Pop-Art: Cuando la cultura cotidiana se convirtió en arte

Colorido, llamativo y sin respeto por el establishment artístico: a finales de la década de 1950, el Pop-Art revolucionó el mundo del arte. Sus artistas cuestionaron casi todos los parámetros de las artes visuales - desde los motivos y temas hasta el estilo y la estética, pasando por el papel y la función del arte dentro de la sociedad. Buscaban sus motivos y su inspiración principalmente en los elementos de la vida cotidiana, como contenidos mediáticos, publicidad, cómics o artículos de consumo. Del Pop-Art surgieron numerosas obras célebres, por ejemplo la escultura LOVE de Robert Indiana, los homenajes al cómic de Roy Lichtenstein y los serigrafiados de Andy Warhol de Marilyn Monroe, así como su legendaria "Lata de Sopa Campbell's".

El estilo revolucionario del Pop-Art también se extendió a muchas áreas fuera del arte y se convirtió en una especie de nuevo lenguaje universal para el diseño. Tanto en la moda, la gráfica y la ilustración, el diseño y en muchos otros ámbitos de la cultura pop de la década de 1960 se encontraban las influencias del Pop-Art. A comienzos de la década de 1970, su época de esplendor había terminado, pero su espíritu perduró durante mucho tiempo. Para muchas artistas y muchos artistas, esta época con su estética innovadora siguió siendo décadas después una gran fuente de inspiración. Así, en las obras de Keith Haring, Jean Basquiat, Nikki de Saint-Phalle, James Rizzi, Jeff Koons o Mr. Brainwash se pueden rastrear las huellas del Pop-Art hasta el arte contemporáneo.

Origen en el Reino Unido, auge en Estados Unidos

Las artistas y los artistas del Pop-Art y sus obras suelen considerarse un fenómeno estadounidense, pero sus raíces se encuentran en el Reino Unido a principios de la década de 1950. En esa época, un grupo de artistas se reunió en el "Institute of Contemporary Arts" de Londres bajo el nombre "Independent Group". Este grupo reflexionaba críticamente sobre las consecuencias del auge económico en muchos países del mundo. La agrupación reunía a creadores de distintas disciplinas. Pintoras y pintores, así como escultoras y escultores, estaban representados, al igual que arquitectas y arquitectos y curadoras y curadores - entre ellos personas como Lawrence Alloway, Richard Hamilton o Eduardo Paolozzi.

El objetivo del grupo no era solo crear y exponer arte de manera colectiva, sino también analizar a nivel teórico los desarrollos en la sociedad, como el creciente consumo y la omnipresencia de la publicidad. En este entorno surgieron también las primeras obras que hoy se consideran precursoras del Pop-Art, por ejemplo los collages de Paolozzi y Hamilton.

Poco después que las artistas y los artistas londinenses, también en Estados Unidos comenzaron creadores a buscar nuevas formas de expresión, temas y conceptos. A finales de la década de 1950, retomaron motivos destacados de la economía, los medios y la sociedad y los reflejaron en sus trabajos. Entre los primeros en alcanzar notoriedad con algunos de los elementos que más tarde serían típicos del Pop-Art estuvieron Robert Rauschenberg y Jasper Johns, quienes ya a finales de la década de 1950 tuvieron exposiciones en Nueva York. En 1958, el galerista Leo Castelli presentó primero a Rauschenberg y, un poco más tarde ese mismo año, también a Johns. Poco después se unieron muchos otros artistas del Pop-Art estadounidense como Robert Indiana, Andy Warhol, Mel Ramos, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg, Francis Gill, James Rosenquist o Roy Lichtenstein, quienes hoy cuentan entre los iconos de aquella época.

El Pop-Art tomó un rumbo completamente nuevo en el arte

Ante los cambios en la economía y la sociedad, las artistas y los artistas tanto del Pop-Art británico como del estadounidense desarrollaron un concepto fundamentalmente nuevo del arte visual. Partiendo de la observación de que la comercialización, la publicidad, la producción en masa y los medios de masas dominaban cada vez más la vida de las personas, quisieron tematizar estos desarrollos en sus obras, cuestionarlos críticamente y, en cierto modo, también aprovecharlos para sí.

La idea era acercar nuevamente el arte al día a día y a la forma de vivir de las personas en dos sentidos: por un lado, las inspiraciones para las obras provenían de temas, productos y personas omnipresentes; por otro lado, el arte debía recuperar una mayor importancia para las grandes masas de personas.

Los motivos del Pop Art: La trivialidad de la vida cotidiana en el centro de atención

Las artistas y los artistas del Pop Art se habían propuesto cuestionar la sociedad de consumo y sus mecanismos. Para ello, recurrieron en sus obras principalmente a motivos que simbolizaban la actualidad y que tenían una amplia difusión o un alto grado de reconocimiento. Entre ellos se encontraban numerosos productos cotidianos, así como contenidos de los medios de comunicación de masas, pero también determinados principios de diseño y patrones de comportamiento de la cultura popular. Con la práctica de colocar objetos cotidianos completamente normales en el centro de las obras de arte, el Pop Art marcó un cambio de paradigma en las artes visuales. Artículos aparentemente banales, como latas de sopa, coches, paquetes de cigarrillos, pan, botellas de Coca-Cola o muebles adquirieron de repente protagonismo.

La segunda gran fuente de motivos del Pop Art fueron los medios de comunicación de masas, sobre todo los medios impresos. Logotipos de marcas, publicidad y recortes de periódicos y revistas encontraron nuevos contextos de significado especialmente en collages. También se reprodujeron en las obras de arte fotografías de personalidades conocidas como John F. Kennedy, Janis Joplin, Elvis Presley o Marilyn Monroe. Además, muchas artistas y muchos artistas del Pop Art trabajaron con referencias y homenajes a personajes y tiras cómicas como Donald Duck, Popeye o Mickey Mouse. El Pop Art también retomó géneros tradicionales como retratos o bodegón, pero los reinterpretó de forma completamente nueva mediante una representación muy plana y fuertemente estilizada.

Fuera de los museos – dentro de la vida cotidiana: La "democratización" del arte

La motivación de las y los creadores del Pop Art para buscar sus motivos en la vida cotidiana de las personas se basaba en la convicción de que las obras de arte debían acercarse de nuevo a la realidad vital y ser menos intelectuales y elitistas. Las personas debían reconocerse a sí mismas y a su entorno en el arte y, de este modo, acceder más fácilmente a un ámbito de la cultura que de otro modo tenía lugar algo apartado en galerías y museos. Tras esto estaba la idea de que había llegado el momento de desprenderse definitivamente de la larga tradición de distinguir entre cultura cotidiana y alta cultura en las obras de arte. Las artistas y los artistas del Pop Art consideraban este sistema completamente obsoleto. Apostaron por introducir sus obras directamente en la vida de las personas.

Una parte importante de esta estrategia consistió en hacer que las obras de arte fueran asequibles para grupos de compradores más amplios. Especialmente mediante una producción en serie con la ayuda de la gráfica impresa, el arte debía convertirse en un producto tan natural como cualquier otro artículo de consumo. En este proceso, también se sacrificaron los principios hasta entonces defendidos de originalidad y singularidad de una obra, que durante mucho tiempo se habían considerado las características distintivas por excelencia. Así, el Pop Art rompió varios tabúes a la vez y cuestionó todo el sistema artístico con todas sus reglas y mecanismos.

Las características del Pop Art: Estilo y técnicas

Además del nuevo concepto propio y de los motivos, el gran logro del Pop Art residió en su estética innovadora. Esta rompió con muchos principios de los estilos contemporáneos y estableció nuevos estándares.

Un aspecto esencial de las cuadros Pop Art consistió en el retorno a los motivos figurativos, que en el muy popular expresionismo abstracto habían sido prácticamente desterrados. Sin embargo, los objetos representados no se mostraban de manera realista, sino estilizada y reducida a sus características y contornos esenciales.

En la coloración se utilizaron colores intensos y llamativos, especialmente los primarios rojo, azul y amarillo, aplicados en grandes superficies. Otras características del Pop Art fueron la casi inexistente profundidad espacial y - en referencia a la gráfica impresa - puntos de trama grandes y pequeños. Con ello, el lenguaje visual de las imágenes Pop Art recordaba deliberadamente a las ilustraciones de cómics y dibujos animados.

Además del estilo de representación más bien frío y abstracto, las artistas y los artistas del Pop Art también trabajaron cada vez más con citas y distorsiones. Así, tomaban sus motivos fuera de sus contextos originales y los mostraban aislados o en nuevas y desconocidas conexiones. También manipulaban con frecuencia sus objetos pictóricos y, en el procesamiento artístico, cambiaban su significado.

También en las técnicas, la época trajo algunos cambios. Las y los creadores del Pop Art siguieron trabajando a menudo con pintura, dibujo y escultura, pero además establecieron nuevas o hasta entonces menos frecuentes técnicas como el fotomontaje, el collage, los ensamblajes o diversas técnicas de impresión. Estos procedimientos apoyaban con sus características la estética del Pop Art o incluso la definían parcialmente. Especialmente la serigrafía se convirtió en el símbolo de la producción en serie del Pop Art.

Las dos caras de la comercialización en el Pop Art

Con su postura ante la comercialización, algunas artistas y algunos artistas del Pop Art realizaron un equilibrio intelectual. Por un lado, criticaban la gran importancia que había adquirido el consumo con todas sus consecuencias. Por otro lado, ellos mismos promovían mecanismos que en esencia también apuntaban a una producción en serie y a la difusión masiva de sus propias obras. Especialmente el uso de la serigrafía para producir grandes series de obras idénticas favoreció la comercialización.

En particular, Andy Warhol no escondía que para él una parte esencial de su actividad artística también consistía en el éxito económico. Con ello representaba una posición que durante mucho tiempo estuvo mal vista, pues según la opinión generalizada, el arte debía servir principalmente a un objetivo superior y noble y ser totalmente independiente de las restricciones económicas. Con su actitud muy pragmática y realista, muchas artistas y muchos artistas del Pop Art atrajeron fuertes críticas y desencadenaron un debate sobre la comercialización del arte que continúa hasta hoy.