Billede "Kameido Tenjin Shrine" (1856-1858), indrammet

Vores reproduktion er taget fra serien "100 Views of Famous Places in Edo" (Tokyo) (som faktisk består af 118 tryk), som kunstneren skabte i de sidste år af sit liv. Værket er et af højdepunkterne i denne serie, som er eftertragtet blandt samlere.
Original: Farvetræsnit.

Reproduceret ved hjælp af Fine Art Giclée-processen, overført direkte til kunstnerens lærred og monteret på en ramme. Begrænset, nummereret oplag på 499 eksemplarer med certifikat. Indrammet i en håndlavet ramme af ægte træ. Størrelse 56 x 81 cm. Eksklusivt hos ars mundi.

Ramme-konfigurator

Skræddersyet billedramme

Ramme-konfigurator

Skræddersyet billedramme

Vælg ramme

Om og Ando Hiroshige

1797-1858

Sammen med Hokusai anses Ando Hiroshige (også: Utagawa Hiroshige) for at være den vigtigste træsnitter i sin tid. Han var helt sikkert den mest succesfulde: Efter udgivelsen af hans "53 stationer på Tokaido" (1833-1834) gjorde ham berømt praktisk talt over natten, forblev hans velkomponerede, detaljerede landskabsmalerier så populære indtil slutningen af hans liv, at han ofte opnåede femcifrede oplag. I sin levetid var han anerkendt som en "Meishoeshi" (mester i at skildre berømte steder), og det var ikke mindst hans værker, der banede vejen for japansk træsnitkunst i Europa, frem for alt "100 Views of Famous Places in Edo" (Tokyo), som han skabte i de sidste år af sit liv. Van Gogh var begejstret for dem og lavede endda kopier.

Grafisk eller skulpturel udgave, der er initieret af ars mundi, og som kun er tilgængelig hos ars mundi eller hos en distributionspartner, der er licenseret af ars mundi.

Giclée = afledt af det franske verbum gicler, der betyder "at sprøjte, sprøjte".

Giclée-metoden er en digital trykproces. Det er en højopløselig udskrift i stort format på en inkjetprinter med specielle forskellige farvede eller pigmentbaserede blæk (normalt seks til tolv). Farverne er lysægte, dvs. modstandsdygtige over for skadeligt UV-lys. De har en høj nuancerigdom, kontrast og mætning.

Giclée-processen er velegnet til ægte kunstlærred, håndlavet og akvarelpapir og til silke.

Japans kunst fik en betydelig impuls fra Kina gennem tilegnelsen af kinesisk kultur og skrift, indførelsen af buddhismen og også fra Korea. Den indledende imitation blev efterfulgt af fremkomsten af specifikt japanske former og teknikker fra alle områder af kunstnerisk skabelse. Forskellige stilarter opstod som et resultat af forbindelsen med buddhisme, zen og shinto-religioner.

Japans tidlige historie begynder i det 7. årtusinde f.v.t. Keramikfund fra denne periode indikerer lineær udsmykning. Stiliserede lerfigurer og masker er også blevet fundet fra denne periode.

Yayoi-perioden varede fra det 3. århundrede f.Kr. til det 3. århundrede e.Kr. og fik sit navn fra de arkæologiske fund af bronzespejle, bronzevåben og bronzeklokker med geometrisk og figural ornamentik.

Kofun (3.-6. århundrede)
Genfundne gravgaver, bronzegenstande, keramik, smykker lavet af jaspis, guld og sølv viser de kunstneriske kreationer fra den tid.

Asuka- og Hukaho-perioden (552-710)
Med den officielle accept af buddhismen øgedes den kinesiske og koreanske indflydelse på Japans kunst. Shinto-arkitekturen bevarede dog sin forhistoriske byggestil i helligdommene og træpæle-strukturerne. De buddhistiske skulpturer fra den tid var stærkt påvirket af Korea og Kina.

Nara-perioden (710-794)
Denne periodes kunst, som blev skabt med en stor indsats, fortsatte med at følge kinesiske modeller. Kun grundplanen og omkring 200 skulpturer er bevaret fra det kejserlige palads. Den enorme, 16 meter høje bronzestøbning af "kæmpebuddhaen" i Todaiji er imponerende. Nye materialer, tørlak og ler, gjorde det muligt at afbilde både monumentale og dramatisk bevægelige figurer. Senere aftog den kinesiske indflydelse; skulpturerne var blokagtige, klædedragterne havde bølgelignende folder.

Heian-perioden (794-1185)
Opkaldt efter den nybyggede hovedstad Heian-kyo, det nuværende Kyoto. Billedhuggerne præsenterede hovedsageligt nye former for "alle Buddhaer" i træskulpturer af massiv vægt. I anden halvdel af epoken fortsatte japaniseringen af kunsten. Skulpturelle værker fik mere yndefuld elegance og følelse. Maleriet fra denne periode blev næsten udelukkende bevaret gennem den berømte Byodoin Phoenix Hall. Malerierne viser sarte farver og en forkærlighed for blød skønhed og afrunding af linjer. Kalligrafi fik stor betydning og blev værdsat højere end maleri i Østasien.

Kamakura-perioden (1185-1336)
Med etableringen af Kamakura-shogunatet blev der bygget et nyt kulturcenter. Hårdhed og krigerisk ånd bestemte denne guldalder for japansk ridderlighed. Billedhuggeren Kokai og hans efterkommere skabte skulpturer med dybe snit, stærk krop og indlagte, naturalistisk udformede krystaløjne. Indførelsen af zenbuddhismen havde i første omgang kun indflydelse på arkitekturen, men senere også på malerkunsten. Kunsthåndværket skabte maleudstyr, skriveredskaber, toiletæsker, glaseret lertøj og keramik. Våbenkunsten, fremstillingen af rustninger og klinger til sværd oplevede deres højeste blomstring.

Muromachi-perioden (1336-1573)
Den er opkaldt efter det distrikt i Kyoto, hvor Ashikaga-shogunatet havde sin residens. Den profane arkitektur overtog Shoin-stilen fra Zen-templerne, hvilket resulterede i den grundlæggende stil i japanske huse i dag. Tehuse og raffineret havekunst blev også udviklet under Zen-indflydelsen. Zen-munke kultiverede det japanske blækmaleri. De storslåede landskabsmalerier af Sesshu er kunstneriske højdepunkter fra den tid.

Momoyama-perioden (1573-1603)
Den er opkaldt efter hærføreren Toyotomi Hideyoshis palads på Momoyama-bakken nær Kyoto. Denne tid, der er præget af luksus og pompøsitet, er kendetegnet ved en kunst, der var frigjort fra religiøse bånd og tjente rene repræsentationsformål. De pompøse slotte blev ødelagt med undtagelse af nogle få. Men den luksus, der fandtes, afspejles i rige træudskæringer og metalbeslag. Slottene var dekoreret med storslåede malerier i sarte farver på en baggrund af bladguld, og metalkunsten var højt udviklet.

Edo-perioden (1603-1848)
Edo-æraen er den 250 år lange fredsperiode, hvor borgerlig kunst og kultur udviklede sig. Villaer og tehuse blev bygget med sofistikeret og enkel smag. Det dekorative maleri oplevede et nyt opsving. Teknikken med håndkolorerede plader blev videreudviklet med tilføjelsen af to farveplader til firefarvetryk. Keramikken løsrev sig fra den kinesisk-koreanske indflydelse og udviklede en karakteristisk japansk stil. Porcelænskunsten blev beriget af charmerende tryk med emaljefarver. Det fineste porcelæn af bedste kvalitet, som i modsætning til Imari-porcelænet ikke var beregnet til eksport, blev leveret af ovnene i Okochi. Den nye kunstart netsuke-udskæring dukkede op, som mænd bar som modvægt til Inro (medicindåse) eller tobakspung i bæltet. Epoken sluttede med amerikanernes tvungne åbning af landet og overdragelsen af regeringsmagten til kejseren.

Meiji-perioden (1868-1912)
Det var en æra med vestliggørelse på alle livets områder. Maleriet udviklede sig efter europæisk forbillede, men vendte med tiden tilbage til gamle traditioner. Tokyo School of Fine Arts påtog sig rollen som promotor af det japanske maleri. Skulpturen fortsatte dog med at følge den europæiske model, indtil skolen fortsatte med at udvikle den traditionelle træskærerkunst.

Anbefalinger