Quadro "Il mare a L'Estaque" (1876), incorniciato
Quadro "Il mare a L'Estaque" (1876), incorniciato
Informazioni rapide
ars mundi Edizione Esclusiva | limitata, 499 copie | certificato numerato | riproduzione, stampa Giclée su tela | su telaio a barella | incorniciata | dimensioni 69 x 89 cm (h/w)
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Descrizione dettagliata
Quadro "Il mare a L'Estaque" (1876), incorniciato
Nel 1870, Cézanne si trasferì nel villaggio di pescatori di L'Estaque, vicino a Marsiglia. Il paesaggio roccioso e il blu intenso del Mediterraneo furono per anni la sua principale fonte di ispirazione.
Originale: Olio su tela, collezione Dr. Gustav Rau.
Riproduzione di alta qualità lavorata direttamente su tela con procedimento Fine Art Giclée e tesa su telaio a barella. Edizione limitata a 499 esemplari, con certificato numerato sul retro. In cornice da studio fatta a mano con doratura a foglia d'oro. Dimensioni 69 x 89 cm (h/w). ars mundi Edizione Esclusiva.
Editore: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Germania, [email protected]
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Variante telaio: incorniciato
Variante telaio: incorniciato
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Informazioni Paul Cézanne
1839-1906
«Non dipingo ciò che vedo, dipingo ciò che sento. Un’arte che non si basa sul sentimento non è affatto arte...». I dipinti post-impressionisti di Paul Cézanne hanno gettato le basi della transizione verso l’arte del XX secolo. In particolare, i cubisti e i fauvisti, come Pablo Picasso e Henri Matisse, facevano risalire la propria arte direttamente a Cézanne. Cézanne fu uno dei primi pittori a modificare deliberatamente le proporzioni e le prospettive nei propri dipinti al fine di ottenere effetti speciali e vivacità.
Cézanne nacque il 19 gennaio 1839 ad Aix-en-Provence, figlio di un piccolo banchiere. Il riconoscimento artistico, giunto molto tardi, lo rese economicamente dipendente dal padre per tutta la vita. L’École des Beaux-Arts di Parigi e il Salon di Parigi respingevano costantemente le sue opere, costringendolo a una vita da solitario. Assecondando i desideri del padre, Cézanne frequentò la facoltà di giurisprudenza. Si formò quindi da autodidatta nel campo delle arti e studiò le opere di Rubens, Delacroix e Poussin. Lavorò spesso con gruppi di impressionisti e arrivò persino a esporre insieme a loro. Tuttavia, prese le distanze dal loro stile, poiché desiderava creare un’«arte solida e duratura» che presentasse solo alcune caratteristiche impressioniste, quali la tavolozza dai colori vivaci e la cromaticità suggestiva e tremolante.
Cézanne dipingeva quasi esclusivamente paesaggi della regione di Aix-en-Provence, nature morte e scene di vita quotidiana, nelle quali non intendeva riprodurre la natura visibile, ma ciò che lui stesso percepiva. Sviluppò una nuova concezione dello spazio, della forma e del colore che avrebbe fatto scuola per le successive generazioni di pittori. A ragione viene definito il «padre del modernismo».
Il vero significato delle sue opere fu riconosciuto solo dopo la sua prima mostra personale a Parigi nel 1895. Seguirono altre mostre e, infine, i suoi dipinti furono venduti a prezzi elevati. Ciononostante, si ritirò gradualmente a causa del deterioramento della sua salute. Persino sua moglie e suo figlio, che vivevano entrambi a Parigi, non riuscivano più a comunicare con lui. Alla fine, Cézanne morì da solo il 22 ottobre 1906, di polmonite, nel suo studio di Aix-en-Provence.
Appena un anno dopo, gli fu dedicata la grande mostra commemorativa «Il mito di Cézanne», con 56 dei suoi dipinti.
Edizione grafica o scultorea lanciata da ars mundi e disponibile solo presso ars mundi o presso i partner di distribuzione autorizzati da ars mundi.
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Giclée = derivato dal verbo francese gicler "spruzzare, spruzzare".
Il metodo Giclée è un processo di stampa digitale. Si tratta di una stampa ad alta risoluzione e di grande formato prodotta con una stampante a getto d'inchiostro utilizzando speciali inchiostri a base di coloranti o pigmenti di diversi colori (di solito da sei a dodici). Gli inchiostri sono resistenti alla luce, il che significa che sono resistenti ai raggi UV dannosi. Offrono un alto livello di sfumature, contrasto e saturazione.
Il processo Giclée è adatto per tele artistiche, carta fatta a mano e carta da acquerello, nonché seta.
Lo stile impressionista, emerso nella pittura francese intorno al 1870, deve il suo nome al paesaggio di Claude Monet "Impression, Soleil Levant". Dopo un iniziale rifiuto, iniziò una vera e propria marcia trionfale.
Pittori come Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir e altri crearono motivi tratti dalla vita quotidiana, scene urbane e paesaggi in una luce brillante e naturale.
L'impressionismo può essere visto come una reazione alla pittura accademica. Piuttosto che enfatizzare il contenuto con una composizione strutturata, si concentrava sul soggetto così come appare nel momento, spesso in un'istantanea apparentemente casuale. La realtà era vista in tutta la sua varietà di colori nella luce naturale. La pittura all'aperto sostituì quella in studio.
Attraverso l'illuminazione della tavolozza e la dissoluzione dei contorni definiti, è emerso un nuovo approccio al colore. In molti casi, i colori non venivano più mescolati sulla tavolozza, ma posti uno accanto all'altro sulla tela, in modo che l'impressione finale emergesse nell'occhio dello spettatore con una certa distanza. Nel “puntinismo” (con pittori come Georges Seurat o Paul Signac), questo principio è stato portato all'estremo.
Al di fuori della Francia, l'impressionismo fu ripreso da pittori come Max Slevogt, Max Liebermann e Lovis Corinth in Germania e da James A. M. Whistler negli Stati Uniti.
Tuttavia, l'impressionismo trovò espressione solo in misura limitata nell'arte della scultura. Nelle opere di Auguste Rodin, considerato uno dei principali rappresentanti, è evidente una dissoluzione delle superfici, in cui il gioco di luci e ombre è incluso nell'espressione artistica. Anche Degas e Renoir crearono sculture.