Impresionismo – El mundo visto a través de los ojos de los pintores
La época del Impresionismo en la segunda mitad del siglo XIX marca un gran punto de inflexión en la historia de la pintura. De este periodo proceden algunos de los artistas y obras más famosas de la historia del arte. Al mismo tiempo, se sentaron las bases para la pintura de la Modernidad. Los pintores del Impresionismo se alejaron de una representación naturalista y reflejaron en sus cuadros su percepción individual, especialmente de la luz y la atmósfera.
Muchos estilos del siglo XX retomaron los impulsos de los pioneros impresionistas. Hoy en día, algunos de los cuadros más caros de todos los tiempos pertenecen a esta época, por ejemplo "Montagne Sainte-Victoire" de Paul Cézanne, "Verger avec cyprès" de Vincent van Gogh, así como "Le Bassin aux Nymphéas" y "Les meules" de Claude Monet.
Los impresionistas desarrollaron una nueva filosofía de la pintura
Los pintores del Impresionismo cuestionaron los estándares establecidos de la pintura como nunca antes se había hecho. A mediados del siglo XIX, la pintura seguía estando marcada completamente por el Clasicismo y el Romanticismo, y contaba con reglas y estructuras claras. Se consideraba el arte más elevado trabajar los elementos del cuadro con el mayor naturalismo y perfección posibles. Si las escenas pintadas correspondían a la realidad era, sin embargo, secundario, de modo que los cuadros mostraban con frecuencia motivos exagerados, sobrecargados o incluso ficticios.
Un pequeño grupo de pintores parisinos, entre ellos Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley o Edgar Degas, no se reconocía en este estilo pictórico y proclamó un retorno a la realidad - pero no en el sentido de una representación lo más cercana posible a la naturaleza, sino en el de una pintura que reflejara de manera auténtica la percepción y las sensaciones de los artistas. Los impresionistas pusieron a partir de entonces el enfoque en la impresión visual y la atmósfera de un único instante fugaz y no – como durante siglos antes – en imágenes de personas y objetos o escenas representativas. Sobre todo, otorgaron una importancia especial a la representación de las condiciones de la luz. Con ello retomaron la tradición de pintores como William Turner, John Constable o Gustave Courbet, quienes ya en épocas anteriores habían sabido plasmar en sus pinturas de paisajes la luz y la atmósfera del momento.
Objetos pictóricos como superficies de proyección para la luz
Los impresionistas desarrollaron una sensibilidad especial para comprender cómo los colores y, con ello, el carácter completo de una escena podían cambiar con las horas del día, las estaciones o las condiciones meteorológicas. Con esta conciencia elevaron casi a una forma de arte el hecho de pintar un único motivo desde la misma perspectiva, pero siempre bajo condiciones ambientales diferentes. Así creó, por ejemplo, Camille Pissarro varias versiones de vistas del Boulevard Montmartre en París y Claude Monet repitió en una serie de 30 cuadros su visión de la catedral de Ruan.
Este proceder subraya cuán poco relevantes les parecían a los pintores los objetos pictóricos en sí y que, en el fondo, solo los consideraban como superficies de proyección para la luz. Los propios objetos representados, según se cita a Claude Monet, no tendrían para él ninguna importancia: "Lo que quiero reproducir es lo que hay entre el motivo y yo".
Características del Impresionismo: La pintura bajo una nueva luz
Los impresionistas habían reconocido que no podían alcanzar sus objetivos artísticos con los recursos estilísticos de la pintura conocidos hasta entonces. Por ello modificaron tanto las técnicas y formas de representación como todo el acto de pintar para sus propósitos.
Al principio estaba, para los impresionistas, el reconocimiento de que con la forma naturalista de representación, como se conocía, por ejemplo, del Clasicismo, el Barroco y el Romanticismo, no era posible reproducir la atmósfera de un momento ni la impresión subjetiva. Así se apartaron de la idea de elaborar los objetos pictóricos con el mayor detalle posible y se concentraron en la impresión global del cuadro y en la composición cromática. Suavizaron los contornos de los objetos representados e imitaron así el efecto de que, en días bañados por la luz, de los objetos apenas se reconocen más que sus siluetas.
También ignoraron otros principios tradicionales de composición como la perspectiva central. Además, los pintores impresionistas emplearon principalmente colores claros y luminosos y trabajaron con pinceladas cortas pero claramente visibles en colores individuales. El público también tuvo que acostumbrarse a la técnica de los impresionistas. Esto se aplicaba especialmente a la observación, pues al acercarse mucho a los cuadros impresionistas, a menudo solo se distinguen toques de color. Solo desde cierta distancia emergen los objetos pictóricos del mar de trazos y puntos y se despliega la impresión visual deseada.
No solo en la aplicación del color abrieron los impresionistas nuevos caminos
Además abandonaron sus talleres y colocaron sus caballetes directamente frente a sus motivos. En la pintura al aire libre podían observar mejor la escena, absorber la atmósfera y trasladar sus impresiones directamente al lienzo. El Impresionismo revolucionó así en varios aspectos la pintura y sentó las bases para muchos estilos de las décadas siguientes como el Expresionismo, el Cubismo o el Surrealismo.
Los motivos en el Impresionismo
A mediados del siglo XIX, también la elección de motivos estaba sujeta a estrictas reglas. Habitualmente, uno o pocos objetos pictóricos prominentes debían ocupar el centro de una pintura. También de esta tradición se habían despedido los impresionistas. No pintaban los objetos por sí mismos, sino que los utilizaban únicamente como superficies de reflexión para la luz, en esencia como medios para un fin. Por ello, en las obras del Impresionismo se buscan en vano personalidades conocidas, así como batallas épicas o escenas mitológicas.
Más bien, los impresionistas escogían motivos y escenas más bien poco espectaculares y cotidianos, en los que, sin embargo, podían representar las condiciones de luz de manera especialmente impresionante. Entre los motivos más frecuentes se encontraban sobre todo paisajes ("Monet nenúfares", "Mujer con sombrilla en un jardín" de Auguste Renoir), escenas en la playa y en el mar ("En la playa de Noordwijk" de Max Liebermann; "El mar en L'Estaque" de Paul Cézanne) y vistas urbanas y de arquitectura ("Boulevard Montmartre en una mañana de invierno" de Camille Pissarro; "Terraza de café por la noche" de Vincent van Gogh).
Pero también retratos ("Mujer con sombrilla" de Claude Monet), escenas de género con pequeñas o mayores reuniones sociales ("Jardín cervecero muniqués" de Max Liebermann; "Los jugadores de cartas" de Paul Cézanne) y naturalezas muertas ("Doce girasoles en un jarrón" de Vincent van Gogh; "Dos peras" de Edouard Manet) formaban también parte de los motivos. En cambio, los temas de crítica social o política apenas desempeñaban un papel - el Impresionismo mostraba sobre todo una visión despreocupada, casi idílica, del mundo.
El éxito del Impresionismo no llegó hasta más tarde
Hoy en día, el Impresionismo se considera una de las épocas más importantes de la historia del arte, pero sus artistas tuvieron que enfrentarse al principio a una resistencia considerable. Con su estilo de pintura progresista, inicialmente no encontraron apoyo en las instituciones artísticas establecidas de su tiempo, como academias y museos, y la prensa tampoco se mostró muy favorable. Así, el "Figaro" escribió en 1876, tras una exposición, que las "supuestas pinturas" eran un "desastre" causado por algunos "locos".
Paul Durand-Ruel – Figura clave del Impresionismo
Sin embargo, también hubo amantes del arte que se mostraron receptivos hacia los impresionistas - entre ellos el galerista Paul Durand-Ruel, quien se convertiría en una figura clave del Impresionismo. Muy pronto reconoció el potencial de los impresionistas y apoyó a la nueva generación de artistas. Compró sus obras, organizó exposiciones en su galería y además apoyó económicamente a algunos pintores, entre ellos Édouard Manet y Claude Monet.
Con su compromiso con los artistas, en gran medida despreciados, Durand-Ruel puso mucho en juego. No solo arriesgó su reputación como experto en arte serio, sino también literalmente sus bienes: debido a sus altos gastos para los artistas, estuvo varias veces a punto de la ruina. Pero, gracias a su apertura y a su valentía, el Impresionismo pudo seguir desarrollándose y ser percibido por el público.
El triunfo del Impresionismo en Alemania y Europa
A finales del siglo XIX, el Impresionismo finalmente se había consolidado hasta tal punto que muchos de sus artistas, como Claude Monet o Camille Pissarro, podían vivir bien de su trabajo. En los años siguientes, el nuevo estilo pictórico de los franceses ganó cada vez más adeptos en toda Europa, también en Alemania. Entre los representantes del Impresionismo alemán a comienzos del siglo XX se encontraban, por ejemplo, Max Slevogt, Lovis Corinth y Max Liebermann.
