Cuadro "Tarde de verano en la playa de Skagen- El artista y su mujer" (1899), enmarcado
Cuadro "Tarde de verano en la playa de Skagen- El artista y su mujer" (1899), enmarcado
Información resumida
ars mundi Edición Exclusiva | limitada, 499 ejemplares | certificado numerado | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | sobre bastidor | enmarcada | tamaño aprox. 54 x 72 cm (h/w)
Descripción detallada
Cuadro "Tarde de verano en la playa de Skagen- El artista y su mujer" (1899), enmarcado
Original: 1899, óleo sobre lienzo, 135 x 187 cm, Copenhague, Den Hirschsprungske Samling.
Fine Art Giclée sobre lienzo de artista 100% algodón, tensado sobre bastidor. La textura del lienzo es visible y tangible. Enmarcado en un sofisticado bastidor de madera maciza blanca y dorada. Edición limitada a 499 ejemplares, certificado numerado al dorso. Tamaño aprox. 54 x 72 cm (h/w). Edición exclusiva ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Acerca de Peder Severin Kroyer
1851-1909
Peder Severin Krøyer es conocido por todas personas de Dinamarca y Noruega. El pintor noruego-danés de Skagen es el icono del impresionismo nórdico.
Con solo 14 años ingresó en la Real Academia Danesa de Arte. Como joven artista, entre 1877 y 1881 realizó extensos viajes por España, Italia y, especialmente, Francia, donde estudió a los impresionistas en París. En el verano de 1882, Krøyer llegó por primera vez a Skagen, donde pasó todos los veranos desde entonces y se convirtió en el principal representante de la colonia de artistas de la ciudad.
Sus cuadros muestran la vida despreocupada de los artistas, sus fiestas, paseos por la playa y atmosféricas bajo la luz de la luna.
Krøyer no es sólo un gran maestro por su dominio de la técnica y su virtuoso manejo de las cuestiones de composición y coordinación del color. También es su aguda capacidad de observación y el hecho de que las emociones que captura con precisión en sus obras se transmiten de forma casi inmediata al espectador.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Representación de escenas típicas de la vida cotidiana en la pintura, con distinciones entre el género campesino, burgués y cortesano.
Esta categoría alcanzó su auge y gran difusión en la pintura neerlandesa del siglo XVII. En el siglo XVIII, especialmente en Francia, la pintura cortesana y galante cobró protagonismo, mientras que en Alemania se desarrolló un carácter más burgués.
Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.