Classicisme: retour aux idéaux de l’Antiquité
Le classicisme représente l’un des tournants les plus importants de l’histoire européenne de l’art et de la culture. Entre 1770 et 1840, la plupart des genres artistiques changèrent de forme et de contenu. Cela concerna non seulement les arts visuels, avec la peinture, la sculpture et l’architecture, mais aussi d’autres arts comme le théâtre, la littérature et la musique, ainsi que le design, la mode et l’intérieur.
Le nouveau style était inscrit dans un processus de transformation de l’ensemble de la société, qui toucha également les structures traditionnelles de domination. Même si l’apogée du classicisme ne dura qu’un peu plus d’un demi-siècle, il apporta aux arts visuels des changements durables, qui continuent en partie à produire leurs effets jusqu’à aujourd’hui. En outre, le classicisme ne fut pas seulement un phénomène régional, mais put, comme l’un des rares styles, se répandre dans toute l’Europe jusqu’en Amérique du Nord.
Dans les arts visuels, le classicisme reposait essentiellement sur trois piliers fondamentaux:
- Le style du classicisme fut largement inspiré par les œuvres d’art de l’Antiquité grecque et romaine.
- La maxime suprême pour la conception des sculptures, des tableaux et de l’architecture était une beauté discrète. L’esthétique était marquée par la clarté de la forme, l’harmonie, les proportions naturelles et l’élégance simple. Le classicisme se distançait ainsi des styles pompeux et émotionnels tels que le baroque et le rococo.
- Dans le classicisme, l’esprit des Lumières s’exprima également dans l’art. La forme et le contenu des œuvres s’orientaient vers des valeurs telles que la raison, la pensée rationnelle et la morale.
Dans ce qui suit, les caractéristiques propres au classicisme seront examinées de plus près. Seront notamment expliqués plus en détail les circonstances de son émergence, les caractéristiques typiques des tableaux et des sculptures ainsi que les représentantes et représentants importants du classicisme et leurs œuvres. L’accent sera mis sur la peinture et la sculpture. Enfin, un regard sera porté sur l’importance de l’art classiciste dans le présent.
Comment le classicisme est-il né?
Diverses circonstances et influences firent que le classicisme put se développer, à partir du milieu du XVIIIe siècle, comme un nouveau style des arts visuels. Plusieurs facteurs rendirent cela possible ou y contribuèrent: les changements dans la politique et la société, le besoin d’une réorientation stylistique ainsi qu’un intérêt croissant pour l’art de l’Antiquité.
L’Europe en temps de changement politique et social
À partir du milieu du XVIIIe siècle, de nombreux pays d’Europe se trouvaient dans une phase de bouleversement politique et social. Plusieurs événements importants déterminèrent le cours des choses:
- En France, la Révolution française avait, à partir de 1789, conduit à un changement profond au sein de l’État et de la société. Dans ce contexte, la noblesse et le clergé perdirent du pouvoir et la bourgeoisie gagna en importance.
- La Révolution industrielle, qui commença vers 1760, modifia en Europe les conditions économiques et sociales.
- Les guerres de coalition de 1792 à 1815 eurent pour conséquence le déplacement de frontières territoriales et la modification des rapports de domination.
- Toute l’Europe était placée sous le signe des Lumières. La science et la pensée rationnelle déterminaient l’action sociale et politique.
Ce furent surtout les tendances à la démocratisation et à la rationalisation qui favorisèrent la formation du classicisme:
- Dans de nombreux pays, les hiérarchies et les rapports de pouvoir traditionnels commencèrent à vaciller. Cela toucha particulièrement les structures des monarchies absolutistes ainsi que l’influence des Églises. Ainsi disparurent également peu à peu les éléments stylistiques pompeux et surchargés du baroque et du rococo, privilégiés par la noblesse et le clergé. L’art classiciste se comprenait comme un contre-programme radical aux époques précédentes.
- La philosophie des Lumières se refléta dans les arts visuels. Comme dans de nombreux autres domaines de la vie, la logique et la raison firent désormais leur entrée dans la peinture, la sculpture et l’architecture. Tant le choix des sujets picturaux que les exécutions artistiques suivaient des principes rationnels. Les œuvres ne devaient plus s’adresser aux sens et aux émotions, mais à l’esprit. Plus fortement qu’auparavant, les artistes prirent désormais la nature pour modèle et aspirèrent à des représentations réalistes.
- Dans les temps agités au tournant du XVIIIe au XIXe siècle, la peinture et la sculpture devaient fournir une orientation. De nombreuses autorités furent remises en question, ce qui entraîna à son tour incertitude et désorientation. Dans cette période de grands bouleversements, l’art au moins devait être un lieu d’ordre, de pureté, de morale et de discipline.
Le classicisme fut un mouvement opposé au baroque
Aussi bien parmi les artistes que parmi les commanditaires, tout indiquait un changement fondamental de style. Les modes de création artistique du baroque et du rococo ne correspondaient plus à l’atmosphère sociale générale. La rationalisation, la sécularisation et la démocratisation devaient désormais se refléter aussi dans un style artistique transformé. C’est pourquoi les éléments stylistiques de l’art classiciste se démarquèrent consciemment de l’esthétique fastueuse et bombastique des époques précédentes. Les œuvres de l’Antiquité, dont le mode de représentation était fortement orienté vers la réalité, servirent désormais de modèles. Dans le classicisme aussi, on se recentra alors sur la beauté et la simplicité de la nature. Le style fut désormais marqué par des structures réduites et claires ainsi que par des formes de conception mesurées sans extravagances.
Le classicisme trouva ses modèles stylistiques dans l’archéologie
Une impulsion essentielle pour le développement du classicisme ne vint pas de l’art lui-même, mais d’une science – l’archéologie. À partir du début du XVIIIe siècle, l’intérêt des archéologues se concentra sur la région autour du Vésuve en Italie. De vastes parties de la région avaient été recouvertes, après son éruption en 79 apr. J.-C., d’une épaisse couche de lave et de cendre. Les fouilles d’Herculaneum en 1738 et de Pompéi en 1748 mirent au jour des artefacts sensationnels. Sculptures, fresques et mosaïques dans un excellent état de conservation purent être présentées au public.
Les résultats des fouilles provoquèrent une vague d’enthousiasme pour l’art antique dans de nombreux pays européens. Par la suite, les artistes et les artisanes et artisans d’art découvrirent eux aussi les éléments stylistiques des objets d’art, des bâtiments et des objets usuels grecs et romains. Le mode de conception sobre de l’Antiquité, orienté vers la nature, devait devenir formateur de style pour le classicisme.
Johann Joachim Winckelmann est considéré comme le "père spirituel" du classicisme
Dans les reportages sur l’exploration des sites antiques au XVIIIe siècle, l’archéologue, antiquaire et bibliothécaire allemand Johann Joachim Winckelmann (1717 – 1768) joua un rôle important. Par ses écrits, il marqua de façon déterminante l’image de l’Antiquité dans l’espace germanophone et contribua de manière décisive au développement de l’art classiciste.
En 1755, Winckelmann rédigea son premier grand écrit, "Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques dans la peinture et la sculpture". Déjà ici, il souligna l’importance de l’art antique également pour les œuvres contemporaines. De ce travail provient aussi la phrase très citée avec laquelle Winckelmann formula déjà un principe directeur important pour les arts visuels du classicisme:
"La seule voie pour nous de devenir grands, oui, si possible, inimitables, est l’imitation des anciens."
Encore durant son séjour en Allemagne, Winckelmann fut chargé de faire rapport à la cour saxonne sur les découvertes dans la région autour du Vésuve. Il se rendit plusieurs fois en Italie et traita ses impressions dans de nombreux écrits scientifiques. Par ses travaux, Winckelmann contribua de manière déterminante à la redécouverte de l’Antiquité.
Il défendit la thèse selon laquelle la clé de la formation et de l’éthique résidait dans l’étude intensive de l’Antiquité. C’est en particulier dans les œuvres d’art grecques qu’il voyait réalisée ce qui, selon lui, était fondamentalement la tâche de l’art: la représentation de la beauté. Quelques années plus tard, de nombreuses artistes et de nombreux artistes visuels du classicisme devaient reprendre les idées stylistiques directrices de Winckelmann. Mais grâce à ses écrits formulés de manière attrayante, il put aussi éveiller l’intérêt et l’enthousiasme pour l’Antiquité dans de larges couches de la population.
Quelles sont les principales caractéristiques de la peinture du classicisme?
Le style pictural du classicisme devait refléter l’objectivité, l’ordre et la dignité qui caractérisaient toute l’époque. Pour y parvenir, les artistes se servirent d’un mode de représentation clair et réduit, sans ornementation excessive.
Les caractéristiques typiques du classicisme étaient:
- Une ligne claire: La peinture du classicisme aspirait à une représentation objective et riche en détails des motifs. Pour cela, les artistes travaillaient principalement avec des contours nets, qu’ils définissaient par des lignes fines. Pour les surfaces un peu plus grandes, ils s’efforçaient de faire en sorte que les coups de pinceau ne soient pas reconnaissables et que l’application de la couleur apparaisse aussi régulière que possible.
- Des couleurs sourdes: La rationalité des tableaux et des motifs représentés devait être soutenue par un usage modéré de la couleur. Ainsi, les peintres du classicisme utilisaient principalement des tons froids et sourds. Les couleurs étaient considérées comme un moyen au service d’une fin et ne devaient pas détourner l’attention des personnages et des thèmes picturaux. Dans le même temps, les couleurs discrètes devaient contribuer à transmettre une impression de calme et d’harmonie. Les peintres restaient également retenus dans l’application de la couleur et évitaient par exemple les couches de peinture pâteuses.
- La beauté parfaite comme idéal: Une caractéristique typique du classicisme était que les peintres essayaient de créer dans leurs tableaux des mondes picturaux parfaits et d’apparence aussi naturelle que possible. Ils s’efforçaient d’obtenir une représentation réaliste des proportions, des détails des motifs et de la perspective. Afin de créer des mondes picturaux particulièrement harmonieux, ils s’éloignaient cependant aussi de la réalité et représentaient leurs motifs de manière idéalisante ou embellissante. La beauté et la perfection des œuvres remplissaient aussi un objectif très concret: les commanditaires espéraient un effet positif et moralisateur sur le public.
- Une composition picturale clairement structurée: L’aspiration à l’ordre et à l’objectivité se reflétait aussi dans les compositions picturales. Les scènes avaient une structure claire et étaient disposées de manière très lisible. Les peintres se limitaient en outre le plus souvent à quelques objets picturaux pertinents. Ils renonçaient aux accessoires ou ornements excessifs et non immédiatement nécessaires. Souvent, ils mettaient en scène leurs tableaux comme sur une scène de théâtre. Une disposition symétrique était également largement répandue. Ainsi, certaines œuvres de Karl Friedrich Schinkel (1781 – 1841) donnent par exemple l’impression d’être reflétées autour d’un axe central.
Le classicisme apporta aussi de nouveaux thèmes et motifs
Dans la peinture du classicisme, on retrouvait de nombreux genres traditionnels. Les portraits, les nus et les natures mortes étaient aussi populaires que les scènes de genre et la peinture d’histoire. Un peu plus rares, mais tout à fait encore représentées, étaient les représentations de paysages et d’architecture.
Un grand accent était mis sur les portraits de personnalités contemporaines et historiques importantes. De nombreuses peintres et de nombreux peintres se consacrèrent à des personnages influents et importants, par exemple Napoleon Bonaparte, Jeanne d’Arc, Kaiserin Joséphine, Friedrich dem Großen ou Giacomo Casanova. Des événements historiques importants furent également souvent repris, comme le "Serment du Jeu de paume", le "Couronnement de Napoleon I." ou "La mort de Julius Cäsar". Les personnages de la mythologie grecque et romaine, par exemple Œdipe, Jupiter, Venus, Amor ou Psyche, étaient des motifs tout aussi appréciés. Des scènes célèbres de récits mythologiques, telles que "L’enlèvement des Sabines" ou "Le jugement de Paris", furent également reprises. Parallèlement, les peintres continuaient à traiter des événements bibliques, par exemple "L’Annonciation", "L’entrée du Christ à Jérusalem", "L’adoration des mages" ou "Adam et Ève".
Les artistes se laissaient aussi inspirer par la littérature contemporaine, par exemple par les œuvres de Johann Wolfgang von Goethe et William Shakespeare. Les autoportraits étaient également très populaires parmi les peintres. Ainsi, entre autres, Francisco de Goya, Angelika Kauffmann, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Anton Raphael Mengs et Anton Graff se peignirent eux-mêmes – souvent plus d’une fois.
Indépendamment des motifs, il valait pour les œuvres d’art du classicisme qu’elles ne possédaient pas de fin en soi. Les tableaux et les sculptures ne devaient pas – comme on le connaît au plus tard depuis le XXe siècle – n’exister que pour eux-mêmes. Même si de nombreuses œuvres d’art du classicisme étaient généralement de grande qualité et d’une perfection magistrale, cela ne suffisait pas. L’art du classicisme devait plutôt remplir une mission éducative. Il devait non seulement réjouir le public, mais aussi en faire de meilleures personnes. Des thèmes tels que la raison, la morale, le patriotisme, la vertu et la discipline reçurent une forme visible à travers les tableaux et les sculptures. Cela pouvait se produire, par exemple, par la représentation glorificatrice d’une personne ou par une allégorie morale. De nombreux commanditaires – tels que des chefs d’État, des aristocrates ou des représentants de la bourgeoisie montante et aisée – instrumentalisèrent ainsi délibérément les œuvres d’art à leurs propres fins.
Les caractéristiques des sculptures dans le classicisme: les idéaux antiques comme modèles
Les artistes du classicisme laissèrent de nombreuses caractéristiques de la sculpture antique entrer dans leurs œuvres. Pour étudier les originaux, beaucoup d’entre eux se rendirent sur les sites de découverte en Italie ou visitèrent des musées où étaient exposées des sculptures antiques. Dans leurs œuvres, ils s’inspirèrent de manière décisive des sculptures de l’Antiquité, aussi bien dans le langage des formes que dans les matériaux. Ce n’est que dans la peinture qu’ils s’écartèrent de leurs modèles.
Le mode de représentation de l’Antiquité convenait aux sculpteurs classicistes
La vision classiciste du monde devait également se refléter dans les sculptures de cette époque. Les maximes suprêmes pour la conception des sculptures dans le classicisme étaient la beauté et la perfection. Elles devaient ainsi servir de symbole de morale et de vertu. C’est pourquoi les sculptrices et sculpteurs s’efforçaient d’obtenir une conception des formes aussi irréprochable et naturelle que possible. Ils aspiraient à une représentation anatomiquement correcte, avec des proportions réalistes et une grande fidélité aux détails. De temps à autre, ils s’écartaient cependant aussi consciemment des modèles réels et représentaient leurs motifs de manière idéalisée.
Les sculptures étaient réalisées en marbre, en bronze et en plâtre
Les sculpteurs du classicisme recouraient aussi à presque les mêmes matériaux que dans l’Antiquité. Le marbre blanc était fréquemment utilisé pour les sculptures. En raison de sa dureté et de sa résistance, il convenait également à de grandes œuvres sculpturales détaillées. Sa couleur de base blanche s’intégrait en outre au concept d’œuvres d’art pures, gracieuses et nobles, telles qu’on les attendait dans le classicisme. Mais les sculpteurs ne taillaient pas seulement leurs figures au marteau et au ciseau dans des blocs de marbre. Ils utilisaient aussi la fonte de bronze ou modelaient des plastiques en plâtre.
Les "sculptures blanches" de l’Antiquité sont une idée fausse largement répandue
Sur un point décisif, les sculptures du classicisme se distinguaient de leurs modèles grecs et romains: elles n’étaient pas peintes et conservaient la couleur naturelle de la pierre. Cela tenait au fait qu’au XVIIIe siècle – et encore longtemps après – on était parti du principe que les sculptures de l’Antiquité étaient elles aussi non peintes. Du moins était-ce l’image transmise au public.
Des examens plus précis de vestiges antiques avec des appareils de mesure modernes prouvent cependant aujourd’hui que les Grecs et les Romains de cette époque avaient bel et bien peint leurs sculptures avec des couleurs vives. Au fil des siècles, les couleurs s’étaient toutefois estompées ou écaillées.
Malgré ces connaissances, les sculptures de l’Antiquité sont encore aujourd’hui associées à des surfaces blanches. L’archéologue Johann Joachim Winckelmann en est en partie responsable. Lui aussi diffusa dans ses écrits l’image des plastiques blancs. On suppose aujourd’hui que Winckelmann le fit en dépit de ce qu’il savait. Il est transmis qu’il avait déjà, au XVIIIe siècle, parfaitement connaissance du fait que des restes de couleur avaient été trouvés sur les artefacts. Mais publiquement, il ne remit jamais en cause l’idée des sculptures blanches. Elle convenait trop bien aux idéaux de pureté et de clarté propagés dans le classicisme.
Représentantes et représentants importants du classicisme
À l’époque du classicisme naquirent de nombreuses œuvres importantes de l’histoire de l’art. Quelques-unes des représentantes et quelques-uns des représentants les plus importants du classicisme et leurs œuvres seront présentés ci-dessous.
Jacques-Louis David (1748 – 1825): Le Français compte parmi les plus importants peintres d’histoire du classicisme. Dans ses œuvres, il traita des événements actuels de son temps, comme le "Serment du Jeu de paume" pendant la Révolution française. Plus tard, il soutint Napoleon avec de nombreuses représentations héroïsantes de son règne. Outre les motifs tirés de l’actualité, David se consacra à la peinture de portrait ainsi qu’à la mythologie grecque. Parmi ses œuvres aujourd’hui les plus célèbres figurent "Bonaparte franchissant les Alpes au Grand-Saint-Bernard" et "La mort de Marat".
Angelika Kauffmann (1741 – 1807): La peintre née en Suisse faisait partie des rares femmes qui purent se faire un nom dans l’art du classicisme dominé par les hommes. Sa percée eut lieu en 1764 avec un portrait de l’archéologue Johann Joachim Winckelmann. Outre les portraits de contemporains célèbres, elle se consacra dans son œuvre à la peinture d’histoire ainsi qu’à des scènes de la mythologie; elle créa également de nombreux autoportraits.
Heinrich Wilhelm Tischbein (1751 – 1829): Le portrait de Tischbein "Goethe dans la Campagna" compte probablement parmi les motifs les plus connus de la peinture en Allemagne. L’œuvre légendaire valut également au peintre allemand le nom de "Goethe-Tischbein". Mais il créa en outre une œuvre encore bien plus vaste. Outre les portraits de ses contemporains, il se consacra à de nombreux autres genres, notamment les paysages, les représentations d’animaux et les natures mortes. Tischbein participa toutefois aussi à des écrits de théorie de l’art. Ainsi, il étudia avec le collectionneur d’art britannique William Hamilton l’importance des images de vases pour la peinture grecque.
Anton Graff (1736 – 1813): Le tableau de Graff "Friedrich der Große, roi de Prusse" de l’année 1781 est probablement encore accroché aujourd’hui dans d’innombrables salons allemands. Le peintre suisse s’était surtout fait un nom comme portraitiste. Son grand talent consistait à saisir authentiquement le caractère des personnes représentées. De nombreuses personnalités importantes du classicisme se firent peindre par Graff. Il représenta des aristocrates, des hommes d’État et des généraux, tout autant que des scientifiques, des écrivains et des acteurs.
Antonio Canova (1757 – 1822): L’Italien Antonio Canova comptait parmi les pionniers de la sculpture classiciste. Son œuvre comprenait des statues, des monuments funéraires, des fresques et des bustes-portraits. Il travailla pour des monarques et des princes dans toute l’Europe et accepta des commandes prestigieuses telles que les monuments funéraires des papes Clemens XIII. et Clemens XIV. Dans ses travaux, il se consacra en outre à des scènes et figures de la mythologie grecque. Il fit également le portrait de nombreuses personnes de l’histoire contemporaine, par exemple Napoleon Bonaparte ou le poète italien Vittorio Alfier. Parmi ses sculptures les plus connues figurent "Amor et Psyche" et "Pauline Bonaparte".
Johann Gottfried Schadow (1764 – 1850): Les Allemands doivent à Johann Gottfried Schadow l’un des symboles les plus importants de la république – le Quadrige sur la porte de Brandebourg à Berlin. Schadow compte aujourd’hui parmi les représentants allemands les plus connus du classicisme et est considéré comme le fondateur de l’école de sculpture berlinoise. Outre le Quadrige, il créa de nombreuses autres sculptures importantes, comme le "Groupe des princesses" (1797) et les monuments dédiés à Friedrich II. et Martin Luther. Il créa en outre des bustes d’autres personnalités importantes de l’histoire contemporaine, telles que Nikolaus Kopernikus, Immanuel Kant ou Johann Wolfgang von Goethe.
Christian Daniel Rauch (1777 – 1857): Christian Daniel Rauch faisait partie des élèves de Johann Gottfried Schadow et marqua, comme son maître, de manière déterminante l’art du classicisme. Rauch créa de nombreuses statues monumentales et des monuments de personnalités importantes de son temps. Beaucoup d’entre eux sont encore visibles aujourd’hui dans l’espace public, par exemple le monument au König Maximilian I. Joseph von Bayern à Munich, le monument à Friedrich den Großen à Berlin ou la statue d’Albrecht Dürer à Nuremberg.
Bertel Thorvaldsen (1770 – 1844): Bertel Thorvaldsen fut un représentant important du classicisme originaire du Danemark. Il passa de nombreuses années de sa vie en Italie, où il put étudier les sculptures de l’Antiquité. Thorvaldsen reçut de nombreuses commandes de l’État et de l’Église dans toute l’Europe. Il créa entre autres le tombeau du pape Pius VII. au Vatican. Ses œuvres sont encore visibles aujourd’hui dans de nombreuses villes d’Europe, sur des places publiques, par exemple le monument Maximilian à Munich ou le monument Kopernikus à Varsovie.
Le style du classicisme est encore populaire aujourd’hui
Les artistes du classicisme aspiraient avec leur langage formel à une certaine intemporalité de leurs œuvres. La mesure dans laquelle ils y parvinrent se reconnaît à la grande popularité que les œuvres de cette époque conservent encore aujourd’hui. Des caractéristiques du classicisme telles qu’un design clair et structuré, une beauté parfaite et une expression discrète rendent les œuvres encore appréciées aujourd’hui. C’est pourquoi les œuvres du classicisme restent de grands aimants à public dans de nombreuses villes européennes, et de nombreux musées renommés disposent de départements propres consacrés à cette époque.
Mais le style du classicisme peut aussi facilement être introduit dans ses propres quatre murs. Des répliques de grande qualité de tableaux et de sculptures de cette époque font revivre l’esprit et l’esthétique du classicisme. Une reproduction de tableau dans l’appartement ou encore une statue plus grande dans le jardin attire toujours le regard et rayonne de l’élégance de cette époque.
