganz tolle Farben und die Punkte sind so gut erkennbar.
Übrigens kam die Lieferung umgehend.
Vielen Dank.
Acerca de Paul Signac
1863-1935
Paul Signac es uno de los representantes más importantes del neoimpresionismo. Junto con Georges Seurat, desarrolló la técnica del puntillismo, en la que innumerables pequeños puntos de color se funden en composiciones luminosas. Mediante el uso cuidadosamente concebido de colores primarios contrastantes y correspondientes, así como un profundo conocimiento de la óptica y de la fisiología de la percepción, creó obras maestras cuya luminosidad difícilmente puede superarse.
Las pinturas de Signac se caracterizan por una extraordinaria plenitud de luz y una armoniosa riqueza cromática, que transforman paisajes, puertos y escenas costeras en mundos pictóricos poéticos. Su obra combina la teoría científica del color con la sensibilidad artística y abre al espectador una visión de calma, claridad y alegría de vivir mediterránea.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.