Bild "Starnbergssjön (ljus skog på stigen)" (ca 1897) (Unikt föremål)
Bild "Starnbergssjön (ljus skog på stigen)" (ca 1897) (Unikt föremål)
Kort beskrivning
unikt verk | signerat | titulerat | blyerts på handgjort papper | inramat | storlek 55 x 71 cm
Detaljerad beskrivning
Bild "Starnbergssjön (ljus skog på stigen)" (ca 1897) (Unikt föremål)
Omkring 1900 tillbringade Lovis Corinth mycket tid vid Starnbergssjön, där han med stor entusiasm studerade naturen och förevigade den i ett stort antal teckningar och målningar. Teckningen "Starnbergssjön (Ljus skog på stigen)", som tillkom under denna period, är ett imponerande exempel på hans förmåga att fånga landskapets atmosfär med exakta och uttrycksfulla streck. I verket visar Corinth en ljus skogsstig som flankeras av träd. Trädstammarna och grenarna är skissade med snabba, dynamiska linjer som understryker skogens rörelse och ljusets och skuggans spel. Utsikten i fjärran, genom lövkronorna, skapar ett mjukt djup som oundvikligen drar in en i naturens rymd. Corinths hantering av ljus och skugga är mästerlig: Det flimrande ljuset som filtreras genom lövverket får liv genom skrafferingar och ljusa accentueringar. Denna spontana, nästan skissartade avbildningsstil förmedlar intrycket av ett flyktigt ögonblick som kan upplevas i naturen. Blyerts på handgjort papper, ca 1897, signerad och betitlad "Starnberger See" med blyerts nere till höger. Motivets storlek/arkets storlek 30 x 47,7 cm. Storlek i ram 55 x 71 cm som visas.
Producent: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Tyskland, [email protected]
Om Lovis Corinth
”Sann konst har (...) ingen praktisk, lönsam smak. Den är ett mål i sig själv. Egoistisk som en gud står den där i all sin skönhet.” (Lovis Corinth)
Lovis Corinths (1858-1925) verk som helhet är svårt att sammanfatta. Till och med den upprepade klassificeringen av hans verk som ”tysk impressionism” i motsats till fransk impressionism kan ifrågasättas - Corinth experimenterade förvisso med färgens verkan i betydelsen ett självständigt bildmedium, men vetenskapligt-akademiska beräkningar, färgsystem eller en fysikaliskt grundad motivering av färgens verkan var i stort sett främmande för honom. Överhuvudtaget var han på kant med sin tids konstnärliga trender och hånade till och med många av det unga avantgardets nya grepp med ett bitande hån som ”receptkonst”.
Men Corinth verkar bara vara en ”konservativ” målare på ytan. Å ena sidan höll han fast vid den figurativa, realistiska målarstilen under hela sitt liv. Hans garanter förblev de gamla holländska målarna, framför allt Rembrandt, och han dog i närheten av Amsterdam för att han ville beundra dem där igen i original. Men å andra sidan betraktades han som en rebell och förnyare och utforskade gång på gång de klassiska genrerna (historiemåleri, bibliska och mytologiska teman) med en högst subjektiv blick, som även inkluderade parodi och travesti. I slutändan var han en framstående samtida i sin konstnärliga epok och erkändes som sådan. Modern var han ändå i alla avseenden, och i serien av hans berömda självporträtt framstår den ibland instabile Corinth, sliten mellan konstnärligt rus och depression, som en mästare på psykologisk självtolkning.
Corinths sena verk är av särskild betydelse. Det gäller för det första Walchensee-målningarna, som tillkom från 1919 och framåt i närheten av Urfeld söder om München och där målaren återupptäckte landskapsmåleriet för sig själv. Men han sökte och fann också nya vägar i andra motiv, som porträtt och stilleben.
Ett konstverk som är unikt på grund av produktionssättet (oljemålning, akvarell, teckning etc.).
I närheten av de klassiska unika verken finns de så kallade "seriella unika verken". De utgör en serie verk med samma färg, motiv och teknik, manuellt framställda av samma konstnär. De seriella unika verken har sina rötter i den "seriella konsten", en typ av samtida konst som uppnår en estetisk effekt genom ett system av konstanta och variabla element eller principer i rader, upprepningar och variationer av samma objekt eller teman.
I konsthistorien var startpunkten för denna trend ett verk av Claude Monet "Les Meules" (1890/1891), som för första gången presenterade en utgående serie istället för bara en grupp av verk. Andra konstnärer som ägnade sig åt seriell konst var Claude Monet, Piet Mondrian men framför allt Gerhard Richter.