Famosos artistas del pop art: Lichtenstein, Warhol, Haring

Arte de la vida cotidiana – para la vida cotidiana: El pop art cuenta entre las épocas más importantes del siglo XX. Sus creadores sacudieron varios fundamentos de las artes plásticas. Esto comenzaba ya con los motivos: muchos artistas del pop art se inspiraron en bienes de consumo y en la cultura de masas para sus obras. Además, introdujeron nuevas técnicas y dieron importancia a que su arte fuera asequible o incluso libremente accesible al público.

A pesar de muchas similitudes, la pregunta "¿Qué es el pop art?" no puede responderse de forma general. Para ello, los creadores, las técnicas y las obras de esta fase eran demasiado variados. Pero una mirada a tres famosos artistas del pop art – Roy Lichtenstein, Andy Warhol y Keith Haring – ilustra de forma ejemplar tanto las características esenciales como las distintas variantes del pop art. Estos tres artistas marcaron decisivamente esta época y aún hoy se consideran sus representantes más importantes.

Roy Lichtenstein – Con puntos de trama hacia la fama

Roy Lichtenstein (1923–1997) cuenta entre las figuras clave del pop art estadounidense. En sus obras tendió un puente entre la cultura cotidiana y la alta cultura. Pequeños fragmentos, aparentemente insignificantes, de los medios y de la cultura pop los escenificó como obras maestras de la historia del arte en grandes formatos y pintados al óleo. Su inconfundible sello distintivo eran los puntos de trama negros, con los que rellenaba las superficies de sus cuadros.

Como muchos otros pioneros del arte, Lichtenstein se encontró al principio con el rechazo de muchos de sus contemporáneos. Hoy, sin embargo, su contribución al desarrollo de las artes plásticas es indiscutible y sus obras están presentes en todas las grandes salas de exposiciones y colecciones del mundo.

Al principio estaban Mickey Mouse y Donald Duck

Roy Lichtenstein tuvo desde su juventud una predilección por las artes plásticas. Poseía un gran talento, pero una carrera como artista independiente aún tardaría en llegar.

Tras pasar por varias academias de arte, al principio trabajó como profesor de arte, así como dibujante técnico y diseñador. Paralelamente, continuó trabajando en sus propias obras de arte. En 1950 tuvo una primera exposición, que, sin embargo, no obtuvo un éxito destacable. Esto cambiaría a principios de la década de 1960.

En 1962 ya tuvo su primera exposición individual en la galería de Leo Castelli, que se convirtió en un gran éxito. Lichtenstein también participó en la exposición "The New Realists" en la Sidney Janis Gallery de New York. En este evento se mostraron por primera vez en un marco más amplio obras de muchos artistas del pop art, como Claes Oldenburg y Andy Warhol. A más tardar entonces, Lichtenstein se había establecido como uno de los representantes más importantes de esta corriente artística.

El estilo de Lichtenstein contradecía el espíritu artístico de la época

Lo que el hoy famoso artista del pop art Roy Lichtenstein presentaba con sus obras tenía poco que ver con el canon artístico de la década de 1960. Esto se aplicaba tanto a su forma de representación como a la elección de sus motivos.

En el apogeo del expresionismo abstracto, Lichtenstein volvió a la figuración. Pero su trabajo estaba muy lejos de un arte realista. Más bien desarrolló un estilo moderno único, que mostraba claros paralelismos con la estética de las tiras de cómic.

Así, Lichtenstein reducía los objetos representados hasta sus detalles más necesarios:

• A menudo enfatizaba los contornos con gruesas líneas negras.
• Sus escenas pictóricas apenas tenían profundidad espacial.
• Limitó enormemente la paleta de colores y en sus obras a menudo utilizaba solo unos pocos colores primarios.

Pero el elemento de diseño sin duda más importante de Lichtenstein y su sello distintivo inconfundible eran los puntos de trama. Había adoptado esta técnica de la industria de la impresión. Para ahorrar tinta, al imprimir grandes tiradas se había pasado a sustituir las superficies de color por un patrón de puntos. El ojo humano percibía esta trama como una superficie uniforme.

Roy Lichtenstein también abrió nuevos caminos en los mundos visuales. La inspiración para sus motivos la encontró en las pequeñas cosas, aparentemente banales, de la vida cotidiana – una característica que se volvería típica de muchos famosos artistas del pop art.

Como fuente para sus temas pictóricos le sirvió la vida cotidiana inmediata, sobre todo cómics, ilustraciones y otras publicaciones. Por ejemplo, se dice que "Look Mickey" fue inspirado por un envoltorio de chicle.

Pero también recurrió a épocas artísticas pasadas. Repetidamente citó recursos estilísticos del cubismo o del surrealismo y los combinó con su propio lenguaje visual.

Los motivos reducidos, casi fríos, de Roy Lichtenstein equivalían en el arte de la década de 1960 a una revolución. Pero nunca vinculó su arte a un mensaje o una misión. No se entendía a sí mismo como un artista político y no quería ni "enseñar algo a la sociedad" ni "mejorar nuestro mundo de alguna manera", como dijo una vez él mismo.

Aun así, su arte estaba lejos de ser banal o vacío de contenido. Sus afirmaciones visuales eran más bien de naturaleza sutil. Así, en muchas obras pueden encontrarse comentarios ciertamente críticos e irónicos sobre los medios de masas, los hábitos de consumo y la cultura popular.

Además, según sus propias declaraciones, Lichtenstein quería animar al público a enfrentarse a la producción y recepción de imágenes. Ya fuera el estilo de vida estadounidense, caros símbolos de estatus, el mundo brillante de los famosos o las puestas en escena mediáticas – Lichtenstein los desmitificaba y los devolvía en sus obras al suelo de la realidad.

El famoso artista del pop art creó varias obras maestras

Con su minimalismo y la técnica pictórica con puntos de trama, Lichtenstein realizó una importante labor pionera para el pop art. Además creó numerosas obras que hoy se consideran iconos de esta época:

• Entre los puntos culminantes cuenta sin duda "Look Mickey" de 1961, que se convirtió en un hito no solo de su propia carrera, sino de todo el pop art.
• También a principios de la década de 1960 publicó con "Whaam!" otra de sus obras más importantes. El díptico muestra en la mitad izquierda del cuadro un avión de combate que dispara un cohete. En el lado derecho explota al mismo tiempo otro avión. El globo de diálogo que da nombre a la obra, con la palabra "Whaam!", está colocado en grandes letras en el centro del cuadro.
• Entre las obras principales de Lichtenstein se encuentra también "M-Maybe" del año 1965. Muestra a una joven rubia ante un skyline con el globo de pensamiento "M-Maybe he became ill and couldn‘t leave the studio". Fue mostrada en 1968 en la documenta 4 y hoy pertenece a la colección del Museum Ludwig en Colonia, Alemania.

Del "posiblemente peor pintor" al precursor del pop art

Roy Lichtenstein en su época aún no era considerado el famoso artista del pop art como se le percibe hoy. Todo lo contrario: al comienzo de su trayectoria artística, sus obras incluso encontraron a menudo incomprensión.

La crítica se centró sobre todo en que ignoraba los límites entre el arte y la cultura cotidiana. También su estética parecía a muchos comentaristas sencillamente indigna de las artes plásticas. Así, la revista estadounidense "Life" planteó en 1964 la pregunta de si Lichtenstein podría ser posiblemente el peor artista de Estados Unidos. El público, en cambio, lo tuvo bastante más fácil con su arte cercano a la vida cotidiana de las personas.

Hoy en día, su labor pionera artística recibe sin reservas el merecido reconocimiento. Pocos otros artistas conocidos del pop art alcanzaron el estatus de Lichtenstein, como Andy Warhol o Robert Rauschenberg.

Como otros famosos artistas del pop art, provocó un cambio radical en las artes plásticas. Su influencia en el arte y el diseño sigue teniendo efecto hasta hoy. Su estilo minimalista y los puntos de trama han sido copiados y citados incontables veces por generaciones posteriores de artistas. Esto demuestra lo visionario y atemporal que es el arte de Roy Lichtenstein.

El artista del pop art más conocido: Andy Warhol

Ningún artista encarna el pop art tanto como Andy Warhol (1928–1987). Su nombre es conocido mucho más allá de los límites del arte y representa simbólicamente una de las épocas más importantes del siglo XX.

Como muchos otros artistas y artistas femeninas del pop art que más tarde se hicieron famosos, Warhol también buscó sus motivos en todo aquello que representaba la sociedad estadounidense de consumo y medios. Creó numerosas obras icónicas como las latas de sopa "Campbell" o retratos de Marilyn Monroe. Al mismo tiempo, hizo socialmente aceptables la serigrafía y la producción seriada de obras de arte. Con su labor cambió de forma duradera la historia del arte. Aún hoy, muchos artistas y muchas artistas se benefician de su espíritu pionero y su riqueza de ideas.

De diseñador gráfico publicitario a superestrella del pop art

El éxito de Andy Warhol no llegó de la noche a la mañana. Fueron necesarias varias etapas hasta que alcanzó su estatus como el artista del pop art más conocido.

Warhol, de nombre civil Andrew Warhola, era hijo de inmigrantes checoslovacos y procedía de circunstancias modestas. En 1949 terminó en Pittsburgh sus estudios de pintura y diseño. Ese mismo año se trasladó a New York. Al principio se abrió paso con trabajos ocasionales, pero pronto se hizo un nombre como diseñador gráfico y diseñador. Con trabajos gráficos Warhol tuvo también sus primeras exposiciones en 1952 y 1956.

A partir de finales de la década de 1950, sin embargo, se concentró por completo en su carrera como artista plástico. En 1962 abrió la legendaria "Factory" – una mezcla de taller, estudio y centro de producción, pero también un popular punto de encuentro para creadores y famosos. Aquí surgieron muchas de sus obras seriadas, así como varias películas.

Motivos cotidianos, serigrafía, producción seriada: El estilo de Andy Warhol

Con su concepto artístico, Andy Warhol pasó por encima de muchas convenciones tradicionales de las artes plásticas. El famoso artista del pop art redefinió de manera fundamental motivos, técnica y proceso de producción. Entre sus mayores innovaciones estuvo que convirtió objetos cotidianos en sus motivos e introdujo la serigrafía, así como la producción seriada de obras de arte.

Andy Warhol era un agudo observador de la sociedad de consumo estadounidense. En sus medios de masas y productos cotidianos encontró también sus motivos. Se inspiró especialmente en:

• imágenes de periódicos
• publicidad
• cómics
• bienes de consumo y de lujo
• personalidades destacadas de la política, la cultura y el deporte.

Aunque nunca se entendió a sí mismo como un artista político, de su forma de tratar fotos y citas visuales hablaba siempre también una actitud irónica e incluso crítica hacia la sociedad, así como hacia el mundo del consumo y los medios.

Le importaba mucho poder hacer accesibles sus obras a un gran público. La mayor cantidad posible de personas debía entender sus trabajos, pero también poder permitírselos. En la serigrafía encontró para ello la técnica perfecta. A principios de la década de 1960 Warhol había descubierto para sí este procedimiento de impresión originalmente industrial. Ahora podía producir sus obras de arte en tiradas casi ilimitadas. La producción masiva seriada generaba, no en último lugar, también ingresos regulares, que le daban seguridad financiera para sus numerosas empresas.

Para Warhol, la serigrafía no era solo un procedimiento técnico para la producción y reproducción de sus obras. También la convirtió en un recurso creativo central en la producción de la obra. Así, las impresiones surgidas en serigrafía ya tenían, por su trama, una estética muy individual.

También se debía a la serigrafía que Warhol trabajara generalmente con solo pocos colores. De todos modos, había reducido fuertemente todo su lenguaje visual. Aplicaba los pocos tonos, a menudo chillones, en grandes superficies. Al mismo tiempo destacaba los contornos característicos del motivo mediante líneas negras.

Otra característica típica de su trabajo era la repetición. Warhol trasladaba así la idea básica de la reproducción directamente a sus cuadros. En muchas de sus series repetía los mismos motivos o motivos muy similares dentro de un cuadro. A veces variaba los distintos recortes de imagen coloreándolos con diferentes colores.

Muchos motivos de Warhol se convirtieron en hitos del pop art

A pocos otros artistas y artistas femeninas les logró producir tantas obras mundialmente famosas con motivos icónicos como a Andy Warhol. Sin duda, el motivo más importante – tanto para su carrera como para la historia del arte – fue "Campell's Soup Can". En 1962 Warhol creó la primera serie de serigrafías con la legendaria etiqueta de la sopa. A lo largo de su carrera recurrió una y otra vez al motivo y creó variantes en diferentes colores o con múltiples repeticiones.

Para la pintura, la publicación del motivo de las latas de sopa significó un hito: Warhol había transformado por primera vez un objeto cotidiano aparentemente banal en una obra de arte observada en todo el mundo. Le siguieron otros artículos de consumo como botellas de Coca-Cola, un Mercedes o un frasco de Chanel.

Los retratos que Warhol realizó de personalidades destacadas de la actualidad se convirtieron prácticamente en éxitos asegurados. Entre ellos se contaban, entre otros

• Liz Taylor,
• Mick Jagger,
• Jackie Kennedy,
• John Lennon,
• Debbie Harry,
• Joseph Beuys,
• Michael Jackson o
• Elvis Presley.

Su retrato del presidente chino Mao Zedong causó especial revuelo, ya que por su rumbo socialista y la "Revolución cultural" contradecía fundamentalmente el espíritu estadounidense de la época.

Pero su retrato más importante lo creó Warhol en 1962 con el "Díptico Marilyn". Poco después de la muerte de la legendaria actriz, Warhol había descubierto una foto que había sido publicada en relación con la película "Niágara", en la que Monroe interpretaba el papel principal. Para el "Díptico Marilyn" reprodujo la foto 25 veces en cada caso. Coloreó el lado izquierdo del díptico con pocos colores, y redujo el derecho a blanco y negro.

Al igual que las latas de sopa Campbell's, también la Marilyn de Andy Warhol se convirtió en un hito del pop art. Retomó varias veces en su carrera la foto promocional de Marilyn Monroe, por ejemplo en "Marilyn disparada" en 1964 o en la gran serie Reversal a finales de la década de 1970.

Además de celebridades y objetos cotidianos, Warhol tuvo otros ejes temáticos, por ejemplo

• representaciones de animales (cebra, rinoceronte, vaca),
• plantas ("Tropical", "Flores"),
• imágenes de accidentes y catástrofes (serie "Death & Desaster", "Car Crash") o
• cómics (Superman, Mickey Mouse).

Muchas de estas obras también cuentan hoy entre las obras importantes del siglo XX.

Artista conocido del pop art: Keith Haring – el icono underground de New York

Sus cuadros llamativos con sencillos dibujos de figuras tienen estatus de culto desde hace décadas: Keith Haring (1958–1990) representa como pocos el arte de la década de 1980. Con su lenguaje visual minimalista y universal logró dirigirse a personas de todo el mundo.

Aunque sus obras a primera vista siempre parecen alegres, con frecuencia transmiten mensajes serios e importantes. Además dominaba, aparentemente sin esfuerzo, el equilibrio entre arte subcultural y comercial. Ocupó tanto las paredes del metro de New York como las de galerías de moda.

Sus obras están hoy presentes en todas las instituciones artísticas y colecciones de renombre del mundo, por ejemplo en el Museum of Modern Art, New York, en el Museum Folkwang, Essen, en la Albertina, Viena o la Tate Gallery, Londres.

El New York de la década de 1980 – el caldo de cultivo perfecto para la carrera de Keith Haring

La carrera artística de Keith Haring difícilmente habría podido desarrollarse con tanto éxito en otra ciudad que no fuera New York. En la vibrante escena cultural de la metrópoli estadounidense encontró por un lado inspiración, pero por otro también suficientes espacios de libertad para poner en práctica sus ideas.

Ya en su primera infancia había mostrado interés por la pintura y el dibujo. En 1976 comenzó estudios de diseño gráfico publicitario en la "Ivy School of Professional Art" en Pittsburgh. Pero ya después de dos años se trasladó a New York y se matriculó en la "School of Visual Arts".

En la prestigiosa escuela privada aprendió el oficio artístico, pero igual de grande fue la influencia que ejerció sobre él la cultura de clubes y la subcultura de New York. A principios de la década de 1980 fue sobre todo la escena hip-hop con rap, breakdance y grafiti la que ganó rápidamente popularidad. Pero también creadores de muchos otros géneros como cine, música, performance y artes plásticas se organizaron en una escena artística diversa y dinámica.

El conocido artista del pop art estableció contactos con numerosos artistas y artistas femeninas, entre ellos también Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat. Inspirado por el grafiti y el pop art desarrolló su estilo inconfundible y pudo hacerse rápidamente un nombre internacional.

En 1982 ya tuvo su primera exposición individual en New York. Ese mismo año fue invitado a la documenta 7 en Kassel. En 1983 siguieron participaciones en la Whitney Biennale, así como en la Bienal de São Paulo. En 1986 el conocido artista del pop art recibió el encargo de realizar en Amsterdam un mural de 12 metros de altura.

Hasta su temprana muerte con solo 31 años, el famoso artista del pop art había expuesto en muchas instituciones artísticas de renombre del mundo, entre ellas alrededor de 50 exposiciones individuales.

Monigotes con mensaje: El estilo de Keith Haring

Monigotes, pintura rupestre, cómics, dibujo infantil: para describir el estilo de Keith Haring se han invocado una y otra vez los más diversos paralelismos con otras formas de expresión artística. Pero ninguno de estos enfoques explicativos hace justicia a su lenguaje visual individual.

Sin duda, el minimalismo fue uno de los leitmotivs de Haring. Logró transmitir una fuerte expresión y mensajes comprensibles con pocos medios visuales. Había reducido consecuentemente sus objetos pictóricos a sus rasgos esenciales. A menudo solo quedaban unos pocos contornos, que enfatizaba con gruesas líneas negras. Además renunciaba por completo a la profundidad espacial y coloreaba grandes superficies de sus cuadros de forma monocroma.

Haring no solo pintaba de forma muy minimalista, sino que también equipaba sus obras con muy pocos objetos pictóricos. A menudo necesitaba solo una o dos figuras para crear una escena con un mensaje simbólico.

En sus motivos no recurría, como muchos otros famosos artistas del pop art, a objetos cotidianos o contenidos mediáticos. Más bien, en sus obras se movían generalmente figuras semejantes a seres humanos, pero también animales, así como otros objetos como corazones o platillos volantes.

Con frecuencia también se alejaba por completo de la representación figurativa y diseñaba obras con grandes patrones abstractos. Ya fueran figurativas o abstractas – todas sus obras llevan su firma típica y se reconocen inmediatamente como un "Haring".

Keith Haring quería democratizar el arte

Keith Haring llamó la atención por primera vez a principios de la década de 1980 con el arte urbano. Su campo de trabajo preferido eran las estaciones de metro de New York. Como lienzos le servían paneles publicitarios sin usar, que se encontraban en todas las estaciones de metro. Sobre su fondo negro, Haring dejaba sus dibujos con tiza blanca – por supuesto, ilegalmente. Sin embargo, desaparecían tan rápido como habían surgido, pues por lo general se cubrían de nuevo con carteles publicitarios.

Entre 5.000 y 10.000 variantes de los "Subway Drawings" habría creado Haring hasta mediados de los años 80. Este arte guerrillero lo dio a conocer mucho más allá de los límites de New York. Al hacerlo, los "Subway Drawings" contradecían todo lo que el sistema artístico de aquella época preveía para la presentación y distribución de obras de arte:

• Existían solo durante un tiempo muy limitado.
• Eran completamente públicos y podían consumirse fácilmente – también al pasar –.
• No podían venderse ni exponerse en otros lugares.

Todo esto Haring lo había planificado y pretendido. Su lema era que su arte debía ser accesible para todas las personas sin restricciones – también fuera de museos y galerías. Con ello seguía la tradición de otros famosos artistas del pop art, como Andy Warhol.

También cuando ya era un artista establecido, aprovechó una y otra vez la posibilidad de diseñar murales de gran formato en el espacio público, por ejemplo en Pisa, Amsterdam, New York o Barcelona.

Keith Haring también se comprometió en proyectos políticos y sociales

A primera vista, las obras de Haring transmiten ante todo buen humor. Son coloridas, dinámicas, llenas de ingenuidad infantil y libertad expresiva. Al principio no se sospecha en ellas nada serio o amenazante. Pero precisamente en eso consistía la estrategia de Haring. Utilizaba un lenguaje visual muy sencillo y fácil de entender para una gran variedad de temas y mensajes.

Pero no se quedó en la confrontación artística con los problemas del presente. Se comprometió activamente en lo político y social, por ejemplo con Unicef o en el movimiento antiapartheid. Cuando en 1988 se le diagnosticó una infección por SIDA, la concienciación sobre la mortal enfermedad inmunitaria adquirió importancia para él.

Con su arte inteligente y su compromiso social, Keith Haring había demostrado que también sin aires de estrella, escándalos y habitus elitista se podía llegar a ser uno de los artistas más importantes del siglo XX.

Los famosos artistas del pop art escribieron historia del arte

Lichtenstein, Warhol, Haring – tres conocidos artistas del pop art que marcaron y configuraron decisivamente esta época. Cada uno de los tres había demostrado a su manera un gran espíritu pionero y desarrollado una forma de expresión artística inconfundible y atemporal.

Aunque hoy se los agrupa bajo la misma denominación, eran individualistas absolutos con estilo propio, comprensión del arte propia y trayectoria profesional propia. Esto vale también para numerosos otros artistas conocidos del pop art como

• Claes Oldenburg,
• Tom Wesselmann,
• James Francis Gill,
• Robert Indiana o
• Mel Ramos.

Todos ellos contribuyeron con su estilo individual de manera decisiva a convertir el pop art en la época artística más importante de la segunda mitad del siglo XX.

Pero su influencia fue mucho más allá de los límites del arte. El pop art tuvo efectos tanto en la moda como en el diseño de productos, el diseño de medios y muchos ámbitos de la cultura. Aún hoy sigue siendo muy popular por su lenguaje visual colorido y fácil de leer, con motivos que todos reconocen.

También muchas generaciones posteriores de artistas recurrieron a las características de diseño y a la filosofía del pop art, por ejemplo

• Nikki de Saint-Phalle,
• James Rizzi,
• Jeff Koons o
• Mr. Brainwash.

Obras seleccionadas de los artistas del pop art