Bild "Walchensee i vinter" (1923), gyllene inramad version
Bild "Walchensee i vinter" (1923), gyllene inramad version
Snabb information
ars mundi Exclusive Edition | begränsad, 980 exemplar | numrerad | certifikat | reproduktion, Giclée-tryck på duk | på spännram | inramad | storlek ca 60 x 76 cm (h/v)
inkl. moms plus Frakt
Omedelbart tillgänglig, leveranstid Omedelbart leveransbar
Video
Detaljerad beskrivning
Bild "Walchensee i vinter" (1923), gyllene inramad version
Från 1919 och framåt fann Lovis Corinth (1858-1925) en tillflyktsort i Urfeld ovanför sjön Walchen, som inspirerade honom till många verk under hans sena period. Så här beskriver hans hustru Charlotte Berend-Corinth hur mycket platsen imponerade på honom: "Lovis blev omedelbart gripen av landskapets skönhet - av Walchensjöns magi, bergslandskapet, ljuset och luften".
Original: 1923, olja på duk, 70 x 90 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main.
Upplagan överförd till konstnärens duk i Fine Art Giclée-processen och uppspänd på en spännram. Begränsad upplaga på 980 exemplar, numrerade, med certifikat. Inramad i en handgjord, gyllene ram av massivt trä. Storlek ca 60 x 76 cm (h/w). ars mundi Exclusive Edition.
Kundrecensioner
Ramvariant: Inramning 1
Om Lovis Corinth
"Sann konst har (...) ingen praktisk, lönsam smak. Den är ett självändamål. Egoistisk som en gud står den där i all sin skönhet." (Lovis Corinth)
Lovis Corinths (1858-1925) verk som helhet är svårt att sammanfatta. Även den återkommande klassificeringen av hans verk som "tysk impressionism" i motsats till fransk impressionism är tveksam - Corinth experimenterade säkert med färgens effekt i betydelsen av ett oberoende bildmedium, men vetenskapliga akademiska beräkningar, färgsystem eller en motivering av färgens effekt baserad på fysik är i stort sett främmande för honom. Överhuvudtaget stod han i motsättning till sin tids konstnärliga trender och kallade till och med många av det unga avantgardets nya metoder för "receptkonst" med ett bitande hån.
Men Corinth framstår bara på ytan som en "konservativ" målare. Å ena sidan höll han fast vid den figurativa, realistiska målarstilen under hela sitt liv. Hans garanter var de gamla holländska målarna, framför allt Rembrandt, och han dog nära Amsterdam för att han ville beundra dem där i original. Å andra sidan betraktades han som en rebell och innovatör och utforskade upprepade gånger de klassiska genrerna (historiemålningar, bibliska och mytologiska teman) med ett mycket subjektivt öga, inklusive parodi och travesti. I slutändan var han en enastående samtida i sin konstnärliga epok och erkändes som sådan. Han var ändå modern i alla avseenden, och serien med hans berömda självporträtt visar den ibland instabila Corinth, som slits mellan konstnärlig berusning och depression, som en mästare på psykologisk självtolkning.
Corinths sena verk är av särskild betydelse. För det första finns det Walchensee-målningarna, som skapades från 1919 och framåt nära Urfeld söder om München och där målaren återupptäckte landskapsmåleriet för sig själv. Men han sökte och fann också nya tillvägagångssätt i andra ämnen, såsom porträtt och stilleben.
Grafisk eller skulptural utgåva som initierats av ars mundi och som endast finns tillgänglig hos ars mundi eller hos en av ars mundi licensierad distributionspartner.
Giclée = härrör från det franska verbet gicler som betyder "att spruta, spraya".
Giclée-metoden är en digital tryckprocess. Det är en högupplöst utskrift i storformat på en bläckstråleskrivare med speciella, olikfärgade eller pigmentbaserade bläck (vanligtvis sex till tolv). Färgerna är ljusäkta, dvs. motståndskraftiga mot skadligt UV-ljus. De har en hög nyansrikedom, kontrast och mättnad.
Giclée-processen är lämplig för äkta konstduk, handgjort papper och akvarellpapper samt för siden.
Impressionismen, som uppstod i det franska måleriet 1870, har fått sitt namn efter Claude Monets landskap "Impression, Soleil Levant". Efter att först ha avvisats började den ett verkligt triumferande avancemang.
Målare som Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir och andra skapade motiv från vardagslivet, stads- och landskapsscener i ett starkt, naturligt ljus.
Impressionismen kan ses som en reaktion på det akademiska måleriet. Tonvikten låg inte på innehållet med dess strikta regler för målningens struktur, utan på objektet som det ser ut i varje givet ögonblick, i ett ofta slumpmässigt utsnitt. Verkligheten sågs i hela sin färgvariation i naturlig belysning. Ateljémåleriet ersattes av friluftsmåleriet.
Den ljusare paletten och upplösningen av fasta konturer åtföljdes av ett nytt sätt att hantera färg. Ofta blandades färgerna inte längre på paletten utan sida vid sida på duken så att det slutliga intrycket ligger i betraktarens öga med ett visst avstånd. I "Pointillismen" (med målare som Georges Seurat eller Paul Signac) drevs denna princip till sin spets.
Utanför Frankrike togs impressionismen upp av målare som Max Slevogt, Max Liebermann och Lovis Corinth i Tyskland, och av James A. M. Whistler i USA.
Inom skulpturen kom impressionismen endast till uttryck i begränsad omfattning. I verken av Auguste Rodin, som anses vara en av de främsta företrädarna, kan man se en upplösning av ytorna där spelet med ljus och skugga ingår i det konstnärliga uttrycket. Degas och Renoir skapade också skulpturer.