Tableau "Lac de Starnberg (forêt claire sur le chemin)" (circa 1897) (Pièce unique)
Tableau "Lac de Starnberg (forêt claire sur le chemin)" (circa 1897) (Pièce unique)
Brève info
pièce unique | signée | titrée | crayon sur papier fait main | encadrée | format 55 x 71 cm
Description détaillée
Tableau "Lac de Starnberg (forêt claire sur le chemin)" (circa 1897) (Pièce unique)
Vers 1900, Lovis Corinth a passé beaucoup de temps au lac de Starnberg, où il a étudié la nature avec enthousiasme et l'a immortalisée dans de nombreux dessins et peintures. Le dessin "Lac de Starnberg (forêt claire sur le chemin)", réalisé à cette époque, est un exemple impressionnant de sa capacité à saisir l'atmosphère du paysage par des traits précis et expressifs. Dans cette œuvre, Corinth montre un chemin de forêt claire bordé d'arbres. Les troncs et les branches des arbres sont esquissés avec des lignes rapides et dynamiques qui soulignent le mouvement de la forêt et le jeu de l'ombre et de la lumière. La vue au loin, à travers la voûte de feuilles, crée une douce profondeur qui nous attire inévitablement dans l'espace de la nature. Le traitement de la lumière et de l'ombre par Corinth est magistral : La lumière vacillante qui filtre à travers le feuillage prend vie dans les hachures et les accentuations lumineuses. Ce style de représentation spontané, proche de l'esquisse, donne l'impression d'un moment fugace que l'on peut vivre dans la nature. Crayon sur papier fait main, vers 1897, signé et titré "Starnberger See" au crayon en bas à droite. Taille du motif/feuille 30 x 47,7 cm. Taille dans le cadre 55 x 71 cm comme indiqué.
Producteur : ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hanovre, Allemagne, [email protected]
A propos Lovis Corinth
« L'art véritable n'a (...) aucune connotation pratique et lucrative. Il est une fin en soi. Égoïste comme un dieu, il se tient là dans toute sa beauté ». (Lovis Corinth)
L'œuvre de Lovis Corinth (1858-1925) est difficile à saisir dans son ensemble. Même le classement récurrent dans un « impressionnisme allemand » qui se distingue de l'impressionnisme français est tout à fait discutable - Corinth expérimente bien l'effet de la couleur dans le sens d'une autonomisation des moyens picturaux, mais les calculs scientifiques et académiques, les systèmes de couleurs ou une justification de l'effet de la couleur à partir de la physique lui sont en grande partie étrangers. D'une manière générale, il est à contre-courant des courants artistiques de son époque et il a même qualifié de « recettes artistiques » bon nombre des nouvelles approches de la jeune avant-garde, les couvrant d'une moquerie corrosive.
Mais ce n'est qu'en surface que Corinth apparaît comme un peintre « conservateur ». D'une part, il resta toute sa vie attaché à la peinture figurative et réaliste. Ses garants restaient les anciens Néerlandais, Rembrandt en tête, et il mourut près d'Amsterdam parce qu'il voulait les y admirer encore une fois dans leur version originale. Mais d'un autre côté, il était considéré comme un rebelle et un innovateur, et il menait toujours les genres classiques (tableaux d'histoire, thèmes bibliques et mythologiques) avec un regard extrêmement subjectif, jusqu'à la parodie et au travestissement. Au final, il était donc un contemporain tout à fait remarquable de son époque artistique et était perçu comme tel. Il était de toute façon moderne dans tous les sens du terme, et la série de ses célèbres autoportraits montre un Corinth parfois instable, déchiré entre l'ivresse artistique et la dépression, comme un maître de l'auto-interprétation psychologique.
L'œuvre tardive de Corinth est particulièrement importante. Il y a tout d'abord les tableaux du Walchensee, réalisés à partir de 1919 près d'Urfeld, au sud de Munich, dans lesquels le peintre redécouvre la peinture de paysage. Mais il cherche et trouve également de nouvelles approches dans d'autres sujets, comme le portrait ou la nature morte.
Il s’agit d’une œuvre d’art créée par l’artiste lui-même et dite unique ou originale, car elle existe en un seul exemplaire à cause de son type de production (peinture à l’huile, aquarelle, dessin, etc.)
Outre les pièces uniques classiques, il existe également ce que l’on nomme des "pièces uniques en série". Elles présentent, en série, le même motif et de la même couleur et à partir de la même technique de la main de l’artiste. Les pièces uniques en série trouvent leur source dans "l’art en série", un genre de l’Art moderne qui cherche à produire un effet esthétique à travers des séries, des répétitions et des variations du même objet ou du même sujet ou bien à travers un système d’éléments ou de principes variables et constants.
Comme point de départ historique, l’œuvre "les Meules" de Claude Monet (1890/1891), dans lesquelles a été créée pour la première fois une série sortant du simple ensemble d’œuvres. Des artistes ayant produit de l’art en série sont entre autres Claude Monet, Piet Mondrian et, en particulier, Gerhard Richter.