Fotografía artística: El motivo detrás de la imagen
Desde que la fotografía fue inventada a mediados del siglo XIX, se desarrollaron innumerables subgéneros como la fotografía de naturaleza, la fotografía científica, la fotografía en blanco y negro, la fotografía de retrato o la fotografía publicitaria. Estos géneros se centraron en diferentes aspectos, pero todos tenían en esencia el mismo objetivo, representar objetos reales.
La fotografía artística, que se desarrolló a principios del siglo XX, sigue un enfoque completamente diferente. Deja de lado el aspecto reproductivo de la fotografía y amplía considerablemente el espectro de lo que una foto puede lograr. En la autocomprensión del arte fotográfico, la foto se convierte en un componente de un concepto artístico y debe transmitir mensajes que vayan mucho más allá del contenido de la imagen. Las y los artistas fotográficos asocian la foto con una intención y desean transmitir valores e ideas o cuestionar la realidad. De este modo, el motivo detrás de la imagen se vuelve más importante que la propia foto. La foto se transforma en un símbolo y comienza así a "crear realidad".
El mayor grado de alejamiento de la realidad lo alcanza la fotografía experimental, que rompe con todas las tradiciones convencionales, desde la elección del motivo hasta la técnica de toma, y produce en parte un arte fotográfico muy abstracto. Sin embargo, en los temas visuales que sirven de base para el trabajo artístico, el arte fotográfico no está tan alejado de otras formas de arte visual. Aquí también se encuentran paisajes, retratos, desnudos o naturalezas muertas. Además, la autorreflexión del medio constituye un punto focal importante. Con diferentes medios se cuestionan los hábitos de percepción, se pone en duda el carácter representativo de la fotografía y se exploran los límites del medio.
La fotografía como proceso artístico
En la fotografía moderna en general y en el arte fotográfico en particular, no basta con presionar el disparador. La calidad de la foto o de la obra de arte depende de muchos factores diferentes que la o el artista fotográfico puede influir antes y después del proceso. Por ejemplo, la calidad y las características de la cámara, las condiciones y parámetros de la toma, así como la edición digital o analógica posterior.
- La elección correcta de la cámara: Hoy en día existen innumerables tecnologías y dispositivos para hacer fotos - desde la cámara estenopeica hasta el smartphone o la cámara réflex digital. Dado que difieren considerablemente en calidad, la elección de la cámara influye de manera decisiva en el resultado final. En el ámbito profesional, las cámaras digitales, como las réflex o las cámaras sin espejo, son las más utilizadas. Gracias a la alta resolución de las cámaras de los smartphones, también estas se emplean cada vez más en la fotografía (artística). Las cámaras analógicas, como las legendarias cámaras de formato medio Hasselblad, siguen teniendo hoy una gran comunidad entre los fotógrafos profesionales. En todos los modelos, la luminosidad y el ángulo de visión de los objetivos son de gran importancia. Por ejemplo, los objetivos gran angular o los de ojo de pez pueden modificar o distorsionar el motivo de forma significativa ya durante la toma.
- La puesta en escena del motivo y los parámetros de la toma: La fotografía artística comienza ya con la elección del motivo y del entorno en el que se encuentra. Hay una gran diferencia entre fotografiar un objeto en un "White Cube" o en un paisaje. La iluminación natural o artificial determina la atmósfera y, por tanto, el mensaje de la foto. Igualmente importante es la decisión de si se desea una foto en color o en blanco y negro. Finalmente, el encuadre, el ángulo de visión, la composición, los tiempos de exposición y la profundidad de campo pueden convertir una foto documental en una fotografía artística.
- El perfeccionamiento de la foto mediante la edición analógica o digital: Para muchos artistas fotográficos, el verdadero trabajo comienza después de la toma. Según el medio, existen diferentes maneras de modificar una foto posteriormente. Ya desde principios del siglo XX, las y los artistas comenzaron a combinar las fotografías con otras técnicas o a manipularlas. Así integraban las fotos en collages y las recortaban, cubrían o pintaban encima. La fotografía digital ofrece una gama casi infinita de posibilidades de edición. Con programas informáticos de edición de imágenes se pueden manipular las fotos de casi cualquier manera imaginable. En forma de impresiones de alta resolución, estos productos digitales pueden presentarse nuevamente en una forma analógica.
Existen, por tanto, muchos factores con los que se puede influir en el proceso fotográfico. Sin embargo, la técnica es solo una herramienta - la idea artística, un mensaje o un concepto deben ser desarrollados previamente por el artista.
La fotografía artística tuvo que luchar mucho por su estatus
En el mundo del arte actual, la fotografía moderna es reconocida indiscutiblemente como una contribución esencial a las artes visuales. Museos y galerías de todo el mundo dedican exposiciones al arte fotográfico, las academias de arte ofrecen carreras específicas y en las subastas se venden cada vez más fotografías. La fotografía artística también ha llegado a las colecciones de los museos más grandes del mundo, como el MoMa, Nueva York, el Whitney Museum of American Art, Nueva York, el Musée d’Orsay, París, el Museum Folkwang, Essen o el Museum für Fotografie, Berlín.
Sin embargo, la fotografía tuvo que luchar durante mucho tiempo para establecerse como una forma de expresión artística en igualdad de condiciones. Cuando fue inventada y desarrollada a mediados del siglo XIX, servía inicialmente solo para representar la realidad. Pero ya a principios del siglo XX los dadaístas comenzaron a experimentar con las fotos y el proceso fotográfico. No fue hasta mediados del siglo XX cuando la fotografía logró entrar en los museos de arte. Durante mucho tiempo se debatió en qué consistía el mérito artístico de la fotografía y si las fotos podían considerarse obras de arte según los criterios tradicionales.
Dado que esta forma "moderna" de creación de imágenes se diferenciaba fundamentalmente de la pintura y la escultura, las categorías tradicionales del arte dejaron de aplicarse. Los debates giraron (y en parte aún giran) esencialmente en torno a cuánto oficio y creatividad hay en el arte fotográfico y cómo pueden definirse las obras únicas.
Fotografía vs. pintura y escultura: nuevos criterios para el arte
Hasta finales del siglo XIX, el mérito artístico se definía por el grado de creatividad y el trabajo manual. Las y los artistas reclamaban para sí la capacidad de producir en pinturas y esculturas una interpretación individual de la realidad.
Para el arte fotográfico abstracto a partir del siglo XX no existían modelos, sino que se creaban libremente y prácticamente de la nada. Este proceso intelectual de creación se negó inicialmente a la fotografía con el argumento de que simplemente representaba la realidad tal cual. Para capturar un objeto existente en celuloide, no se necesitaban habilidades artísticas. Lo mismo se aplicaba, por cierto, al aspecto artesanal.
La pintura y la escultura requerían años de práctica y formación, así como talento tanto para el manejo del pincel y el cincel como para el pensamiento abstracto y espacial. En cambio, en la fotografía la obra se producía mediante mecánica y técnica, y por tanto no era comparable con un arte "visual". Hoy en día se ha superado ampliamente este prejuicio. Además de las competencias técnicas, también se reconoce la creatividad de las y los fotógrafos, ya que es innegable que la elección del motivo, la composición, la puesta en escena o la edición requieren gran habilidad y conocimiento.
Durante mucho tiempo, otro criterio para una obra de arte fue su singularidad. Por naturaleza, a la fotografía le falta este carácter único, ya que teóricamente se pueden hacer innumerables copias de una foto. Sin embargo, el temor a una reproducción ilimitada hoy en día es infundado. Con ediciones, limitaciones y control de las tiradas, también en la fotografía puede crearse una forma de rareza.
Arte fotográfico en el mercado del arte
Numerosas artistas y artistas han logrado hacerse un nombre a nivel mundial con sus fotografías. Famosos artistas de la fotografía artística son, por ejemplo, Helmut Newton, Anton Corbijn, Peter Lindbergh, Cindy Sherman, Jeff Wall, Andreas Gursky, Barbara Klemm, Edward Ruscha, Candida Höfer, Bernd y Hilla Becher o Man Ray. Pero aunque hoy la fotografía esté establecida como parte de las artes visuales, en el mercado del arte todavía se sitúa detrás de la pintura y la escultura. La mayoría de las y los fotógrafos aún están lejos de la fama y los ingresos o resultados de subastas de sus colegas pintores y escultores.
Como siempre, las excepciones confirman la regla. Por ejemplo, la casa de subastas Christie's en Nueva York subastó en 2011 una fotografía de Andreas Gursky por la suma récord de 4,3 millones de dólares estadounidenses. Esto confirma al menos el creciente interés por la fotografía y su relevancia para las artes visuales.
