Clasicismo: Regreso a los ideales de la Antigüedad
El clasicismo representa uno de los puntos de inflexión más importantes de la historia del arte y la cultura europeas. Entre 1770 y 1840, la mayoría de los géneros artísticos cambiaron en forma y contenido. Esto no solo afectó a las artes visuales con la pintura, la escultura y la arquitectura, sino también a otras artes como el teatro, la literatura y la música, así como al diseño, la moda y el interiorismo.
El nuevo estilo estaba integrado en un proceso de transformación de toda la sociedad que también abarcó las estructuras tradicionales de poder. Aunque la fase de mayor esplendor del clasicismo duró solo algo más de medio siglo, trajo a las artes visuales cambios duraderos que en parte siguen teniendo efecto hasta hoy. Además, el clasicismo no fue solo un fenómeno regional, sino que pudo extenderse, como uno de los pocos estilos, por toda Europa hasta Norteamérica.
En esencia, el clasicismo en las artes visuales se apoyaba en tres pilares fundamentales:
- El estilo del clasicismo estuvo decisivamente inspirado por las obras de arte de la Antigüedad griega y romana.
- La máxima suprema para el diseño de esculturas, pinturas y arquitectura era una belleza discreta. La estética estaba marcada por la claridad en la forma, la armonía, las proporciones naturales y la elegancia sencilla. Con ello, el clasicismo se distanciaba de estilos pomposos y cargados de sentimiento como el barroco y el rococó.
- En el clasicismo también se articuló en el arte el espíritu de la Ilustración. La forma y el contenido de las obras se orientaban hacia valores como la razón, el pensamiento racional y la moral.
A continuación se examinarán con más detalle las características propias del clasicismo. Entre otras cosas, se explicarán con mayor detalle las circunstancias de su surgimiento, las características típicas de las pinturas y esculturas, así como importantes representantes del clasicismo y sus obras. El foco estará en la pintura y la escultura. Para concluir, se echará también un vistazo a la importancia del arte clasicista en el presente.
¿Cómo surgió el clasicismo?
Diversas circunstancias e influencias hicieron que el clasicismo pudiera desarrollarse a partir de mediados del siglo XVIII como un nuevo estilo de las artes visuales. Varios factores lo posibilitaron o contribuyeron a ello: los cambios en la política y la sociedad, el impulso hacia una reorientación estilística, así como un creciente interés por el arte de la Antigüedad.
Europa en tiempos de cambio político y social
A partir de mediados del siglo XVIII, muchos países de Europa se encontraban en una fase de transformación política y social. Varios acontecimientos importantes determinaron lo ocurrido:
- En Francia, la Revolución francesa había conducido desde 1789 a un cambio profundo dentro del Estado y la sociedad. En este proceso, la nobleza y el clero perdieron poder y la burguesía ganó importancia.
- La Revolución industrial, que comenzó aproximadamente en 1760, cambió en Europa las condiciones económicas y sociales.
- Las Guerras de Coalición de 1792 a 1815 tuvieron como consecuencia el desplazamiento de fronteras territoriales y el cambio de relaciones de poder.
- Toda Europa estaba bajo el signo de la Ilustración. La ciencia y el pensamiento racional determinaban la acción social y política.
Sobre todo las tendencias hacia la democratización y la racionalización favorecieron la formación del clasicismo:
- En muchos países, las jerarquías y relaciones de poder tradicionales empezaron a tambalearse. Esto afectó especialmente a las estructuras de las monarquías absolutistas, así como a la influencia de las iglesias. Con ello desaparecieron también poco a poco los elementos estilísticos pomposos y recargados del barroco y el rococó preferidos por la nobleza y el clero. El arte clasicista se entendía como un contraproyecto radical frente a las épocas anteriores.
- En las artes visuales se reflejó la filosofía de la Ilustración. Como en muchos otros ámbitos de la vida, la lógica y la razón entraron ahora también en la pintura, la escultura y la arquitectura. Tanto la elección de los temas pictóricos como las ejecuciones artísticas seguían principios racionales. Las obras ya no debían apelar a los sentidos y las emociones, sino al espíritu. Más que antes, los artistas tomaron ahora la naturaleza como modelo y aspiraron a representaciones realistas.
- En los tiempos convulsos del paso del siglo XVIII al XIX, la pintura y la escultura debían proporcionar orientación. Muchas autoridades fueron puestas en cuestión, lo que a su vez generó inseguridad y desorientación. En esta época de grandes transformaciones, al menos el arte debía ser un lugar de orden, pureza, moral y disciplina.
El clasicismo fue un movimiento contrario al barroco
Tanto entre los artistas como entre los comitentes, todo apuntaba a un cambio fundamental de estilo. Las formas de diseño artístico del barroco y el rococó ya no encajaban con el estado de ánimo general de la sociedad. La racionalización, la secularización y la democratización debían reflejarse ahora también en un estilo artístico transformado. Por eso los elementos estilísticos del arte clasicista se distanciaron conscientemente de la estética suntuosa y bombástica de las épocas anteriores. Ahora servían de modelos obras de la Antigüedad, que en su modo de representación se orientaban fuertemente hacia la realidad. También en el clasicismo se volvió a reflexionar sobre la belleza y la sencillez de la naturaleza. El estilo estaba ahora marcado por estructuras reducidas y claras y formas de diseño moderadas sin extravagancias.
El clasicismo encontró sus modelos estilísticos en la arqueología
Un impulso esencial para el desarrollo del clasicismo no procedió del arte mismo, sino de una ciencia – la arqueología. Desde comienzos del siglo XVIII, el interés de los arqueólogos se concentró en la zona alrededor del Vesubio en Italia. Grandes partes de la región habían quedado cubiertas, tras su erupción en el año 79 d. C., por una gruesa capa de lava y ceniza. Las excavaciones en Herculaneum en 1738 y en Pompeya en 1748 sacaron a la luz artefactos sensacionales. Esculturas, frescos y mosaicos en el mejor estado de conservación pudieron presentarse al público.
Los resultados de las excavaciones provocaron una ola de entusiasmo por el arte antiguo en muchos países europeos. Como consecuencia, también artistas y artesanas y artesanos descubrieron para sí los elementos estilísticos de objetos de arte, construcciones y objetos de uso cotidiano griegos y romanos. El modo de diseño sencillo de la Antigüedad, orientado hacia la naturaleza, se convertiría en formador de estilo para el clasicismo.
Johann Joachim Winckelmann es considerado el "padre espiritual" del clasicismo
En la información sobre la investigación de los yacimientos antiguos en el siglo XVIII, el arqueólogo, anticuario y bibliotecario alemán Johann Joachim Winckelmann (1717 – 1768) desempeñó un papel importante. Con sus escritos marcó decisivamente la imagen de la Antigüedad en el espacio de habla alemana y contribuyó de manera fundamental al desarrollo del arte clasicista.
En 1755 Winckelmann redactó su primer gran escrito, "Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura". Ya aquí destacó la importancia del arte antiguo también para las obras contemporáneas. De este trabajo procede también la frase muy citada con la que Winckelmann formuló ya un importante principio rector para las artes visuales del clasicismo:
"La única manera para que lleguemos a ser grandes o, si esto es posible, inimitables, es imitar a los antiguo."
Todavía durante su estancia en Alemania, Winckelmann recibió el encargo de informar a la corte sajona sobre los descubrimientos en la región alrededor del Vesubio. Viajó varias veces a Italia y procesó sus impresiones en numerosos escritos científicos. Con sus trabajos, Winckelmann contribuyó de manera decisiva al redescubrimiento de la Antigüedad.
Defendía la tesis de que la clave de la formación y la ética era la ocupación intensa con la Antigüedad. En particular en las obras de arte griegas veía realizado lo que, a su juicio, era fundamentalmente la tarea del arte: la representación de la belleza. Pocos años después, muchas artistas y muchos artistas visuales del clasicismo recurrirían a las ideas estilísticas rectoras de Winckelmann. Pero con sus escritos formulados de manera atractiva también pudo despertar interés y entusiasmo por la Antigüedad en amplios sectores de la población.
¿Cuáles son las características más importantes de la pintura del clasicismo?
El estilo pictórico del clasicismo debía reflejar la objetividad, el orden y la dignidad que determinaban toda la época. Para lograrlo, las artistas y los artistas se sirvieron de un modo de representación claro y reducido sin ornamentación exuberante.
Las características típicas del clasicismo eran:
- Una guía clara de las líneas: La pintura del clasicismo aspiraba a una representación objetiva y rica en detalles de los motivos. Para ello, los artistas trabajaban predominantemente con contornos claros, que definían con líneas finas. En superficies algo más grandes se esforzaban por que las pinceladas no fueran reconocibles y la aplicación del color pareciera lo más uniforme posible.
- Colores apagados: La racionalidad de las pinturas y de los motivos mostrados debía verse apoyada por un uso moderado del color. Así, las pintoras y los pintores del clasicismo utilizaban predominantemente tonos fríos y apagados. Los colores se consideraban un medio para un fin y no debían distraer de los personajes y los temas pictóricos. Al mismo tiempo, los colores discretos debían contribuir a transmitir una impresión de calma y armonía. También en la aplicación del color, los pintores se contenían y evitaban, por ejemplo, capas de pintura pastosas.
- La belleza perfecta como ideal: Una característica típica del clasicismo era que las pintoras y los pintores intentaban crear en sus pinturas mundos pictóricos perfectos y de apariencia lo más natural posible. Se esforzaban por un modo de representación realista de proporciones, detalles de los motivos y perspectiva. Pero para crear mundos pictóricos especialmente armoniosos también se apartaban sin duda de la realidad y representaban sus motivos de manera idealizadora o embellecedora. La belleza y la perfección de las obras cumplían además un propósito muy concreto: los comitentes esperaban un efecto positivo y moralizador sobre el público.
- Una composición pictórica claramente estructurada: La aspiración al orden y la objetividad se reflejaba también en las composiciones pictóricas. Las escenas de las imágenes presentaban una estructura clara y estaban organizadas de manera muy comprensible. Las pintoras y los pintores se limitaban además por lo general a unos pocos objetos pictóricos relevantes. Prescindían de accesorios escénicos u ornamentos excesivos y no inmediatamente necesarios. En muchos casos escenificaban sus escenas pictóricas como sobre un escenario de teatro. También estaba muy extendida una disposición simétrica. Así, por ejemplo, algunas obras de Karl Friedrich Schinkel (1781 – 1841) parecen estar reflejadas en torno a un eje central.
El clasicismo también trajo nuevos temas y motivos
En la pintura del clasicismo aparecían muchos géneros tradicionales. Retratos, desnudos y naturalezas muertas eran tan populares como escenas de género y pintura histórica. Algo más raras, pero todavía representadas, eran representaciones de paisajes y arquitectura.
Un gran foco estaba en retratos de importantes personalidades contemporáneas e históricas. Muchos pintores se dedicaban a personajes influyentes y significativos, por ejemplo Napoleon Bonaparte, Jeanne d’Arc, Kaiserin Joséphine, Federico el Grande o Giacomo Casanova. También se retomaban con frecuencia acontecimientos históricos importantes, como el "Juramento del Juego de Pelota", la "Coronación de Napoleon I." o "La muerte de Julius Cäsar". Igualmente populares eran personajes de la mitología griega y romana, por ejemplo Edipo, Júpiter, Venus, Cupido o Psique. También se retomaban escenas famosas de relatos mitológicos como "El rapto de las sabinas" o "El juicio de Paris". Paralelamente, las pintoras y los pintores siguieron tematizando acontecimientos bíblicos, por ejemplo "La Anunciación", "La entrada de Cristo en Jerusalén", "La adoración de los Reyes" o "Adán y Eva".
Los artistas también se dejaban inspirar por la literatura contemporánea, como por las obras de Johann Wolfgang von Goethe y William Shakespeare. También los autorretratos eran muy populares entre las pintoras y los pintores. Así se pintaron a sí mismos, entre otros, Francisco de Goya, Angelika Kauffmann, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Anton Raphael Mengs y Anton Graff – a menudo más de una sola vez.
Independientemente de los motivos, para las obras de arte del clasicismo regía que no poseían un fin en sí mismas. Las pinturas y esculturas no podían – como se conoce al menos desde el siglo XX – sostenerse solo por sí mismas. Aunque muchas obras de arte del clasicismo eran por lo general de alta calidad y de perfección magistral, esto no bastaba. Más bien, el arte en el clasicismo debía cumplir una misión educativa. No solo debía alegrar al público, sino también convertirlo en mejores personas. Temas como razón, moral, patriotismo, virtud y disciplina adquirían una forma visible mediante pinturas y esculturas. Esto podía suceder, por ejemplo, mediante la representación glorificadora de una persona o una alegoría moral. Muchos comitentes – por ejemplo jefes de Estado, aristócratas o representantes de la burguesía ascendente y acomodada – instrumentalizaban de este modo las obras de arte de manera específica para sus fines.
Las características de las esculturas en el clasicismo: ideales antiguos como modelos
Los artistas del clasicismo incorporaron muchas características de la escultura antigua a sus obras. Para estudiar los originales, muchos de ellos viajaron a los lugares de hallazgo en Italia o visitaron museos en los que se exponían esculturas antiguas. En sus obras se inspiraron decisivamente, tanto en el lenguaje formal como en los materiales, en las esculturas de la Antigüedad. Solo en la pintura de las esculturas se apartaron de sus modelos.
El modo de representación de la Antigüedad favorecía a los escultores clasicistas
La visión clasicista del mundo también debía reflejarse en las esculturas de esta época. Las máximas supremas para el diseño de esculturas en el clasicismo eran la belleza y la perfección. Con ello debían servir como símbolo de moral y virtud. Por eso las escultoras y los escultores se esforzaban por una configuración de las formas lo más impecable y natural posible. Aspiraban a una representación anatómicamente correcta con proporciones realistas y gran fidelidad al detalle. De vez en cuando, sin embargo, también se apartaban conscientemente de los modelos reales y representaban sus motivos de forma idealizada.
Las esculturas se realizaban en mármol, bronce y yeso
Los escultores del clasicismo recurrieron también a casi los mismos materiales que en la Antigüedad. A menudo se utilizaba mármol blanco para las esculturas. Debido a su dureza y resistencia, también era adecuado para grandes trabajos escultóricos y detallados. Su color base blanco encajaba además en el concepto de obras de arte puras, gráciles y nobles, como se esperaban en el clasicismo. Pero los escultores no tallaban sus figuras solo con martillo y cincel a partir de bloques de mármol. También utilizaban la fundición en bronce o modelaban esculturas de yeso.
Las "esculturas blancas" de la Antigüedad son una creencia errónea muy extendida
En un punto decisivo, las esculturas del clasicismo se diferenciaban de sus modelos griegos y romanos: no estaban pintadas y conservaban el color natural de la piedra. Esto se debía a que en el siglo XVIII – y también durante mucho tiempo después – se había supuesto que también las esculturas de la Antigüedad no estaban pintadas. Al menos esta era la imagen que se transmitía al público.
Investigaciones más precisas de hallazgos antiguos con instrumentos de medición modernos demuestran hoy, sin embargo, que los griegos y romanos de aquella época sí habían pintado sus esculturas también con colores vivos. Pero a lo largo de los siglos los colores se habían desvanecido o desprendido.
A pesar de este conocimiento, hasta hoy las esculturas de la Antigüedad se asocian con superficies blancas. Corresponsable de ello fue el arqueólogo Johann Joachim Winckelmann. También él difundió en sus escritos la imagen de las esculturas blancas. Hoy se supone que Winckelmann hizo esto contra su mejor conocimiento. Está documentado que ya en el siglo XVIII sí tenía conocimiento de que se habían encontrado restos de color en los artefactos. Pero públicamente nunca puso en duda la idea de las esculturas blancas. Encajaba demasiado bien con los ideales de pureza y claridad que se propagaban en el clasicismo.
Representantes importantes del clasicismo
En la época del clasicismo surgieron numerosas obras significativas de la historia del arte. A continuación se presentarán algunas de las representantes y algunos de los representantes más importantes del clasicismo y sus obras.
Jacques-Louis David (1748 – 1825): El francés pertenece a los pintores históricos más importantes del clasicismo. En sus obras tematizó acontecimientos actuales de su tiempo, como el "Juramento del Juego de Pelota" de la Revolución francesa. Más tarde apoyó a Napoleon con numerosas representaciones heroizantes de su regencia. Además de motivos de la actualidad, David se dedicó a la pintura de retrato y a la mitología griega. Entre sus obras hoy más famosas se cuentan "Bonaparte cruzando los Alpes por el Gran San Bernardo" y "La muerte de Marat".
Angelika Kauffmann (1741 – 1807): La pintora nacida en Suiza perteneció a las pocas mujeres que pudieron hacerse un nombre en el arte del clasicismo dominado por hombres. Logró el éxito en 1764 con un retrato del arqueólogo Johann Joachim Winckelmann. Además de los retratos de contemporáneos famosos, en su obra se dedicó a la pintura histórica y a escenas de la mitología; además creó numerosos autorretratos.
Heinrich Wilhelm Tischbein (1751 – 1829): El retrato de Tischbein "Goethe en la Campagna" probablemente pertenece a los motivos más conocidos de la pintura en Alemania. La obra legendaria también le valió al pintor alemán el nombre de "Goethe-Tischbein". Pero además creó una obra aún mucho más amplia. Además de retratos de sus contemporáneos, se dedicó a muchos otros géneros, entre otros paisajes, representaciones de animales y naturalezas muertas. Tischbein también participó en escritos teóricos sobre arte. Así, junto con el coleccionista de arte británico William Hamilton, investigó la importancia de las imágenes de vasos para la pintura griega.
Anton Graff (1736 – 1813): La pintura de Graff "Federico el Grande, rey de Prusia" del año 1781 probablemente aún cuelga hoy en innumerables salones alemanes. El pintor suizo se había hecho un nombre sobre todo como retratista. Su gran talento consistía en captar de forma auténtica el carácter de las personas retratadas. Muchas personalidades importantes del clasicismo se hicieron pintar por Graff. Retrató a aristócratas, hombres de Estado y generales, así como a científicos, escritores y actores.
Antonio Canova (1757 – 1822): El italiano Antonio Canova se contó entre los precursores de la escultura clasicista. Su obra incluía estatuas, monumentos funerarios, frescos y bustos de retrato. Trabajó para monarcas y príncipes de toda Europa y asumió encargos prestigiosos como los monumentos funerarios de los papas Clemente XIII y Clemente XIV. En sus trabajos se dedicó además a escenas y figuras de la mitología griega. Asimismo retrató a numerosas personas de la historia contemporánea, por ejemplo Napoleon Bonaparte o el poeta italiano Vittorio Alfier. Entre sus esculturas más conocidas se encuentran "Cupido y Psique" y "Pauline Bonaparte".
Johann Gottfried Schadow (1764 – 1850): Los alemanes deben a Johann Gottfried Schadow uno de los emblemas más importantes de la república – la Cuadriga de la Puerta de Brandeburgo en Berlín. Schadow se cuenta hoy entre los representantes alemanes más conocidos del clasicismo y es considerado el fundador de la Escuela de Escultura de Berlín. Además de la Cuadriga, creó numerosas esculturas importantes como el "Grupo de princesas" (1797) y los monumentos a Friedrich II. y Martin Luther. Además creó bustos de otras personas importantes de la historia contemporánea como Nikolaus Kopernikus, Immanuel Kant o Johann Wolfgang von Goethe.
Christian Daniel Rauch (1777 – 1857): Christian Daniel Rauch perteneció a los alumnos de Johann Gottfried Schadow y, como su maestro, marcó decisivamente el arte del clasicismo. Rauch creó numerosas estatuas y monumentos monumentales de personas importantes de su tiempo. Muchos de ellos pueden verse todavía hoy en el espacio público, por ejemplo el monumento al rey Maximilian I. Joseph von Bayern en Múnich, el monumento a Federico el Grande en Berlín o la estatua de Albrecht Dürer en Núremberg.
Bertel Thorvaldsen (1770 – 1844): Bertel Thorvaldsen fue un importante representante del clasicismo procedente de Dinamarca. Pasó muchos años de su vida en Italia, donde pudo estudiar las esculturas de la Antigüedad. Thorvaldsen recibió numerosos encargos del Estado y de la Iglesia en toda Europa. Entre otras cosas, creó el sepulcro para el papa Pío VII en el Vaticano. Sus obras todavía hoy pueden verse en numerosas ciudades de Europa en plazas públicas, por ejemplo el Monumento a Maximilian en Múnich o el Monumento a Kopernikus en Varsovia.
El estilo del clasicismo sigue siendo popular hoy
Las artistas y los artistas del clasicismo aspiraban con su lenguaje formal a una cierta atemporalidad de sus obras. Lo bien que lo lograron se reconoce en la gran popularidad que las obras de esta época siguen teniendo hoy. Características del clasicismo como un diseño claro y estructurado, una belleza perfecta y una expresión discreta hacen que las obras sigan siendo apreciadas también hoy. Por ello, las obras del clasicismo siguen siendo grandes imanes de público en muchas ciudades europeas y muchos museos de renombre cuentan con departamentos propios dedicados a esta época.
Pero el estilo del clasicismo también puede llevarse fácilmente al propio hogar. Réplicas de alta calidad de pinturas y esculturas de esta época hacen revivir el espíritu y la estética del clasicismo. Una reproducción de una pintura en la vivienda o también una estatua de mayor tamaño en el jardín son siempre un punto de atracción y irradian la elegancia de esta época.
