Cuadro "Dos mujeres en el jardín (En el cenador)" (1892), enmarcado
Cuadro "Dos mujeres en el jardín (En el cenador)" (1892), enmarcado
Información resumida
ars mundi Edición Exclusiva | limitada, 499 ejemplares | numerada | certificado | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | bastidor | marco de museo | tamaño 66 x 78 cm
Descripción detallada
Cuadro "Dos mujeres en el jardín (En el cenador)" (1892), enmarcado
Aunque apartan la mirada del otro y se centran por completo en su trabajo manual, Krøyer consiguió transmitir una sensación de calma y serena unión. Esta imagen es casi capaz de calmar el ruido y el ajetreo de toda una habitación.
Original: Óleo sobre lienzo, Museo de Arte y Cultura de Lübeck.
Fine Art Giclée directamente sobre lienzo del artista y montado en bastidor. Enmarcado en bastidor de museo. Edición limitada de 499 ejemplares, numerados al dorso y con certificado. Tamaño 66 x 78 cm. Exclusivamente en ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Acerca de Peder Severin Kroyer
1851-1909
Peder Severin Krøyer es conocido por todas personas de Dinamarca y Noruega. El pintor noruego-danés de Skagen es el icono del impresionismo nórdico.
Con solo 14 años ingresó en la Real Academia Danesa de Arte. Como joven artista, entre 1877 y 1881 realizó extensos viajes por España, Italia y, especialmente, Francia, donde estudió a los impresionistas en París. En el verano de 1882, Krøyer llegó por primera vez a Skagen, donde pasó todos los veranos desde entonces y se convirtió en el principal representante de la colonia de artistas de la ciudad.
Sus cuadros muestran la vida despreocupada de los artistas, sus fiestas, paseos por la playa y atmosféricas bajo la luz de la luna.
Krøyer no es sólo un gran maestro por su dominio de la técnica y su virtuoso manejo de las cuestiones de composición y coordinación del color. También es su aguda capacidad de observación y el hecho de que las emociones que captura con precisión en sus obras se transmiten de forma casi inmediata al espectador.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Representación de escenas típicas de la vida cotidiana en la pintura, con distinciones entre el género campesino, burgués y cortesano.
Esta categoría alcanzó su auge y gran difusión en la pintura neerlandesa del siglo XVII. En el siglo XVIII, especialmente en Francia, la pintura cortesana y galante cobró protagonismo, mientras que en Alemania se desarrolló un carácter más burgués.
Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.