Collier "Nymphéas, turquoise"
Collier "Nymphéas, turquoise"
Brève info
laiton doré + verre de Murano + turquoise | fait main | pendentif env. 2,5 x 3,8 cm | chaîne 42-47 cm
Description détaillée
Collier "Nymphéas, turquoise"
Petra Waszak transforme les célèbres peintures de nénuphars de Monet en accessoires de mode et en pièces de joaillerie uniques à l'éclat particulier. Collier artisanal composé de véritables cubes de turquoise, de laiton plaqué or 24 carats, de verre de Murano et de peinture sur verre inversée. Pendentif d'environ 2,5 x 3,8 cm, longueur de la chaîne d'environ 42-47 cm, avec fermoir à mousqueton.
Producteur : ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hanovre, Allemagne, [email protected]
A propos Petra Waszak
Depuis plusieurs années, Petra Waszak interprète avec une sensibilité unique les formes et les symboles de l’histoire de l’art à travers des accessoires de mode. D’une grande délicatesse, elle combine techniques et différents éléments stylistiques et crée ainsi une tension particulière.
L’artiste a déjà travaillé en coopération avec d’importantes maisons de mode, telles que Dior, Chanel et Gucci. On peut également trouver ses créations exceptionnelles dans les grands musées du monde entier, comme au musée du Louvre à Paris, au British Museum à Londres ou encore au Rijksmuseum à Amsterdam. Ses créations ont été portées par de nombreuses actrices, politiciennes ou célébrités, telles que Liza Minelli ou Angela Merkel.
L’impressionnisme, courant artistique de la peinture française apparu vers 1870, tient son nom du tableau de Claude Monet ‘Impression, Soleil levant’. Après le rejet initial que cette peinture reçut, elle fit une avancée triomphante.
Des peintres tels que Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet et Auguste Renoir, entre autres, créèrent des motifs de la vie quotidienne, des scènes urbaines et pittoresques capturées dans une lumière claire et naturelle.
L’impressionnisme est à percevoir comme une réaction à la peinture de l’académisme : on ne cherche pas à mettre en avant le contenu à travers une constellation figurative structurée par des règles strictes, mais plutôt à mettre en valeur l’objet, la manière qu’il a d’apparaître à un moment donné, souvent fortuit. La réalité est perçue dans toute sa diversité de couleurs dans un éclairage naturel. La peinture sur le motif se substitue à la peinture en atelier.
Le nouveau maniement de la couleur s’accompagne d’un éclaircissement de la palette et de la disparition des contours fermes. Les couleurs ne sont plus mélangées à plusieurs reprises sur la palette, mais sont disposées directement sur la toile les unes à côté des autres, de telle manière que l’impression finale n’apparaisse que dans les yeux de l’observateur, prenant un certain recul. Dans le pointillisme (avec des peintres tels que Georges Seurat ou Paul Signac), ce principe a été poussé à l’extrême.
En dehors de la France, on retrouve l’impressionnisme dans les œuvres de peintres tels que Max Slevogt, Max Liebermann ou Lovis Corinth en Allemagne, ou bien James A. M. Whistler aux États-Unis.
Dans la sculpture, l’impressionnisme ne s’exprima qu’occasionnellement. Dans les œuvres de Auguste Rodin, considéré comme son représentant majeur, se montre l’évaporation des surfaces, à travers laquelle le jeu de lumière et d’ombres est assimilé au message artistique. Degas et Renoir créèrent également des sculptures.