Tableau "Nature morte à la corbeille de fruits" (1888/90), encadré
Tableau "Nature morte à la corbeille de fruits" (1888/90), encadré
Brève info
limité, 980 exemplaires | certificat numéroté | reproduction, impression Giclée sur toile | sur châssis | encadré | taille 67 x 83 cm (h/m)
Description détaillée
Tableau "Nature morte à la corbeille de fruits" (1888/90), encadré
Cézanne a peint presque exclusivement des paysages de la région d'Aix-en-Provence, principalement des natures mortes et des scènes de la vie quotidienne, essayant de dépeindre ce qu'il percevait plutôt que la nature visible. Il a développé une nouvelle conception de l'espace, de la forme et de la couleur qui a servi de modèle aux générations suivantes de peintres. C'est pourquoi il est souvent considéré comme le "père du modernisme".
Original : 1888/90, huile sur toile, 65 x 81 cm, Musée d'Orsay.
Reproduction de haute qualité selon le procédé Fine Art Giclée sur toile d'artiste avec structure en lin, sur châssis en bois. Édition limitée à 980 exemplaires avec certificat numéroté au dos. Encadré dans un cadre en bois massif noir et argent. Dimensions 67 x 83 cm (h/l).
Producteur : ars mundi Edition Max Büchner GmbH, Bödekerstraße 13, 30161 Hanovre, Allemagne E-mail : info@arsmundi.de
Evaluations client
A propos Paul Cézanne
1839-1906
« Je peins comme je vois, comme je sens - et j’ai les sensations très fortes » : Paul Cézanne (1839-1906) posa avec ses tableaux postimpressionnistes les jalons de ce qui deviendra par la suite la peinture du XXème siècle telle qu’on la connaît aujourd’hui. Des cubistes et des fauvistes, tels que Pablo Picasso et Henri Matisse, attribuent leur art directement à Paul Cézanne. Cézanne est l’un des premiers peintres à avoir consciemment modifié les dimensions et les perspectives dans ses tableaux pour obtenir certains effets et une vivacité particulière.
Fils d’un petit banquier, l’artiste est né le 19 janvier 1839 à Aix-en-Provence. La reconnaissance très tardive de son art rendit Cézanne dépendant financièrement de son père toute au long de sa vie. Les refus de l’école des Beaux-Arts de Paris et le rejet constant des salons sont des facteurs aggravants qui font de lui un solitaire de plus en plus craintif. Abandonnant les études de droit souhaitées par son père, il se forma finalement lui-même en autodidacte, grâce aux œuvres de Rubens, Delacroix et Poussin. Il travaillait souvent dans le cercle des impressionnistes et exposait avec eux. Cependant, il se distançait de leur style, car il voulait créer une « peinture solide et durable », qui n’était impressionniste que par certaines caractéristiques, comme l’éclaircissement de la palette et les couleurs atmosphériques et scintillantes.
Cézanne peignait presque exclusivement des paysages des environs d’Aix-en-Provence, des natures mortes et des scènes du quotidien, dans lesquels il voulait reproduire, non pas la nature visible, mais le perçu. Il développa une nouvelle conception de l’espace, de la forme et de la couleur, qui allait montrer la voie aux générations de peintres à venir. il est considéré, à juste titre, comme le « père de la modernité ».
L’importance de ses œuvres n’a été reconnue qu’après sa première exposition individuelle à Paris en 1895. D’autres expositions ont suivi et ses tableaux se sont vendus à des prix élevés. Malgré cela, il se replia de plus en plus sur lui-même et sa santé se détériorait à vue d’œil. Même sa femme et son fils, qui vivaient tous deux à Paris, ne parvenaient plus à l’atteindre. Finalement, Cézanne mourut seul d’une pneumonie dans son atelier d’Aix-en-Provence, le 22 octobre 1906.
Le « mythe Cézanne » fut commémoré dès l’année suivante lors d’une grande exposition à sa mémoire, durant laquelle cinquante-six de ses toiles furent présentées.
La méthode dite en "giclée" est un procédé d’impression digitale. Il s’agit d’une impression de haute définition et en grand format sur une imprimante à jet, de fines gouttelettes d’encres spéciales de couleurs différentes et à partir de colorant ou de pigment (généralement entre 6 et 12). Les couleurs sont résistantes à la lumière, c’est-à-dire aux UV qui pourraient dégrader leur pigmentation. Elles présentent une grande richesse de nuances, de contrastes ainsi qu’un haut degré de saturation.
Le procédé en giclée est approprié pour les toiles d’artistes, le papier pour aquarelle et le papier fait main, ainsi que pour la soie.
L’impressionnisme, courant artistique de la peinture française apparu vers 1870, tient son nom du tableau de Claude Monet ‘Impression, Soleil levant’. Après le rejet initial que cette peinture reçut, elle fit une avancée triomphante.
Des peintres tels que Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet et Auguste Renoir, entre autres, créèrent des motifs de la vie quotidienne, des scènes urbaines et pittoresques capturées dans une lumière claire et naturelle.
L’impressionnisme est à percevoir comme une réaction à la peinture de l’académisme : on ne cherche pas à mettre en avant le contenu à travers une constellation figurative structurée par des règles strictes, mais plutôt à mettre en valeur l’objet, la manière qu’il a d’apparaître à un moment donné, souvent fortuit. La réalité est perçue dans toute sa diversité de couleurs dans un éclairage naturel. La peinture sur le motif se substitue à la peinture en atelier.
Le nouveau maniement de la couleur s’accompagne d’un éclaircissement de la palette et de la disparition des contours fermes. Les couleurs ne sont plus mélangées à plusieurs reprises sur la palette, mais sont disposées directement sur la toile les unes à côté des autres, de telle manière que l’impression finale n’apparaisse que dans les yeux de l’observateur, prenant un certain recul. Dans le pointillisme (avec des peintres tels que Georges Seurat ou Paul Signac), ce principe a été poussé à l’extrême.
En dehors de la France, on retrouve l’impressionnisme dans les œuvres de peintres tels que Max Slevogt, Max Liebermann ou Lovis Corinth en Allemagne, ou bien James A. M. Whistler aux États-Unis.
Dans la sculpture, l’impressionnisme ne s’exprima qu’occasionnellement. Dans les œuvres de Auguste Rodin, considéré comme son représentant majeur, se montre l’évaporation des surfaces, à travers laquelle le jeu de lumière et d’ombres est assimilé au message artistique. Degas et Renoir créèrent également des sculptures.