Cinco famosos impresionistas franceses

En la historia del arte, el impresionismo pertenece a las épocas con las mayores innovaciones. En el fondo, los impresionistas habían intentado algo imposible: ya no entendían sus cuadros como un espejo de la realidad, sino que querían transmitir una atmósfera. Un enfoque revolucionario para la época, que iba a transformar la pintura de forma duradera.

El impresionismo tuvo su origen en París aproximadamente a mediados del siglo XIX. Una joven generación de artistas ya no se veía reflejada en la pintura tal como se enseñaba en las academias y como esperaban los museos y las galerías. Sobre todo, se mostraban muy escépticos ante el realismo. Ya no querían reproducir los motivos de forma supuestamente "correcta" u objetiva, sino llevar al lienzo su percepción subjetiva del mundo. Para ello centraron la atención en las condiciones de luz y la atmósfera, y en cómo estas podían reproducirse con medios pictóricos.

Entre estos jóvenes artistas se encontraban impresionistas hoy tan famosos como

• Claude Monet,
• Pierre-Auguste Renoir,
• Edgar Degas,
• Camille Pissarro y
• Édouard Manet.

Sin embargo, los vanguardistas encontraron el rechazo de la mayoría de los críticos de arte. Sus obras fueron calificadas, entre otras cosas, de "descuidadas", "inacabadas" o como el trabajo de "locos". También fueron excluidos sistemáticamente de las exposiciones artísticas establecidas. Pero los impresionistas no se dejaron apartar de sus objetivos. A partir de 1873 se organizaron en la "Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs etc." y organizaron sus propias exposiciones.

Édouard Manet – el individualista entre los impresionistas franceses

El impresionismo francés le debe mucho – al mismo tiempo, él se distanció de él: Édouard Manet (1832–1883) siguió siendo un solitario artístico durante toda su carrera, pero pudo convertirse en uno de los pintores más importantes del siglo XIX.

Modelo para una nueva generación de artistas

Su forma progresista de pintar despertó poco interés en el establishment artístico. En cambio, los jóvenes creadores artísticos de vanguardia lo celebraron como un gran modelo. Manet mantuvo contactos con muchos artistas que hoy son conocidos como famosos impresionistas, por ejemplo:

• Paul Cézanne,
• Claude Monet,
• Camille Pissarro,
• Edgar Degas
• Pierre-Auguste Renoir

Influyó en muchos de estos pintores, pero también encontró inspiración en este círculo de artistas.

Su obra temprana aún estaba claramente influida por el realismo, pero poco a poco rompió con el estrecho corsé de la pintura tradicional. Pasó por alto muchas convenciones académicas y desarrolló su idea completamente individual de cómo debía configurar sus cuadros.

Las técnicas pictóricas y formas de ver de Manet

En varias ocasiones estuvo muy adelantado a su tiempo. Así, ya en la década de 1860 pintaba con pinceladas cortas y claramente reconocibles. Gracias a esta forma de pintar, los objetos representados mostraban menos detalles y perdían su carácter realista.

También reinterpretó la perspectiva. Así, otorgó a los objetos representados poca profundidad espacial, lo que conducía a una impresión de imagen muy plana y directa. Además, no siempre respetaba las proporciones naturales de tamaño de los objetos entre sí.

Los cuadros de Manet llamaban además la atención de sus contemporáneos porque a menudo parecían muy sombríos. Muy en contra de la tendencia de su tiempo, se servía de una paleta de colores muy apagada y concedía un espacio inusualmente amplio a los tonos negros y grises.

Variedad de motivos – A menudo también provocadora

El repertorio de sus motivos abarcaba prácticamente todos los temas pictóricos:

• retratos de celebridades, familia y amigos,
• escenas de género en la caza, en la playa, en el jardín o durante el baile,
• desnudos femeninos,
• paisajes,
• marinas y
• bodegones de flores, un limón o un manojo de espárragos.

Interpretó muchos de los géneros tradicionales de forma muy progresista y con ello provocó algún que otro escándalo:

• En "El almuerzo sobre la hierba" mostró a una mujer desnuda, muy segura de sí misma, en compañía de dos caballeros vestidos.
• También la representación de Manet de "Olympia" desató controversias. Los críticos escribieron que, por su piel clara, parecía un cadáver y que el cuadro carecía de toda comprensión de la pintura.

Hoy, en cambio, estas obras, así como muchos otros cuadros de Manet, se consideran hitos del arte del siglo XIX y precursoras de la modernidad. Muchos de sus impulsos fueron incorporados por los impresionistas franceses a su propio trabajo en los años siguientes.

Claude Monet – Paisajista francés y figura emblemática del impresionismo

Claude Monet – este nombre representa casi de forma simbólica la pintura del impresionismo francés. Muchos de sus cuadros se convirtieron en iconos de esta época, por ejemplo los cuadros de nenúfares, las escenas de su jardín en Giverny y, por supuesto, "Impresión, sol naciente", probablemente su obra más famosa.

Atmósfera en lugar de reproducción

Monet (1840–1926) tenía poco aprecio por el estilo pictórico académico, que a mediados del siglo XIX aún estaba fuertemente comprometido con el realismo. Pero una pura reproducción del mundo en sus cuadros le parecía insuficiente a Monet. Definió el objetivo de su pintura con las palabras:

"La tarea del artista consiste en representar aquello que se encuentra entre el objeto y el artista, es decir, la belleza de la atmósfera."

En consecuencia, concibió una forma innovadora de composición pictórica. Para ello incorporó diversos impulsos de artistas amigos como Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley o Camille Pissarro, pero también de pintores ingleses como John Constable y William Turner.

Monet elaboró varios recursos estilísticos que hoy se consideran típicos del impresionismo:

• Para capturar en el cuadro la atmósfera de un momento, se concentró en la luz de la escena y sus efectos sobre los colores, las sombras, los contrastes y los contornos.
• Pintaba solo aquello que percibía en la situación inmediata. Si esa impresión coincidía con la realidad era secundario.
• Reducía los detalles de los objetos representados y dejaba que sus contornos se volvieran borrosos.
• Aplicaba los óleos sobre el lienzo con pinceladas cortas e imitaba así diversos efectos de luz.

Creó series de este tipo, entre otras, de la catedral de Roue, de almiares en el campo o de su jardín en Giverny. Apenas puede plasmarse de forma más impresionante en cuadros cómo el carácter de un paisaje puede cambiar con una luz cambiante.

Cuadros de fama mundial

El Œuvre de Monet contiene numerosas obras hoy mundialmente famosas. No obstante, pueden mencionarse algunos cuadros que destacan dentro de su obra completa.

En primer lugar, seguramente debe mencionarse "Impression, Soleil levant" (Impresión, sol naciente) del año 1872. El cuadro muestra el puerto de Le Havre en Francia en la niebla matinal. Monet subordinó aquí todo a la atmósfera de la escena. Casi todo el puerto está bañado en colores pastel entre el gris y el azul, el sol brilla en el cielo como un simple punto naranja y de los barcos y las instalaciones portuarias solo se reconocen las siluetas. Monet unió aquí a la perfección todos los principios de diseño del impresionismo francés.

Pero los puntos culminantes indiscutibles de la creación artística de Monet son los cuadros de nenúfares. A partir de aproximadamente 1890 había pintado numerosos cuadros del estanque de su jardín en Giverny. Los nenúfares en sus distintos colores, los reflejos sobre la superficie del agua y el juego de la luz lo inspiraron a crear obras siempre nuevas.

Camille Pissarro – Figura clave del impresionismo francés

Puede que su nombre no sea tan conocido como el de sus colegas Monet, Manet o Renoir. Sin embargo, el pintor francés Camille Pissarro (1830–1903) contribuyó de forma significativa al desarrollo del impresionismo francés.

Experimentó mucho con colores, motivos y aplicación del color, y buscó constantemente nuevas formas de expresión pictórica. Para ello también estuvo en intercambio constante con muchos otros pintores progresistas de su tiempo.

La ruptura de Pissarro con la tradición

Pissarro ya había mostrado a comienzos de sus veinte años un gran interés por los creadores artísticos innovadores de su tiempo. En lugar de continuar una formación en la École de Beaux-Arts, donde se enseñaba una pintura muy tradicional, recibió, entre otras cosas, clases de Camille Corot.

Este ya se había apartado claramente del estilo académico conservador a mediados del siglo XIX y ahora exploraba nuevos caminos en la luz y la elección del color. A través de Corot, Pissarro también entró en contacto con la "escuela de Barbizon", que hoy se considera la "cuna del impresionismo".

En la escuela libre de pintura "Académie Suisse", Pissarro conoció finalmente a Claude Monet y Paul Cézanne. Durante los años siguientes construyó una gran red de artistas vanguardistas. A ella pertenecían, además de Monet y Cézanne, también Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas y Paul Gauguin. En este círculo surgió también la idea de organizar exposiciones propias como protesta contra la política artística y expositiva conservadora.

¿Qué plasmaba Pissarro en el lienzo?

Pissarro varió una y otra vez su estilo pictórico en las distintas fases de su carrera. Empezó a pintar en una época en la que se demandaba sobre todo una representación realista del mundo. Pero se apartó rápidamente de ello y se concentró en cómo podían reproducirse la atmósfera del momento, la luz y las impresiones subjetivas. Para ello reducía los detalles y trabajaba con pinceladas más anchas y cortas. Disolvía cada vez más los contornos claros de los objetos representados para otorgar a sus cuadros más ligereza. Además, esto le permitía dar más espacio a los colores.

Como muchos otros impresionistas franceses, Camille Pissarro se dedicó predominantemente a la pintura paisajística. A ella pertenecían motivos como

• campos,
• prados,
• bosques,
• jardines,
• paisajes culturales y
• escenas callejeras.

Al hacerlo, consiguió llevar al lienzo una visión muy personal de su entorno. Aunque el paisaje siempre estaba en primer plano, con frecuencia también incluía a las personas en sus motivos. Así pintó, por ejemplo:

• campesinos en el campo – "La cosecha", 1882
• habitantes de la ciudad en calles animadas – "Pont-Neuf", 1902
• sutiles indicios de la existencia humana – "La fábrica de Pontoise", 1873

A primera vista, los cuadros de Pissarro parecen a menudo puras vistas de paisajes, pero en realidad se trata de pequeños estudios de la vida cotidiana en el campo y en la ciudad.

Al igual que Monet, Pissarro pintó algunos motivos varias veces – pero en cada caso a otras horas del día y con otras condiciones meteorológicas. Entre las obras más famosas de estas series se encuentran vistas desde la ventana de un hotel al "Boulevard Montmartre". La luz, las personas y los vehículos, así como las casas, se encuentran en una armonía perfecta – de la primavera al invierno, de día y de noche.

Pierre-Auguste Renoir – la innovación se encuentra con la tradición

Pierre-August Renoir (1841–1919) perteneció a los impresionistas de primera hora y, por tanto, a los vanguardistas de su tiempo. A diferencia de muchos de sus colegas pintores, no se despidió por completo de las formas de pintar de épocas anteriores. Más bien pudo unir tradición y modernidad, y dejó fluir en su pintura, entre otros, impulsos del barroco/rococó y del renacimiento, así como de esculturas antiguas. Su estilo personal iba a convertirlo en uno de los impresionistas franceses más importantes.

El camino artístico de Renoir

Pierre-Auguste Renoir ya había desarrollado muy pronto un interés por las artes plásticas. Visitaba con frecuencia el Louvre y estudiaba tanto las obras de los antiguos maestros y de la Antigüedad como las de las pintores contemporáneos.

Ya con 13 años comenzó un aprendizaje como pintor de porcelana, después estudió pintura en la École des Beaux-Arts de París. Paralelamente asistía al taller del pintor suizo Charles Gleyre, en el que también pintaban, entre otros, Claude Monet y Alfred Sisley.

Bajo la influencia de sus jóvenes colegas pintores, Renoir se distanció cada vez más de la pintura tradicional de las academias, comprometida con el realismo. Al igual que sus colegas, se concentró en la reproducción de la luz y de la atmósfera del instante.

Pudo seguir desarrollando su concepción progresista de la pintura en la "Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs etc.". También participó en las dos primeras exposiciones organizadas por los impresionistas.

La alegría de vivir como motivo central

Aunque Renoir trabajaba con frecuencia en el círculo de sus amigos impresionistas, conservó un estilo pictórico muy individual. A diferencia de muchos de sus colegas, para él la realidad no era el punto de referencia. Más bien le importaba crear cuadros alegres y decorativos con momentos ideales.

Las escenas que mostraba no tenían necesariamente que corresponder a la realidad. Por ello, Renoir no pocas veces escenificaba sus motivos. Por ejemplo, ataviaba meticulosamente a las personas que debía retratar con ropa y accesorios seleccionados.

También con su elección de colores contribuyó a la idealización de sus motivos. Mediante colores pastel y una aplicación intensa del color, elevaba sus escenas hacia lo sensual, casi onírico.

De forma acorde, Renoir también elegía los motivos. En sus obras mostraba a menudo los lados positivos de la vida:

• Una de sus obras más famosas, "El almuerzo de los remeros" (1881), muestra una escena así. Aquí, jóvenes se sientan juntos en una atmósfera veraniega, de ánimo alegre.
• También "Baile en el Moulin de la Galette" (1876) muestra personas alegres que, con el mejor tiempo, conversan animadamente o bailan. Los efectos de luz perfectamente reproducidos del sol y la sombra transmiten de forma auténtica la atmósfera de ese día en un merendero.

Pero también muchas otras obras de Renoir hablan de momentos cotidianos en los que las personas se divierten, como al bañarse, en el teatro o durante el baile.

Renoir se hizo famoso sobre todo por sus retratos. Aquí fueron especialmente las mujeres las que le fascinaban de manera particular. Sus cuadros de retrato siempre ponen en primer plano su belleza y elegancia. Esto también vale para sus cuadros de desnudos. Pintó los cuerpos femeninos de una manera que, en su sensualidad, presenta paralelismos inconfundibles con el barroco y el rococó. Este recurso a épocas anteriores fue un componente elemental de su arte. "Soy uno del siglo XVIII", escribió una vez en una carta a Claude Monet.

Edgar Degas – el realista entre los impresionistas

Edgar Degas (1834–1917) contó entre los actores importantes de la vanguardia artística en la segunda mitad del siglo XIX. Degas se movía en los círculos de los impresionistas franceses, pero nunca reclamó esta etiqueta para sí. Se diferenciaba fundamentalmente de sus colegas pintores tanto en su estilo pictórico como en su concepción del arte. Debido a las escasas coincidencias con los impresionistas, Degas acabó rompiendo la colaboración con ellos y expuso con ellos por última vez en 1886.

Por qué Degas no era un impresionista típico

Edgar Degas había comenzado su formación artística con casi 20 años. Se matriculó en la École des Beaux-Arts de París, pero abandonó la escuela de arte poco después. A partir de entonces trabajó de forma autodidacta, estudiando y copiando piezas expuestas en museos parisinos. Al principio se dedicó a la pintura histórica y pudo exponer sus obras en el tradicional, pero muy conservador, Salón de París.

Con el contacto con pintores contemporáneos como Manet, Cézanne o Renoir, cambió su estilo pictórico. También perteneció a los iniciadores de las exposiciones de los impresionistas a partir de 1874. Sin embargo, sus cuadros tenían poco en común con las obras que los impresionistas franceses creaban en ese momento. Así, pintaba con una pincelada mucho más fina y trabajaba de forma clara los contornos y detalles de los objetos representados. Pero también difuminaba de vez en cuando las siluetas y generaba así una especie de efecto de enfoque suave.

Degas prefería además otra forma de trabajo distinta a la de la mayoría de los impresionistas. Confiar en la espontaneidad y en una inspiración que surgía de la situación contradecía su concepto artístico. También rechazaba la pintura al aire libre, que era muy popular entre los impresionistas. Más bien, su trabajo se basaba en una planificación meticulosa y en condiciones controladas.

Para sus cuadros recurría a dibujos ya existentes o propios, o pintaba de memoria. Durante el proceso pictórico prefería espacios cerrados con luz artificial y en su taller hacía que sus modelos permanecieran durante horas en posiciones indicadas.

El baile como motivo conductor

Degas mostró en sus obras principalmente motivos de la vida contemporánea. Además de escenas de carreras de caballos, excursiones, variedades o acontecimientos sociales, pintó momentos de la vida cotidiana de personas sencillas como lavanderas, campesinos o una planchadora, como en un cuadro de 1869.

Además, le fascinaba especialmente el mundo de la ópera, el baile y el ballet. También uno de sus cuadros más famosos, "La clase de danza" de 1875, muestra una escena con bailarinas y un maestro de baile durante una clase.

Además, pintó innumerables variantes de bailarinas y bailarinas de ballet calentando o haciendo ejercicios. Estas obras destacan por la marcada comprensión de Degas de la postura corporal y el movimiento, y por la combinación sin esfuerzo de pintura tradicional y progresista.

El impresionismo francés transformó de forma duradera el mundo del arte

El impresionismo francés del siglo XIX fue un hito en la evolución de la pintura. Sus innovaciones en la composición pictórica, la técnica pictórica y toda la filosofía de la pintura fueron revolucionarias y siguen teniendo efecto hasta hoy.

Sobre todo el alejamiento de la representación realista de los objetos pictóricos, así como la reducción de los detalles, fue retomado por las generaciones de artistas posteriores. Con ello, el impresionismo fue un precursor de muchos otros estilos importantes de los siglos XIX y XX como el cubismo, el expresionismo y finalmente la abstracción.

La influencia del impresionismo llega hasta el arte contemporáneo. Su idea básica de concentrarse más en el estado de ánimo de un momento que en los detalles de los objetos representados se encuentra en muchos artistas del presente, por ejemplo en Christoph Bouet, Anke Gruss o Ben Kamili. Pero también los originales de los pintores franceses del impresionismo como Monet, Manet o Renoir siguen siendo destacados atractivos en exposiciones y subastas.

Obras seleccionadas de los cinco famosos impresionistas franceses