Cuadro "Naturaleza muerta con tulipanes en una maceta azul" (1907), enmarcado
Cuadro "Naturaleza muerta con tulipanes en una maceta azul" (1907), enmarcado
Información resumida
ars mundi Edición Exclusiva | limitada, 980 ejemplares | numerada | certificado | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | en bastidor | enmarcada | tamaño aprox. 64,5 x 43,5 cm (h/w)
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Descripción detallada
Cuadro "Naturaleza muerta con tulipanes en una maceta azul" (1907), enmarcado
Original: 1907, óleo sobre cartón, 58 x 39 cm, Landesmuseum, Hannover.
Edición Fine Art Giclée transferida al lienzo del artista y tensada sobre bastidor. Edición limitada de 980 ejemplares, numerados, con certificado. Enmarcado en bastidor de madera maciza de color plateado hecho a mano. Tamaño aprox. 64,5 x 43,5 cm (h/w). Edición exclusiva de ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Reseñas de clientes
Variante de marco: enmarcado
Sehr schnelle Lieferung und vorbildliche Verpackung. Danke!
Acerca de Paula Modersohn-Becker
1876-1907
En Paula Modersohn-Becker solo se reconoció tras su temprana muerte a una precursora de la modernidad, que artísticamente anticipó muchas cosas con las que otros apenas empezaban. La pintora probó una y otra vez nuevos caminos para independizar color, forma y superficie y con ello intensificar la expresión de sus imágenes.
Alrededor del cambio de siglo creó, además de numerosos retratos, estudios del paisaje de pantanos y abedules, a veces de aspecto impresionista, a veces expresionista, que dejaban reconocer su predilección por una estructura visual estrictamente reducida y su alejamiento del ilusionismo de profundidad. En última instancia, para ella siempre se trataba de revelar la poesía secreta de las cosas detrás de su apariencia exterior. Ella misma resumió este objetivo artístico en la fórmula "la cosa en sí en estado de ánimo".
Con motivo del 100 aniversario de la muerte de la gran pintora alemana tuvieron lugar grandes exposiciones en el Niedersächsisches Landesmuseum Hannover, en la Kunsthalle Bremen y en las Kunstsammlungen Böttcherstraße en Bremen.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.