Bild "Kvinna med parasoll" (1886), inramad
Bild "Kvinna med parasoll" (1886), inramad
Kort beskrivning
begränsad, 499 exemplar | certifikat | reproduktion, Giclée-tryck på duk | på spännram | inramad | storlek 67 x 49 cm (h/v)
Detaljerad beskrivning
Bild "Kvinna med parasoll" (1886), inramad
Denna världsberömda målning som visas på Musée d'Orsay i Paris föreställer Suzanne Hoschedé, dotter till konstnärens andra hustru. Med detta verk visar sig Monet vara en stor mästare på färg och ljus - och en beundrare av kvinnlig grace. Monet skapade verket i två versioner, vänster- eller högervänd.
Original: 1886, olja på duk, 131 x 88 cm, Musée d'Orsay, Paris. Den briljant färgade Giclée på konstnärsduk av bomull och spännram, prydd med en galleriram av äkta trä. Begränsad till 499 exemplar med certifikat. Storlek inkl. ram 67 x 49 cm (h/w).
Producent: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Tyskland, [email protected]
Kundrecensioner
Ramvariant: inramad
Bin sehr zufrieden, auch Rahmen passt wunderbar, eine Bereicherung für unser Wohnzimmer
Ramvariant: inramad
Zum Bild gilt zu erwähnen, dass es der Onlineabbildung exakt entspricht und die Kaufentscheidung leicht fällt. Gut, die Lieferzeit war nicht so schnell, wie man es sich vielleicht wünscht, aber man kauft ja hier nicht irgend einen alltäglichen Artikel. Die Vorfreude kam damit nicht zu kurz. Was uns dann extrem positiv überrascht hat, war die professionelle Verpackung. Einfach perfekt. Und dann ging es ans aufhängen. Hierfür war einmal eine Öse, aber auch eine Seil/Schnur angebracht. Egal welche Variante man bevorzugt. Gerade hängend oder oben nach vorne geneigt. Auch hier wurde ordentliche Arbeit erbracht. Das war sicher nicht der letzte Einkauf!! Vielen Dank, ars mundi.!!
Om Claude Monet
1840-1926
Claude Monets konst är sinnebilden för impressionismen. Under sitt långa liv som målare var han outtröttlig i sitt sökande efter sätt att skildra ljusets och färgernas föränderlighet i många atmosfäriska variationer och vid olika tidpunkter på dygnet.
Han föddes i Paris och växte upp vid Normandies kust i Le Havre, där hans far drev en liten livsmedelsaffär. Monet gjorde sina första konstnärliga försök inom karikatyrområdet, men övergick sedan till friluftsmåleri. Ljusa pastellfärger fann sin väg till hans dukar. Hans målningar avvisades upprepade gånger av den officiella Parissalongen, men Monet och hans vänner Auguste Renoir och Alfred Sisley lät sig inte avskräckas. På sina gemensamma utflykter till Fontainebleau skapade de fantastiska fräscha målningar utomhus, som lämnade de strikta akademiska reglerna längre och längre bakom sig.
Monet och hans gravida älskarinna Camille drabbades dock snart av allvarliga ekonomiska kriser. Under det fransk-preussiska kriget flydde Monet till London med sin unga familj. Efter kriget bosatte de sig i Argenteuil. Denna lilla stad utanför Paris, pittoreskt belägen vid Seine, blev sedan en attraktion för en hel rad impressionistiska målare: Edouard Manet, Gustave Caillebotte, men även Camille Pissarro, Auguste Renoir och Alfred Sisley träffades där för att fånga sina färska intryck på duk. I gruppens första oberoende utställning, en målning av Monet med titeln "Impression. Soluppgång" som gav konströrelsen dess namn.
Efter Camilles död flyttade Monet till Giverny med sin andra fru Alice. Här kunde han förverkliga sin livslånga dröm om att designa en egen trädgård: Den blommande trädgården med sina japanska broar och dammar fulla av näckrosor inspirerade Monet att skapa ständigt nya, allt större målningar som visar den föränderliga växtvärlden som en överväldigande dekorativ harmoni i naturen.
Gården - som Monets son 1966 testamenterade till Academié des Beaux-Art och som sedan 1980 är "Claude Monet Foundation" - var en outtömlig källa till inspiration för honom. Idag är trädgården i Giverny ett utflyktsmål för många konstälskare och alla som besöker den känner sig omedelbart förflyttade till konstnärens bildvärld. På våren står allt i färgsprakande blom, och när man ser de verkliga näckrosdammarna som Monet målade om och om igen förundras man över hur träffsäkert han fångade landskapet trots sin konstnärliga egenvilja. "Jag arbetar på min trädgård kontinuerligt och med kärlek, jag behöver blommor mest, alltid, alltid. Mitt hjärta är alltid i Giverny. En separation från Giverny skulle slå hårt mot mig ... Jag skulle aldrig hitta en så vacker plats igen", var Monets fasta övertygelse. Han behövde aldrig skiljas igen; Monet dog i sitt älskade Giverny den 5 december 1926.
Monet beskrevs som uppfinnaren av färgstarka drömmar bortom det synliga. Men han var mycket mer än så, eftersom han alltid försökte förverkliga sin idé om att måla i det fria - en plein air. Den avgörande faktorn i hans måleri var alltid hur han såg, inte vad han såg.
Giclée = härrör från det franska verbet gicler som betyder "att spruta, spraya".
Giclée-metoden är en digital tryckprocess. Det är en högupplöst utskrift i storformat på en bläckstråleskrivare med speciella, olikfärgade eller pigmentbaserade bläck (vanligtvis sex till tolv). Färgerna är ljusäkta, dvs. motståndskraftiga mot skadligt UV-ljus. De har en hög nyansrikedom, kontrast och mättnad.
Giclée-processen är lämplig för äkta konstduk, handgjort papper och akvarellpapper samt för siden.
Impressionismen, som uppstod i det franska måleriet 1870, har fått sitt namn efter Claude Monets landskap "Impression, Soleil Levant". Efter att först ha avvisats började den ett verkligt triumferande avancemang.
Målare som Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir och andra skapade motiv från vardagslivet, stads- och landskapsscener i ett starkt, naturligt ljus.
Impressionismen kan ses som en reaktion på det akademiska måleriet. Tonvikten låg inte på innehållet med dess strikta regler för målningens struktur, utan på objektet som det ser ut i varje givet ögonblick, i ett ofta slumpmässigt utsnitt. Verkligheten sågs i hela sin färgvariation i naturlig belysning. Ateljémåleriet ersattes av friluftsmåleriet.
Den ljusare paletten och upplösningen av fasta konturer åtföljdes av ett nytt sätt att hantera färg. Ofta blandades färgerna inte längre på paletten utan sida vid sida på duken så att det slutliga intrycket ligger i betraktarens öga med ett visst avstånd. I "Pointillismen" (med målare som Georges Seurat eller Paul Signac) drevs denna princip till sin spets.
Utanför Frankrike togs impressionismen upp av målare som Max Slevogt, Max Liebermann och Lovis Corinth i Tyskland, och av James A. M. Whistler i USA.
Inom skulpturen kom impressionismen endast till uttryck i begränsad omfattning. I verken av Auguste Rodin, som anses vara en av de främsta företrädarna, kan man se en upplösning av ytorna där spelet med ljus och skugga ingår i det konstnärliga uttrycket. Degas och Renoir skapade också skulpturer.