Bild "Walchensee in Winter" (1923), vit och gyllene inramad version
Bild "Walchensee in Winter" (1923), vit och gyllene inramad version
Kort beskrivning
ars mundi Exclusive Edition | begränsad, 980 exemplar | numrerad | certifikat | reproduktion, Giclée-tryck på duk | på spännram | inramad | storlek ca 63,5 x 79,5 cm (h/v)
Video
Detaljerad beskrivning
Bild "Walchensee in Winter" (1923), vit och gyllene inramad version
Från 1919 och framåt fann Lovis Corinth (1858-1925) en tillflyktsort i Urfeld ovanför sjön Walchen, som inspirerade honom till många verk under hans sena period. Så här beskriver hans hustru Charlotte Berend-Corinth hur mycket platsen imponerade på honom: "Lovis blev omedelbart gripen av landskapets skönhet - av Walchensjöns magi, bergslandskapet, ljuset och luften".
Original: 1923, olja på duk, 70 x 90 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main.
Upplagan överförd till konstnärens duk i Fine Art Giclée-processen och uppspänd på en spännram. Begränsad upplaga på 980 exemplar, numrerade, med certifikat. Inramad i en handgjord, vitgyllene ram av massivt trä. Storlek ca 63,5 x 79,5 cm (h/v). ars mundi Exclusive Edition.
Producent: ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hannover, Tyskland, [email protected]
Kundrecensioner
Ramvariant: Inramning 1
Om Lovis Corinth
”Sann konst har (...) ingen praktisk, lönsam smak. Den är ett mål i sig själv. Egoistisk som en gud står den där i all sin skönhet.” (Lovis Corinth)
Lovis Corinths (1858-1925) verk som helhet är svårt att sammanfatta. Till och med den upprepade klassificeringen av hans verk som ”tysk impressionism” i motsats till fransk impressionism kan ifrågasättas - Corinth experimenterade förvisso med färgens verkan i betydelsen ett självständigt bildmedium, men vetenskapligt-akademiska beräkningar, färgsystem eller en fysikaliskt grundad motivering av färgens verkan var i stort sett främmande för honom. Överhuvudtaget var han på kant med sin tids konstnärliga trender och hånade till och med många av det unga avantgardets nya grepp med ett bitande hån som ”receptkonst”.
Men Corinth verkar bara vara en ”konservativ” målare på ytan. Å ena sidan höll han fast vid den figurativa, realistiska målarstilen under hela sitt liv. Hans garanter förblev de gamla holländska målarna, framför allt Rembrandt, och han dog i närheten av Amsterdam för att han ville beundra dem där igen i original. Men å andra sidan betraktades han som en rebell och förnyare och utforskade gång på gång de klassiska genrerna (historiemåleri, bibliska och mytologiska teman) med en högst subjektiv blick, som även inkluderade parodi och travesti. I slutändan var han en framstående samtida i sin konstnärliga epok och erkändes som sådan. Modern var han ändå i alla avseenden, och i serien av hans berömda självporträtt framstår den ibland instabile Corinth, sliten mellan konstnärligt rus och depression, som en mästare på psykologisk självtolkning.
Corinths sena verk är av särskild betydelse. Det gäller för det första Walchensee-målningarna, som tillkom från 1919 och framåt i närheten av Urfeld söder om München och där målaren återupptäckte landskapsmåleriet för sig själv. Men han sökte och fann också nya vägar i andra motiv, som porträtt och stilleben.
Grafisk eller skulptural utgåva som initierats av ars mundi och som endast finns tillgänglig hos ars mundi eller hos en av ars mundi licensierad distributionspartner.
> Alla Ars Mundi Exclusive Editions
Giclée = härrör från det franska verbet gicler som betyder "att spruta, spraya".
Giclée-metoden är en digital tryckprocess. Det är en högupplöst utskrift i storformat på en bläckstråleskrivare med speciella, olikfärgade eller pigmentbaserade bläck (vanligtvis sex till tolv). Färgerna är ljusäkta, dvs. motståndskraftiga mot skadligt UV-ljus. De har en hög nyansrikedom, kontrast och mättnad.
Giclée-processen är lämplig för äkta konstduk, handgjort papper och akvarellpapper samt för siden.
Impressionismen, som uppstod i det franska måleriet 1870, har fått sitt namn efter Claude Monets landskap "Impression, Soleil Levant". Efter att först ha avvisats började den ett verkligt triumferande avancemang.
Målare som Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir och andra skapade motiv från vardagslivet, stads- och landskapsscener i ett starkt, naturligt ljus.
Impressionismen kan ses som en reaktion på det akademiska måleriet. Tonvikten låg inte på innehållet med dess strikta regler för målningens struktur, utan på objektet som det ser ut i varje givet ögonblick, i ett ofta slumpmässigt utsnitt. Verkligheten sågs i hela sin färgvariation i naturlig belysning. Ateljémåleriet ersattes av friluftsmåleriet.
Den ljusare paletten och upplösningen av fasta konturer åtföljdes av ett nytt sätt att hantera färg. Ofta blandades färgerna inte längre på paletten utan sida vid sida på duken så att det slutliga intrycket ligger i betraktarens öga med ett visst avstånd. I "Pointillismen" (med målare som Georges Seurat eller Paul Signac) drevs denna princip till sin spets.
Utanför Frankrike togs impressionismen upp av målare som Max Slevogt, Max Liebermann och Lovis Corinth i Tyskland, och av James A. M. Whistler i USA.
Inom skulpturen kom impressionismen endast till uttryck i begränsad omfattning. I verken av Auguste Rodin, som anses vara en av de främsta företrädarna, kan man se en upplösning av ytorna där spelet med ljus och skugga ingår i det konstnärliga uttrycket. Degas och Renoir skapade också skulpturer.