Cuadro "Contes Barbares - Cuentos bárbaros" (1902), enmarcado
Cuadro "Contes Barbares - Cuentos bárbaros" (1902), enmarcado
Información resumida
ars mundi Edición Exclusiva | limitada, 499 ejemplares | numerada | certificado | reproducción, impresión Giclée sobre lienzo | sobre bastidor | enmarcada | tamaño 79 x 56 cm (h/w)
Descripción detallada
Cuadro "Contes Barbares - Cuentos bárbaros" (1902), enmarcado
En 1904, Karl Ernst Osthaus, fundador del Museo Folkwang, estuvo a punto de abstenerse de comprar esta obra maestra porque los precios de Gauguin subieron inmediatamente al llegar a Europa la noticia de la muerte del pintor. Cuando creó este cuadro, el paraíso polinesio hacía tiempo que se había convertido en un infierno para Gauguin. Estaba sin un céntimo, gravemente enfermo y amenazado de cárcel. Creó obras de una fuerza existencial apenas codificada. Los "Contes Barbares" tematizan la muerte y la fugacidad con símbolos como la ofrenda y el lirio, y lo hacen en retratos: Gauguin une a las jóvenes y vitales polinesias con su amigo Jacob Meyer de Haan, fallecido años antes.
Óleo original sobre lienzo, Museum Folkwang, Essen.
Impresión Fine Art Giclée sobre lienzo de artista, montada en bastidor. Edición limitada de 499 ejemplares numerados, con certificado. Enmarcado en un bastidor de madera auténtica hecho a mano. Tamaño 79 x 56 cm. En exclusiva en ars mundi.
Fabricante: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Alemania, [email protected]
Acerca de Paul Gauguin
1848-1903
Paul Gauguin fue pintor, escultor, ceramista y grabador. Realizó una contribución fundamental al arte del siglo XX al desarrollar la forma y el color como medios de expresión.
Recién en 1872, el agente de bolsa parisino Paul Gauguin, nacido aquí el 7 de junio de 1848, encontró su camino hacia la pintura gracias a Claude-Emile Schuffenecker. Comenzó a coleccionar obras de los impresionistas y estudió pintura en la Academia Colarossi. Conoció a Pissarro y Cézanne, trabajó con ellos y expuso junto a los impresionistas. En Pont-Aven conoció a Bernard, en París a Degas y a los hermanos van Gogh.
En 1890, Gauguin decidió emigrar, vendió sus cuadros y el 4 de abril de 1891 embarcó hacia Tahití. Sin embargo, la enfermedades y la pobreza le obligaron a regresar a París en 1893.
En 1895, se despidió de sus cinco hijos y de su esposa, una danesa con la que se había casado en 1873, y abandonó definitivamente su tierra natal. Los siguientes ocho años en el Pacífico Sur estuvieron marcados nuevamente por enfermedades y preocupaciones económicas tan graves que Gaugin contempló regresar a París. Pero sus mecenas franceses se lo desaconsejaron para no destruir el mito del pintor del Pacífico Sur.
Las pinturas que enviaba regularmente a su marchante de arte Vollard muestran un mundo exótico de cultura extranjera y de personas que parecen vivir felices y sin prejuicios: el paraíso perdido. La obra tardía creada en Tahití, llena de intensidad de color, armonía y belleza, no deja entrever nada del sufrimiento que marcó sus últimos años hasta su muerte el 8 de mayo de 1903 en Atuona, en la isla Hiva Oa del archipiélago de las Marquesas.
Edición gráfica o escultórica que fue iniciada por ars mundi y está disponible solo en ars mundi o en un socio de distribución autorizado por ars mundi.
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Giclée = derivado del verbo francés gicler, que significa "rociar, atomizar".
El método Giclée es un proceso de impresión digital. Es una impresión de gran formato y alta resolución realizada con una impresora de inyección de tinta que utiliza tintas especiales a base de pigmentos o colorantes (generalmente de seis a doce colores). Estas tintas son resistentes a la luz, es decir, no se degradan con la exposición a la radiación UV. Además, ofrecen una gran riqueza de matices, alto contraste y saturación.
El método Giclée es adecuado para lienzo artístico, papel de grabado, papel de acuarela y seda.
El estilo de impresionismo que surgió en la pintura francesa en 1870 debe su nombre al paisaje de Claude Monet 'Impression, soleil levant'. Tras un rechazo inicial, se convirtió en un verdadero éxito.
Pintores como Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, entre otros, crearon escenas de la vida cotidiana, escenas urbanas y paisajes con una luz natural y brillante.
El impresionismo se considera una reacción contra la pintura académica. El énfasis no estaba en el contenido de sus estrictas reglas de estructura pictórica, sino en el objeto tal como aparece en un momento dado, en un recorte a menudo aleatorio. La realidad se observaba con toda su diversidad cromática bajo una iluminación natural. La pintura de estudio fue sustituida por la pintura al aire libre.
El aclaramiento de la paleta y la disolución de los contornos sólidos introdujeron un nuevo uso del color. A menudo, los colores ya no se mezclan en la paleta sino uno al lado del otro en el lienzo para que la impresión final quede en el ojo del espectador con cierta distancia. En el "puntillismo" (con pintores como Georges Seurat o Paul Signac) este principio se llevó al extremo.
Fuera de Francia, el impresionismo fue adoptado por pintores como Max Slevogt, Max Liebermann o Lovis Corinth en Alemania, y por James A. M. Whistler en los Estados Unidos.
En la escultura, el impresionismo tuvo una influencia limitada. En las obras de Auguste Rodin, quien es considerado uno de los principales representantes, se puede apreciar una resolución de las superficies en la que el juego de luces y sombras se incluye en la expresión artística. Degas y Renoir también crearon esculturas.