El cubismo – Hacia el cuadro con formas geométricas
A comienzos del siglo XX, el cubismo sacudió todos los cimientos de las artes visuales. Ninguna época anterior quiso romper de forma tan radical con las convenciones dominantes de la pintura. Las artistas y los artistas del cubismo se negaron a la concepción tradicional de que la pintura debía representar los objetos de la manera más realista posible y desarrollaron nuevos principios para la composición de la imagen.
La construcción y deconstrucción de los objetos mediante formas geométricas, el abandono de la perspectiva clásica y los primeros pasos hacia la abstracción fueron solo algunas de las innovaciones revolucionarias que trajo consigo el cubismo. La época comenzó alrededor de 1907, pero con el inicio de la Primera Guerra Mundial ya empezó a disolverse lentamente. Este período, corto en comparación con otros estilos, fue suficiente para impulsar cambios fundamentales en la pintura.
Braque y Picasso – Un dúo de artistas revolucionó la pintura
El desarrollo del cubismo está inseparablemente ligado a dos nombres: Pablo Picasso y Georges Braque. En el cambio al siglo XX, ambos aspiraban inicialmente de forma independiente a nuevas formas de expresión artística.
Picasso: Cuestionar las formas tradicionales de composición
El artista español Pablo Picasso estudió en la Real Academia de Bellas Artes, pero apenas abandonó la institución, comenzó a cuestionar las formas tradicionales de composición. Buscó continuamente un mayor desarrollo artístico. Los estilos establecidos en la época del cambio de siglo, como el impresionismo, el simbolismo o el modernismo, los tomó, en el mejor de los casos, como estímulos para desarrollar a partir de ellos su propio lenguaje visual.
Desde comienzos del siglo XX, Picasso se dedicó además de forma intensiva al arte de otras culturas. Le fascinaba el lenguaje formal reducido de las esculturas africanas y las máscaras tribales, y dejó que su estética influyera de manera perceptible en sus obras. Pero Picasso también encontró nueva inspiración entre los artistas europeos, por ejemplo en El Greco, Henri Rousseau y Paul Gauguin. Sin embargo, veneraba de manera especial a Paul Cézanne (1839 – 1906). Sobre todo su obra tardía y sus reflexiones fundamentales sobre la forma de representación influyeron decisivamente en Picasso.
Cézanne ya había dejado atrás la pretensión de representar los objetos de forma realista. Según su teoría, todos los objetos podían representarse mediante esferas, cilindros y conos. Bajo esta influencia, Picasso también fue abandonando poco a poco la representación natural de las proporciones. Los primeros elementos estilísticos claramente atribuibles al cubismo comenzaron a aparecer en la obra del artista español a partir de 1906 - en su pintura "Las señoritas de Aviñón", que se convertiría en una obra clave de toda la época.
Georges Braque: Mezclar formas geométricas y perspectivas
Casi al mismo tiempo que Picasso, el artista francés Georges Braque desarrolló una concepción muy similar de la composición de la imagen y de la representación de los objetos. Braque también veneraba a Paul Cézanne, así como a los fauvistas y, entre ellos, especialmente a Henri Matisse. Al igual que Picasso, Braque también se distanció de los estilos existentes como el fauvismo o el impresionismo y siguió su propio camino. Trabajó cada vez más con formas geométricas y combinó varias perspectivas en una sola imagen.
A finales de 1908, Picasso y Braque se conocieron finalmente gracias a la mediación del escritor Guillaume Apollinaire. Rápidamente los unió una estrecha amistad y comenzaron una colaboración extremadamente creativa y productiva. Su cooperación se asemejaba a una misión de investigación cuyos temas iban mucho más allá de la pintura. Así, se ocuparon del proceso de la visión y del procesamiento de las impresiones ópticas en el cerebro. Paralelamente, siguieron experimentando con los medios pictóricos.
Los inicios: El cubismo analítico y sus características
El trabajo de Braque y Picasso marcó la primera gran fase del cubismo y hoy se denomina "Cubismo analítico". Las artistas y los artistas del cubismo pintaban de manera figurativa, pero ya no se sentían obligados al realismo. En su lugar, analizaban los objetos y buscaban una forma de representación que pudiera captar simultáneamente la mayor cantidad posible de manifestaciones de un objeto.
Las características más evidentes del cubismo en esta primera etapa fueron la configuración fragmentada y geométrica de los objetos pictóricos, así como el manejo poco convencional de las perspectivas. Braque y Picasso se concentraron en las formas básicas y definieron los objetos pictóricos a menudo solo mediante sus contornos. También redujeron progresivamente la paleta de colores y trabajaron principalmente con tonos apagados como marrón, gris, beige, azul y negro. Al intentar mostrar simultáneamente diferentes vistas de un objeto, también cobró importancia la cuestión de cómo elegir el ángulo de visión y la dirección de la luz.
Las creadoras y los creadores del cubismo se alejaron de la división tradicional de la imagen en primer plano, plano medio y fondo, así como de la perspectiva central. En su lugar, intentaron representar simultáneamente la mayor cantidad posible de características que normalmente solo se reconocen desde diferentes puntos de vista. Este enfoque revolucionario causó rápidamente sensación en la escena artística europea. También otras artistas y otros artistas de la época comenzaron a interesarse por esta nueva filosofía de la pintura, por ejemplo Juan Gris o Robert Delaunay.
El desarrollo posterior: El cubismo sintético
Sin embargo, las artistas y los artistas del cubismo no se detuvieron en el estilo que habían encontrado, sino que lo desarrollaron continuamente. A partir de aproximadamente 1912, el cubismo entró en una segunda gran fase, que hoy se denomina "Cubismo sintético".
En varios niveles, las creadoras y los creadores variaron su forma de trabajar. El cambio más importante fue probablemente que invirtieron su principio de diseño. En lugar de diseccionar formalmente los objetos pictóricos y descomponerlos en partes individuales como en el cubismo analítico, ahora los componían principalmente a partir de formas abstractas. La imagen surgía de una síntesis de diferentes objetos. Todos los objetos pictóricos eran dispuestos por las artistas y los artistas del cubismo de manera equitativa en un único plano plano, evitando así cualquier impresión de espacialidad.
Especialmente llamativo fue que las creadoras y los creadores del cubismo no solo desarrollaron la composición de la imagen, sino también los materiales con los que trabajaban. Así, comenzaron a integrar objetos cotidianos en sus óleos. Pegaban el lienzo, por ejemplo, con recortes de papel y de periódicos, papeles pintados, textiles, vidrio, arena o madera. Con ello sentaron las bases para diversas técnicas de las décadas siguientes como la collage, el arte objetual y el ready-made.
Con los nuevos materiales, también volvieron a abrir su paleta de colores. Utilizaron colores más claros, más intensos y más variados, y combinaron nuevamente muchos más tonos diferentes en una sola imagen. Finalmente, el cubismo sintético volvió a cuestionar la autocomprensión del arte. Las artistas y los artistas del cubismo dejaron de considerar definitivamente la creación de un objeto artístico solo como un medio para un fin. En su lugar, entendieron el proceso artístico como un fin en sí mismo. Una obra de arte ya no debía servir para representar objetos, sino que ahora se consideraba una entidad autónoma con la que se crea una nueva realidad.
La recepción del cubismo y su influencia en la historia del arte
Como tantas formas de expresión progresivas y vanguardistas en el arte, el cubismo en la pintura también tuvo inicialmente una acogida difícil. Las reacciones del público en general iban desde la incomprensión total hasta el rechazo.
A principios del siglo XX, otros estilos como el impresionismo y el simbolismo dominaban el mercado artístico europeo y las academias de arte, y existía poca disposición para dar espacio a corrientes progresistas. Especialmente el influyente crítico de arte parisino Louis Vauxcelles atacó de forma ofensiva a las artistas y los artistas del cubismo y se burló de su trabajo.
El cubismo en la pintura: también hubo una respuesta positiva
Con el galerista de origen alemán Daniel-Henry Kahnweiler, las creadoras y los creadores encontraron un gran defensor. Kahnweiler se comprometió intensamente con las jóvenes artistas y los jóvenes artistas del cubismo y ya en 1908 organizó las primeras exposiciones con ellos. Pero también entre las creadoras y los creadores europeos, las obras cubistas despertaron interés. Influencias del cubismo se encontraron posteriormente, entre otros, en Marcel Duchamp, que alcanzaría fama mundial con sus ready-mades, o también en los artistas de la Bauhaus Oskar Schlemmer y Lyonel Feininger.
También los expresionistas alemanes como Franz Marc, August Macke o Paul Klee se dejaron inspirar por las formas de diseño geométricas. Los impulsos del cubismo se extendieron profundamente hasta el siglo XX y fueron reconocibles, entre otros, en el futurismo, el surrealismo, la abstracción, el constructivismo y el pop art.
La corriente artística del cubismo hoy
Hoy en día, el gran logro y el mérito de las creadoras y los creadores del cubismo en el desarrollo ulterior de las artes visuales son reconocidos de manera generalizada por historiadoras e historiadores del arte. Picasso, Braque y todas las demás artistas y todos los demás artistas del cubismo de principios del siglo XX son considerados hoy sin discusión como importantes pioneros de la pintura. Con su forma innovadora de pensar el arte, rompieron el estrecho corsé estilístico de su tiempo y sentaron las bases para la pintura abstracta.
