Tableau « Echo » (2026) (Originale / Pièce unique), encadrée New
Tableau « Echo » (2026) (Originale / Pièce unique), encadrée New
Brève info
peinture originale | signée | acrylique sur toile | sur châssis | encadrée | format : 144 x 104 cm (h/l)
Description détaillée
Tableau « Echo » (2026) (Originale / Pièce unique), encadrée
Echo : une réflexion sur le temps et la pérennité
« Le tableau “Echo” est une exploration profonde de la fragilité de notre existence et du passage inexorable du temps. Il fait office de pont visuel entre deux états : le désir de s’accrocher à des instants et la réalité d’une vie en constante évolution, souvent fragmentée.
Dans la partie supérieure de l’œuvre, je représente le désir d’arrêter le cours implacable du temps – une tentative presque désespérée, mais profondément humaine, de mettre de l’ordre dans le chaos. À l’inverse, la partie inférieure de la composition transforme la réalité en un labyrinthe complexe de formes, de structures et de tableaux aléatoires. Cette rigueur géométrique contraste avec l’intimité des scènes représentées.
La vue à travers la fenêtre sur un vaste paysage se veut une « fenêtre sur la clarté » – un rappel d’une époque de paix et de stabilité. À l’opposé se trouve l’acte intime, presque rituel, consistant à se mettre du rouge à lèvres devant un miroir. Ce geste est bien plus qu’un simple geste cosmétique : c’est un acte symbolique d’affirmation de soi, une tentative héroïque de préserver le lien avec sa propre identité et avec la normalité au sein d’un monde irrationnel qui s’effondre.
En fin de compte, « Echo » est un dialogue entre les générations. Il soulève la question de ce qui reste de nous lorsque les structures extérieures commencent à s’effondrer. Dans mon œuvre, l’amour est la seule constante — le seul son durable qui résonne à travers le silence, même lorsque tout le reste menace de s’évanouir. À travers la combinaison délibérée de la représentation figurative et d’éléments abstraits, j’invite le spectateur à réfléchir à sa propre éphémérité et au pouvoir préservateur des émotions. » (Marina Krasnitskaya)
Peinture originale de 2026, signée par l’artiste. Acrylique sur toile, tendue sur châssis. Format du châssis : 140 x 100 cm (h/l). Encadré par un cadre de bois massif effet argenté avec joint d'ombre. Format : 144 x 104 cm (h/l).
Producteur : ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hanovre, Allemagne, [email protected]
A propos Marina Krasnitskaya
"La peinture n'est pas un hobby, un métier ou une passion. Elle est mon double, ma conscience, mon deuxième moi", déclare la peintre Marina Krasnitskaya à propos de la confrontation quotidienne avec ses idées et ses visions artistiques.
Amour, nostalgie, espoir : Marina Krasnitskaya fait des grands sentiments le sujet de ses tableaux. La peintre d'origine russe, qui vit en Allemagne depuis 1994, fait généralement prendre forme à ces émotions à travers des figures féminines ou des illustrations abstraites. Dans sa représentation, elle associe des éléments de l'art populaire de son pays à un langage formel qui lui est propre.
"Picasso disait que l'œuvre que l'on peint est une manière de tenir un journal. C'est exactement ce qui se passe pour moi : chacune de mes œuvres est comme l'enregistrement de moments pleins d'émotions et de sentiments. Chaque peinture est profondément personnelle, chacune est 'moi' - sous des formes et des couleurs très différentes."
Parallèlement à son travail de graphiste et de web designer, Marina Krasnitskaya cultive et développe dans ses peintures le langage formel russe épuré et la culture populaire. Les motifs réalisés de manière cubiste ou fantastique rappellent aussi, par leurs couleurs, des artistes célèbres du pays comme Malevitch ou Chagall. Les peintures de Krasnitskaya, entourées d'une aura onirique, dressent un monument contemporain à la culture et à la symbolique des contes russes.
Il s’agit d’une œuvre d’art créée par l’artiste lui-même et dite unique ou originale, car elle existe en un seul exemplaire à cause de son type de production (peinture à l’huile, aquarelle, dessin, etc.)
Outre les pièces uniques classiques, il existe également ce que l’on nomme des "pièces uniques en série". Elles présentent, en série, le même motif et de la même couleur et à partir de la même technique de la main de l’artiste. Les pièces uniques en série trouvent leur source dans "l’art en série", un genre de l’Art moderne qui cherche à produire un effet esthétique à travers des séries, des répétitions et des variations du même objet ou du même sujet ou bien à travers un système d’éléments ou de principes variables et constants.
Comme point de départ historique, l’œuvre "les Meules" de Claude Monet (1890/1891), dans lesquelles a été créée pour la première fois une série sortant du simple ensemble d’œuvres. Des artistes ayant produit de l’art en série sont entre autres Claude Monet, Piet Mondrian et, en particulier, Gerhard Richter.