Natura morta: la bellezza nel quotidiano
"Nature morte aux tulipes" (Natura morta con tulipani) di Pablo Picasso, "Bouilloire et fruits" (Brocca con frutti) di Paul Cézanne o "Vase avec marguerites et coquelicots" (Vaso con fiordalisi e papaveri) di Vincent van Gogh – queste nature morte sono state vendute per ben oltre 40 milioni di dollari e figurano così nella lista dei dipinti più costosi di tutti i tempi. Non da ultimo qui si vede che questo genere è estremamente amato da molti secoli sia dalle artiste e dagli artisti sia dal pubblico. Ciò forse dipende anche dal fatto che le nature morte non mostrano personalità famose, tramonti drammatici o scene di battaglia, bensì oggetti del tutto quotidiani, che però sono disposti in modo molto estetico e virtuoso. Così fiori, frutti, utensili da cucina, selvaggina, pesce, libri, candele, orologi e insetti rientrano tra i loro tipici oggetti figurativi. Quali oggetti vengano infine scelti, quanti siano e come vengano composti nell'immagine può variare a seconda dello stile, del tema dell'immagine e della simbologia desiderata. La denominazione "Stillleben" risale all'olandese "Still Leven", che divenne di uso comune all'inizio del XVIII secolo; parallelamente riuscì ad affermarsi anche il francese "Nature Morte". Molte artiste e molti artisti famosi degli ultimi 300 anni si sono occupati di questo soggetto, per esempio Auguste Renoir, Claude Monet, Lovis Corinth, Alexej von Jawlensky, Max Beckmann, Paula Modersohn-Becker, Giorgio de Chirico, Kurt Schwitters, Andy Warhol, Markus Lüpertz o Jeff Wall.
Dal XVII secolo la natura morta è un soggetto amato
La rappresentazione di oggetti quotidiani nelle opere d'arte è nota già dall'antichità, ma per svilupparsi in un genere autonomo la natura morta ebbe bisogno ancora di alcuni secoli. I suoi inizi risalgono sia alla cultura antico-egizia sia a quella greca e romana antica. Di quest'epoca sono noti dipinti murali, mosaici o rilievi che si avvicinavano già molto all'idea della natura morta. Anche dalle epoche successive, come il Rinascimento, si conoscono isolatamente opere simili, ma in sostanza gli assemblaggi di oggetti furono impiegati a lungo solo come elementi di contorno in scene in cui le persone erano al centro. Si può parlare di uno sviluppo della natura morta come tema figurativo autonomo solo a partire circa dal XVII secolo. A partire dal barocco, sempre più artisti in tutta Europa composero i loro quadri con semplici oggetti quotidiani. Soprattutto nei Paesi Bassi, ma anche in Spagna e Italia, questi dipinti godettero di crescente popolarità. Nel XVIII secolo, con il classicismo, l'interesse per la pittura di nature morte diminuì un poco, ma nel XIX secolo furono poi soprattutto gli impressionisti a riprendere questo genere con studi di fiori, frutta, armi o tavole apparecchiate. Nelle epoche successive, la natura morta riuscì infine ad affermarsi come soggetto autonomo e le artiste e gli artisti trovarono interpretazioni sempre nuove e contemporanee. Così, nella pittura del primo XX secolo, ripresero questo motivo sia i cubisti come Pablo Picasso e Georges Braque sia gli espressionisti di "Brücke" e del "Cavaliere azzurro". Anche negli stili successivi, come il surrealismo e la Pop-Art, la natura morta rimase un genere importante. Con i "Readymades" Marcel Duchamp sviluppò – se così si vuole – persino versioni tridimensionali delle nature morte. Oggi l'idea di drappeggiare e raffigurare esteticamente diversi oggetti quotidiani si ritrova, oltre che nell'arte, anche in altri ambiti della vita. Soprattutto nella fotografia – qui in particolare nella fotografia pubblicitaria – la messa in scena di oggetti quotidiani si sviluppò in una disciplina autonoma. E da quando gli smartphone dispongono di fotocamere ad alta risoluzione, le foto dei pasti sono ormai quasi impensabili da eliminare dalle timeline di Facebook, Instagram e Co.
Che cos'è una natura morta? Le caratteristiche di un genere ricco di sfaccettature
Anche se la natura morta nelle epoche artistiche degli ultimi secoli è stata spesso interpretata in modi molto diversi, le sue caratteristiche distintive sono cambiate appena. Fino all'arte contemporanea, in cui le nature morte vengono interpretate in chiave moderna, questi dipinti mostrano quasi esclusivamente oggetti inanimati del quotidiano. Particolarmente spesso vengono dipinti fiori, frutti, verdure, selvaggina abbattuta e pesce, prodotti da forno, stoviglie e posate, armi, libri o strumenti musicali. La grande arte consiste in questo caso nell'accurata disposizione degli oggetti, nella loro illuminazione e nella loro resa pittorica. Anche se le nature morte sono in parte eseguite con il massimo dettaglio, in questa forma di pittura non si tratta di raffigurare gli oggetti nel modo più realistico possibile. Piuttosto, esse simulano soltanto una veridicità e forniscono sempre solo un'illusione della realtà. Nella loro esecuzione spesso perfetta, opulenta e sensuale, le artiste e gli artisti fanno diventare i dipinti uno specchio delle nostalgie e dei desideri di chi osserva.
Ma anche riguardo al processo pittorico la natura morta presenta alcune particolarità. Rispetto ad altri generi come i ritratti o i paesaggi, qui gli oggetti dell'immagine non si muovono né cambiano anche per un lungo periodo di tempo. Perciò questi motivi sono particolarmente adatti a studi approfonditi e a confronti con gli oggetti. Molte artiste e molti artisti esercitarono quindi anche sulle nature morte le loro capacità di rappresentare lo spazio, la luce, la composizione cromatica e la prospettiva. Così anche Vincent van Gogh avrebbe utilizzato questo genere per provare diverse possibilità pittoriche e rappresentative e per sperimentare con l'applicazione del colore. "Le nature morte sono l'inizio di tutto", avrebbe detto una volta il pittore olandese.
Nelle nature morte la simbologia degli oggetti svolge un ruolo importante
Oltre alla rappresentazione e alla messa in scena artistiche degli oggetti raffigurati, nelle nature morte la simbologia degli oggetti è di grande importanza. Sia nel loro insieme sia singolarmente, molti oggetti figurativi rimandano a un secondo livello di interpretazione. Così grandi bouquet di fiori o frutti sono considerati segni di benessere, soprattutto se sono evidentemente di origine esotica. Anche le nature morte di caccia con animali selvatici e armi rappresentano un certo lusso, così come i dipinti con tavole riccamente imbandite. Ma anche singoli oggetti possono veicolare messaggi importanti per il contenuto dell'immagine. Così, per esempio, lo zucchero sta per la lussuria e il limone per la moderazione. Pane e vino sono considerati riferimenti alla cena cristiana e le ostriche simboleggiano la tentazione peccaminosa. L'edera e le spighe di grano possono indicare vita eterna e rinascita, e i fiori in boccio simboleggiano per lo più l'amore e la bellezza. Determinate varietà di fiori hanno inoltre significati ancora più specifici, come per esempio i garofani o le rose spinose, che dovrebbero entrambe ricordare la passione di Cristo. I cosiddetti dipinti Vanitas si sono sviluppati in un sottogenere autonomo. Sulla base di diversi oggetti viene qui indicata la caducità dell'uomo, per indurre chi osserva a una riflessione morale sul proprio stile di vita e sulla propria esistenza. Così un teschio rimanda inequivocabilmente alla fine della vita. Un po' più sottili, ma simili nel loro significato simbolico, sono candele accese, orologi o clessidre, vetro rotto, fiori appassiti, frutta marcia, nonché coleotteri, vermi o mosche. Tuttavia, nella storia della natura morta il contenuto simbolico e il carattere didattico sono diventati sempre meno importanti e sono passati in secondo piano rispetto all'impressione estetica dell'immagine. Gli elementi figurativi caratteristici, però, sono rimasti e si ritrovano ancora anche in opere contemporanee che interpretano la natura morta in modo moderno.
