Bild "Suijin Grove och Masaki" (1856-58), inramad
Bild "Suijin Grove och Masaki" (1856-58), inramad
Snabb information
begränsad, 499 exemplar | certifikat | reproduktion, Giclée print på handgjort papper | inramad | glaserad | storlek 79 x 54 cm (h/v)
inkl. moms plus Frakt
Omedelbart tillgänglig, leveranstid Omedelbart leveransbar
Detaljerad beskrivning
Bild "Suijin Grove och Masaki" (1856-58), inramad
En av de mest utsökta av Ando Hiroshiges (1797-1858) "100 vyer av berömda platser i Edo". Original: 1856-58, färgträsnitt, 39 x 26 cm, S:t Petersburg, Statliga Eremitaget.
Giclée-tryck på handgjort papper. Begränsad upplaga på 499 exemplar. Inramad i en sofistikerad ram av massivt trä, dammtät glasad. Med certifikat. Storlek 79 x 54 cm (h/v).
Kundrecensioner
Ramvariant: inramad
Om Ando Hiroshige
1797-1858
Vid sidan av Hokusai anses Ando Hiroshige (även: Utagawa Hiroshige) vara den mest betydande färgsnidaren under sin tid. Han var utan tvekan den mest framgångsrike: efter publiceringen av hans "53 Stations of Tokaido" (1833-1834) blev han känd praktiskt taget över en natt, hans välkomponerade, detaljerade landskapsmålningar förblev så populära fram till slutet av hans liv att han ofta uppnådde femsiffriga upplagor. Under sin livstid hyllades han som en "Meishoeshi" (mästare på att skildra berömda platser) och det var inte minst hans verk som banade väg för japansk träsnittskonst i Europa, framför allt "100 Views of Famous Places in Edo" (Tokyo), som han skapade under de sista åren av sitt liv. Van Gogh var entusiastisk över dem och gjorde till och med kopior.
Giclée = härrör från det franska verbet gicler som betyder "att spruta, spraya".
Giclée-metoden är en digital tryckprocess. Det är en högupplöst utskrift i storformat på en bläckstråleskrivare med speciella, olikfärgade eller pigmentbaserade bläck (vanligtvis sex till tolv). Färgerna är ljusäkta, dvs. motståndskraftiga mot skadligt UV-ljus. De har en hög nyansrikedom, kontrast och mättnad.
Giclée-processen är lämplig för äkta konstduk, handgjort papper och akvarellpapper samt för siden.
Den japanska konsten fick sina viktigaste impulser från Kina, genom förvärvandet av kinesisk kultur och skrift, införandet av buddhismen, och även från Korea. Den första imitationen följdes av uppkomsten av specifikt japanska former och tekniker från alla områden av konstnärligt skapande. Olika stilar uppstod som ett resultat av sambandet med buddhism, zen och shinto-religionerna.
Japans tidiga historia börjar i det 7:e årtusendet f.Kr. Keramikfynd från denna period tyder på linjär dekor. Stiliserade lerfigurer och masker har också hittats från denna period.
Yayoi-perioden varade från 300-talet f.Kr. till 300-talet e.Kr. och fick sitt namn från arkeologiska fynd av bronsspeglar, bronsvapen och bronsklockor med geometriska och figurativa ornament.
Kofun (3:e - 6:e århundradet)
Återupptäckta gravgåvor, bronsföremål, keramik, smycken av jaspis, guld och silver visar på den tidens konstnärliga skapelser.
Asuka- och Hukaho-perioden (552 - 710)
I och med att buddhismen officiellt accepterades ökade det kinesiska och koreanska inflytandet på Japans konst. Shinto-arkitekturen bevarade dock sina förhistoriska byggnadsstilar i helgedomar och pålstrukturer av trä. Den tidens buddhistiska skulpturer var starkt influerade av Korea och Kina.
Nara-perioden (710-794)
Konsten under denna period, som uppnåddes med stor ansträngning, fortsatte att följa kinesiska modeller. Från det kejserliga palatset har endast planritningen och ca 200 skulpturer bevarats. Den enorma, 16 meter höga bronsgjutningen av "jättebuddhan" i Todaiji är imponerande. Nya material, torrlack och lera, gjorde det möjligt att avbilda både monumentala och dramatiskt rörliga figurer. Senare avtog det kinesiska inflytandet; skulpturerna var blockiga, kläderna hade vågliknande veck.
Heian-perioden (794-1185)
Uppkallad efter den nybyggda huvudstaden Heian-kyo, nuvarande Kyoto. Skulptörerna presenterade främst nya former av "alla Buddhor" i träskulpturer av massiv vikt. Under epokens andra hälft fortsatte japaniseringen av konsten. Skulpturerna fick en mer graciös elegans och känsla. Målningarna från denna period bevarades nästan uteslutande genom den berömda Byodoin Phoenix Hall. Målningarna visar känsliga färger och en förkärlek för mjuk skönhet och rundade linjer. Kalligrafi fick stor betydelse och värderades högre än måleri i Östasien.
Kamakura-perioden (1185-1336)
När Kamakura-shogunatet etablerades byggdes ett nytt kulturcentrum. Hårdhet och krigisk anda präglade den japanska ridderlighetens guldålder. Skulptören Kokai och hans ättlingar skapade skulpturer med djupa snitt, stark kropp och inlagda, naturalistiskt utformade kristallögon. Införandet av zenbuddhismen påverkade till en början bara arkitekturen, men senare även måleriet. Inom hantverket skapades målarutrustning, skrivverktyg, toalettaskar, glaserat lergods och keramik. Vapenkonsten, tillverkningen av rustningar och klingor till svärd upplevde sin högblomstring.
Muromachi-perioden (1336-1573)
Den är uppkallad efter det distrikt i Kyoto där Ashikaga-shogunatet hade sitt residens. Den profana arkitekturen tog över Shoin-stilen från Zen-templen, vilket resulterade i den grundläggande stilen för japanska hus idag. Tehus och raffinerad trädgårdskonst utvecklades också under Zen-inflytandet. Zen-munkarna kultiverade den japanska tuschmålningen. De magnifika landskapsmålningarna av Sesshu är konstnärliga höjdpunkter från den tiden.
Momoyama-perioden (1573-1603)
Den har fått sitt namn efter befälhavaren Toyotomi Hideyoshis palats på Momoyama-kullen nära Kyoto. Denna tid, som präglas av lyx och pompositet, kännetecknas av att konsten frigjordes från religiösa band och användes för rena representationssyften. De pompösa slotten förstördes med några få undantag. Men lyxen där återspeglas i rika träsniderier och metallbeslag. Slotten dekorerades med magnifika målningar i känsliga färger på en bakgrund av bladguld, metallkonsten var högt utvecklad.
Edo-perioden (1603-1848)
Edo-perioden är den 250 år långa fredsperioden då borgerlig konst och kultur utvecklades. Villor och tehus byggdes med sofistikerad och enkel smak. Det dekorativa måleriet upplevde ett nytt uppsving. Tekniken med handkolorerade plåtar utvecklades ytterligare genom tillägget av 2 färgplåtar för fyrfärgstryck. Keramiken frigjorde sig från det kinesisk-koreanska inflytandet och utvecklade en karakteristisk japansk stil. Porslinskonsten berikades av charmiga tryck med emaljfärger. Det finaste och mest högkvalitativa porslinet, som till skillnad från Imari-porslinet inte var avsett för export, levererades från ugnarna i Okochi. Den nya konsten att snida netsuke uppstod, som män bar som en motvikt till Inro (medicinburk) eller tobakspung på bältet. Epoken avslutades med att amerikanerna tvingades öppna landet och regeringsmakten
Meiji-perioden (1868-1912)
Det var en tid av västvänlighet inom alla livets områden. Måleriet utvecklades med europeiska förebilder, men återgick med tiden till gamla traditioner. Tokyo School of Fine Arts tog på sig rollen att främja det japanska måleriet. Skulpturen fortsatte dock att följa den europeiska modellen fram till skolans tid, som fortsatte att utveckla den traditionella träsniderikonsten.