5 berömda skulpturer som du borde veta mer om

Skulpturer har varit en integrerad del av människans kulturhistoria i tiotusentals år. Berömda skulpturer som "Lejonmannen från Hohlenstein-Stadel", "Venus från Willendorf" och "Venus från Hohle Fels" uppskattas vara mellan 30.000 och 40.000 år gamla. Skulpturen har sedan sin begynnelse kontinuerligt utvecklats genom konstens olika epoker.

Berömda grekiska skulpturer som "Nike från Samothrake", "Discobolus" och "Venus från Milo" vittnar om antikens stora hantverkskunnande. Under renässansen, barocken och klassicismen fulländade skulptörerna avbildningen av människor i sina statyer. Under 1900-talet gav progressiva stilar som expressionism, abstraktion och popkonst ny energi till skulpturen.

Många skulpturer av välkända konstnärer har blivit ikoner för sina respektive epoker. Här nedan presenterar vi fem berömda skulpturer som inte bara är milstolpar i konsthistorien utan också har fascinerande bakgrundshistorier.

Venus från Milo - Antikens mystiska skönhet

När man talar om berömda skulpturer kan man inte bortse från Venus från Milo. Den 2,02 meter höga statyn är ett av de mest betydelsefulla fynden inom den hellenistiska konsten.

Venus de Milo dateras till slutet av 200-talet f.Kr. Skulpturen är gjord av marmor och har, liksom många andra berömda grekiska skulpturer, sannolikt målats i starka färger. Färgerna bleknade dock under århundradenas lopp.

Det finns ingen definitiv information om den konstnär som skapade statyn. Det är inte heller helt bevisat att skulpturen föreställer gudinnan Venus. Vissa forskare tror att den kan föreställa havsgudinnan Amphitrite, medan andra föreslår att det kan vara segergudinnan Victoria.

Ett ofullständigt mästerverk fullt av myter

Idag är Venus från Milo förmodligen ett av de mest kända kvinnoporträtten i konsthistorien. Den är fortfarande en stor attraktion i Louvren i Paris - trots att den är ofullständig, eftersom armar och händer saknas. Det är oklart om dessa försvann under transporten till Frankrike eller om de aldrig hittades. Vissa spekulerar dock i att det är just dessa saknade fragment som bidrar till statyns mystiska karaktär.

Det finns många teorier om hur de saknade kroppsdelarna ser ut. Vissa teorier utgår från att Venus kan ha hållit i en sköld, medan andra föreslår att hon bar ett äpple som en symbol för seger. Andra teorier nämner en båge, ett spjut, en amfora eller en tråd och en spindel som möjliga föremål.

Än i dag finns det inget definitivt svar på vilken version som är den rätta - precis som med så många andra myter kring Venus från Milo. Men dessa mysterier bidrar bara till att göra den ännu mer lockande. Dess inflytande på konst och kultur fortsätter än i dag. I likhet med andra berömda skulpturer är Venus de Milo fortfarande närvarande i samtidskonsten, eftersom den ofta refereras till och reproduceras i samtida verk.

Michelangelos "David" - en av renässansens mest berömda skulpturer

Ett besök på Galleria dell'Accademia di Firenze är ett måste när du reser till Florens. Här, i museet för Accademia di Belle Arti, hittar du flera berömda skulpturer, bland annat David av den italienske skulptören Michelangelo Buonarroti (1475-1564).

Statyn är en av renässansens skulpturer mest berömda och föreställer den bibliska figuren David. Enligt Gamla testamentet besegrade David den fruktade jätten Goliat med hjälp av endast en slangbella. Michelangelo porträtterade den modige herdepojken i en marmorskulptur. Den sägs visa David strax före hans kamp mot Goliat.

Michelangelo behärskade den naturalistiska formningen av denna nakna skulptur perfekt. Han definierade de muskulösa armarna och buken, de framträdande ådrorna och de uttrycksfulla ansiktsdragen med anmärkningsvärd realism. Michelangelo avvek dock från den verklighetstrogna avbildningen av högerhanden och modellerade den oproportionerligt stor. Detta var ett medvetet val som symboliserar styrka och energi.

Den världsberömda marmorkolossen möttes dock inte alltid av obetingad beundran: hans dåvarande rival, Leonardo da Vinci, fällde nedsättande kommentarer om Michelangelos mästerverk inför uppförandet och kritiserade särskilt den nakna avbildningen. Du kan läsa mer om det fascinerande och djupt kontroversiella förhållandet mellan dessa två stora renässansgenier i vår artikel "Michelangelo och da Vinci – renässansgeniernas duell".

Vägen från råmaterial till konstnärlig ikon

Michelangelo påbörjade arbetet med den 5,17 meter höga statyn år 1501. Det tog honom över tre år att hugga ut figuren ur ett enda marmorblock. Den här monolitstenen hade ursprungligen varit avsedd för ett annat konstprojekt nästan 40 år tidigare. Den skulle användas till tolv statyer som skulle pryda ytterväggarna i Florens katedral. Men efter att flera skulptörer misslyckats med att slutföra uppgiften lagrades marmorblocket undan och återupptäcktes först för "David".

När Michelangelo hade färdigställt skulpturen 1504 uppstod en debatt om dess placering i Florens. En kommission med 30 medlemmar bildades för att fatta detta beslut. De bestämde sig slutligen för att placera skulpturen på Piazza della Signoria framför huvudingången till Palazzo Vecchio, som var den dåvarande regeringens säte. Där skulle statyn symbolisera regeringens makt och fungera som en varning för fiender både hemma och utomlands.

I slutet av 1800-talet flyttades skulpturen till Galleria dell'Accademia för att skydda den från miljöskador. En fullskalig kopia placerades på sin ursprungliga plats i början av 1900-talet. Idag är originalet i Galleria dell'Accademia fortfarande en av stadens mest populära sevärdheter.

"The Thinker" - från helvetets portar till en världsberömd skulptur

"Tänkaren" av Auguste Rodin (1840-1917) är en av 1800-talets skulpturer mest betydelsefulla och har fått erkännande långt utanför konstvärlden. Under årtiondenas lopp har Rodins mästerverk blivit en sann kulturikon.

"The Thinker" används ofta som en symbol för kreativt tänkande, förnuft eller filosofi. Den har kopierats, refererats till och parodierats otaliga gånger. Den förekommer t.ex. i konstverk av konstnärer som Nam June Paik och Edvard Munch, liksom i tecknade serier, memes och reklam.

Originalet av "Tänkaren" ingår i samlingen på Musée Rodin i Paris. En kopia står också vid Rodins gravplats i Paris. Dessutom sägs det finnas omkring 40 brons- och gipsavgjutningar av originalet runt om i världen. Dessa är mycket eftertraktade av samlare och dyker sällan upp på auktioner, och när de gör det säljs de vanligtvis för tiotals miljoner dollar.

Hur "poeten" blev "tänkaren"

År 1880 fick Rodin i uppdrag av den franska staten att utforma en monumental relief för det planerade "Musée des Arts Décoratifs" i Paris. Verket skulle baseras på Dante Alighieris "Den gudomliga komedin". Skulpturen, som idag är känd som "Tänkaren", kallades ursprungligen "Poeten" eller "Dante" och var en av cirka 200 figurer på portalen.

Den var endast 72 centimeter hög och tronade ovanför "Helvetets port". År 1888 tog Rodin bort figuren från denna design och gjorde den till en självständig, ca 1,80 meter hög, skulptur under den nu berömda titeln.

Rodin arbetade på "Helvetets portar" i över 30 år. Men eftersom museets konstruktion så småningom övergavs, slutfördes aldrig det ursprungliga verket - inklusive "Tänkaren" i dess avsedda form. Den första fullständiga bronsgjutningen av "Helvetets portar" gjordes slutligen 1926.

Auguste Rodin betraktas idag som en av de viktigaste pionjärerna inom den moderna skulpturen. Redan tidigt tog han avstånd från traditionell formgivning och sökte sin egen individuella stil. Liksom många av Rodins berömda skulpturer följde "Tänkaren" inte det sena 1800-talets samtida konstnärliga ideal.

Även om Rodin ursprungligen baserade sitt verk på en verklig person - den franske boxaren och brottaren Jean Baud - avvek han senare avsevärt från sin modells faktiska utseende. Han höll sig inte till realistiska proportioner, vilket gjorde att händer och fötter verkade onaturligt stora. Dessutom lämnade han skulpturens yta grov och ojämn, med synliga verktygsmärken. Den introspektiva och framåtlutade hållningen hos "Tänkaren" var också ganska oheroisk och okonventionell för sin tid.

Vad tänker "The Thinker"?

Den här statyn är särskilt intressant, inte bara på grund av sin ovanliga stil. I årtionden har konsthistoriker och allmänheten spekulerat kring innebörden av "Tänkaren". Den mest uppenbara tolkningen, som baseras på titeln, betonar figurens djupa koncentration, vilket gör den till en universell symbol för kreativitet, filosofi och förnuft.

Enligt andra tolkningar föreställer figuren poeten Dante, som ägnar sig åt självreflektion när han iakttar händelserna och karaktärerna i sin "Gudomliga komedi". En helt annan teori går ut på att "Tänkaren" i själva verket är Rodin själv, som begrundar sitt eget verk.

Huruvida någon av dessa teorier är korrekta eller om Rodin hade något helt annat i åtanke, kanske aldrig kommer att besvaras slutgiltigt. Frågan "Vad tänker 'Tänkaren'?" kommer sannolikt att fortsätta att fascinera framtida generationer.

"Den svävande ängeln" - Barlachs berömda bronsskulptur och dess händelserika historia

Den tyske expressionisten Ernst Barlach (1870-1938) skapade berömda skulpturer som kännetecknas av en unik känslighet och en intensiv symbolisk kraft. Hans verk kretsade genomgående kring den mänskliga erfarenheten och utforskade känslor, kamp och umbäranden. Barlachs skulpturer berättar ofta små historier samtidigt som de förmedlar djupare symboliska betydelser.

Barlach tog också upp allvarliga och samhällskritiska teman i sina verk, till stor del präglade av hans personliga upplevelser under första världskriget och under den nazistiska diktaturen. Nazistregimen stämplade honom som en "degenererad" konstnär, tog bort hans verk från utställningar och offentliga platser och hotade honom ständigt med yrkesförbud.

Den berömda skulpturen som ett svar på kriget

Under hela sin karriär skapade Ernst Barlach många berömda verk, bland annat "Den svävande ängeln", en av 1900-talets skulpturer. mest kända  Verket föreställer en monumental bronsängel som hänger i kedjor och ser ut att sväva i luften. Barlach skapade verket 1927 för att fira 700-årsjubileet av Güstrows katedral.

Skulpturen var avsedd att vara ett minnesmärke över de soldater som dog i första världskriget. Barlach undvek dock medvetet sin tids traditionella krigsmonument, som vanligtvis glorifierade soldater som hjältar. Istället avbildade han en inåtvänd ängel som utstrålar lugn och frid. Genom denna "svävande ödesfigur" försökte Barlach uttrycka den känsla av tomhet som han hade känt under kriget.

Trots sin djupt känsliga tolkning av kriget mötte skulpturen starkt motstånd. Nazisterna ansåg att den var respektlös och "en förolämpning mot varje soldat".

I augusti 1937 togs den flytande mannen bort från Güstrows katedral och smältes senare ner. Lyckligtvis överlevde den ursprungliga gipsmodellen av skulpturen, vilket gjorde det möjligt för vänner till Barlach att skapa en kopia 1939. Denna version har visats i Antoniterkyrkan i Köln sedan 1952.

Senare gick även gipsmodellen förlorad i ett bombangrepp. En tredje bronsgjutning gjordes dock baserad på Kölnversionen, som donerades till Güstrows katedral av Antoniterkyrkan 1953. Därmed kunde "Den svävande ängeln" återvända till sin ursprungliga plats.

Berömt djur: Jeff Koons "Ballonghund"

Den amerikanske konstnären Jeff Koons, född 1955, har under många år legat i framkant inom samtidskonsten. Han är framför allt känd för sina provokativa och polariserande verk. I sin produktion av målningar, skulpturer, fotografier och installationer rör han sig skickligt mellan kitsch och högkultur.

Koons följer popkonstens tradition och införlivar vardagsföremål och popkulturella element i sina verk. Vanligtvis främmandegör han dem eller placerar dem i nya sammanhang. Med sina verk granskar han välbekanta föremål och deras betydelser och utmanar både konsumentkulturen och konstvärlden.

Jeff Koons har skapat många berömda skulpturer, t.ex. den 12 meter höga installationen "Puppy" som består av 17.000 blommor eller hans berömda ballongskulpturer, bl.a. "Balloon Dogs". Dessa skapades som en del av hans "Celebration"-serie, som utforskar föremål, motiv och ritualer som förknippas med födelsedagar, helgdagar och andra festligheter. Flera berömda skulpturer hör till denna serie.

The Balloon Dogs producerades mellan 1994 och 2000. Koons hämtade inspiration från ballongdjur som vanligtvis tillverkas för barn på födelsedagsfester. Till en början formgav han dem som över tre meter höga skulpturer i rostfritt stål, senare skapade han mindre porslinsversioner.

Processen inleddes med små modeller, som sedan omvandlades digitalt till 3D-animationer. Utifrån dessa digitala mönster tillverkades enskilda segment i rostfritt stål som svetsades samman, polerades och slutligen belades med transparenta lager i blått, magenta, gult, orange eller rött.

Jeff Koons' Balloon Dogs har sedan dess blivit ikoniska symboler för modern konst. Andra konstnärer, bland andra Banksy och Mr Brainwash, har refererat till dem i sina egna verk. Original Balloon Dogs är också mycket eftertraktade på auktioner - en orange version såldes på Christie's 2013 för rekordhöga 58,4 miljoner dollar.

Skulptur idag: Innovativ, samtida och mångsidig

En tillbakablick på skulpturens historia avslöjar att den alltid har varit i ständig förändring. I takt med att de sociala och kulturella sammanhangen förändras utvecklas skulpturen med nya teman och designprinciper.

Flera faktorer påverkar den samtida skulpturen. En av de mest betydelsefulla förändringarna inträffade när abstraktionen blev dominerande inom bildkonsten. Att gå bort från traditionella figurativa former öppnade upp för helt nya möjligheter. Konstnärer började experimentera med abstrakta strukturer och former och skapade helt nya upplevelser.

Den tekniska utvecklingen har också spelat en stor roll. Moderna skulptörer använder ofta nya material och industriella tekniker i sina verk. Medan traditionella material som trä, sten och metall fortfarande används i stor utsträckning, har nya material som glas, porslin och olika plaster utvidgat det konstnärliga landskapet.

Dessutom utökas de konstnärliga möjligheterna hela tiden tack vare moderna tekniska produktionsprocesser. Idag använder skulptörer i allt högre grad digitala datormodeller, borr-, såg- och fräsmaskiner och annan industriell teknik.

Dessutom bidrar ett livligt utbyte mellan stilar och tekniker till att vidareutveckla skulpturen. Detta säkerställer att den alltid förblir vital och uppdaterad. Och så uppvisar moderna skulpturer i början av 2000-talet en mängd olika teman, tekniker och stilar.