Il Cubismo – con forme geometriche verso l'immagine

All'inizio del XX secolo il Cubismo scosse tutte le fondamenta delle belle arti. Nessuna epoca precedente aveva voluto rompere in modo più radicale con le convenzioni dominanti nella pittura. Le artiste e gli artisti del Cubismo rifiutarono la concezione tradizionale secondo cui la pittura dovesse raffigurare i soggetti dell'immagine nel modo più realistico possibile e svilupparono nuove massime per la composizione dell'immagine.

Costruzione e decostruzione dei soggetti dell'immagine con l'aiuto di forme geometriche, abbandono della prospettiva classica e primi passi in direzione dell'Astrazione furono solo alcune delle innovazioni rivoluzionarie che il Cubismo portò con sé. L'epoca iniziò intorno al 1907, ma con l'inizio della Prima Guerra Mondiale cominciò già lentamente a dissolversi. Questo periodo breve rispetto ad altri stili bastò però a innescare cambiamenti fondamentali nella pittura.

Braque e Picasso – un duo di artisti rivoluzionò la pittura

Lo sviluppo del Cubismo è indissolubilmente legato a due nomi: Pablo Picasso e Georges Braque. A cavallo del XX secolo entrambi aspirarono inizialmente, indipendentemente l'uno dall'altro, a nuove forme di espressione artistica.

Picasso: mettere in discussione forme compositive tradizionali

L'artista spagnolo Pablo Picasso studiò alla Reale Accademia d'Arte, ma appena lasciata la scuola superiore, mise in discussione le forme compositive tradizionali. Aspirò continuamente a un ulteriore sviluppo artistico. Gli stili affermati al tempo del passaggio di secolo, come Impressionismo, Simbolismo o Jugendstil, li accolse al massimo come stimoli, per sviluppare su questa base il proprio linguaggio figurativo.

A partire dall'inizio del XX secolo Picasso si occupò inoltre in modo crescente dell'arte di altre culture. Era affascinato dal linguaggio formale ridotto delle sculture africane e delle maschere tribali e lasciò confluire visibilmente la loro estetica nelle sue opere. Ma Picasso trovò nuova ispirazione anche presso gli artisti europei, per esempio in El Greco, Henri Rousseau e Paul Gauguin. Ma venerava in modo del tutto particolare Paul Cézanne (1839 – 1906). Soprattutto la sua opera tarda e le sue riflessioni fondamentali sul modo di rappresentazione avrebbero influenzato Picasso in modo determinante.

Cézanne aveva già lasciato molto indietro la pretesa di voler raffigurare gli oggetti in modo realistico. Secondo la sua teoria, tutti i soggetti dell'immagine potevano essere rappresentati mediante sfere, cilindri e coni. Sotto questo influsso anche Picasso abbandonò gradualmente il modo naturale di rappresentare le proporzioni. L'artista spagnolo iniziò a utilizzare i primi elementi stilistici chiaramente attribuibili al Cubismo a partire dal 1906 – nel suo dipinto "Les Demoiselles d´Avignon", che sarebbe diventato un'opera chiave dell'intera epoca.

Georges Braque: mescolare forme geometriche e prospettive

Quasi contemporaneamente a Picasso, anche l'artista francese Georges Braque sviluppò una concezione molto simile della composizione dell'immagine e della rappresentazione degli oggetti. Anche Braque venerava Paul Cézanne, ma anche i Fauves e tra loro soprattutto Henri Matisse. Come Picasso, però, anche Braque si staccò dagli stili già esistenti come Fauvismo o Impressionismo e percorse strade proprie. Lavorò sempre più con forme geometriche e mescolò più prospettive in un'unica immagine.

Alla fine dell'anno 1908, infine, Picasso e Braque si conobbero grazie alla mediazione dello scrittore Guillaume Apollinaire. Rapidamente li unì una stretta amicizia e iniziarono una collaborazione estremamente creativa e produttiva. La loro cooperazione somigliava a una missione di ricerca, i cui temi andavano ben oltre la pittura. Così si occuparono del processo della visione e dell'elaborazione delle impressioni ottiche nel cervello. Parallelamente continuarono a sperimentare con i mezzi pittorici.

Gli inizi: Cubismo Analitico e le sue caratteristiche

Il lavoro di Braque e Picasso segnò la prima grande fase del Cubismo ed è oggi definito "Cubismo Analitico". Le artiste e gli artisti del Cubismo dipingevano sì in modo figurativo, ma non si sentivano più vincolati al Realismo. Analizzavano invece gli oggetti e cercavano un modo di rappresentazione che potesse cogliere contemporaneamente il maggior numero possibile di forme apparenti di un oggetto.

Le caratteristiche del Cubismo più evidenti in questa prima fase erano la configurazione frammentata e geometrica degli oggetti dell'immagine, nonché il trattamento non convenzionale delle prospettive. Braque e Picasso si concentrarono sulle forme fondamentali e definivano spesso gli oggetti dell'immagine solo attraverso i loro contorni. Ridussero anche progressivamente la tavolozza cromatica e lavorarono prevalentemente con tonalità smorzate come marrone, grigio, beige, blu e nero. Nel raggiungimento dell'obiettivo di mostrare contemporaneamente diverse vedute di un oggetto acquisì inoltre importanza la questione di come scegliere il punto di vista e la conduzione della luce.

Gli artisti del Cubismo si staccarono dalla tradizionale suddivisione dell'immagine in primo piano, centro e sfondo, così come dalla prospettiva centrale. Cercarono invece di raffigurare contemporaneamente il maggior numero possibile di caratteristiche, che altrimenti sarebbero riconoscibili solo da diversi punti di vista. Questo procedimento rivoluzionario suscitò rapidamente scalpore nella scena artistica europea. Anche altre artiste e altri artisti di quel periodo iniziarono a interessarsi a questa nuova filosofia della pittura, per esempio Juan Gris o Robert Delaunay.

L'ulteriore sviluppo: Cubismo Sintetico

Le artiste e gli artisti del Cubismo non rimasero però fermi allo stile che avevano trovato una volta, ma lo svilupparono continuamente. A partire circa dal 1912 il Cubismo entrò in una seconda grande fase, che oggi viene definita "Cubismo Sintetico".

Su più livelli gli artisti variarono il loro modo di lavorare. Il cambiamento probabilmente più importante fu che invertirono il loro principio compositivo. Invece di sezionare formalmente i soggetti dell'immagine come nel Cubismo Analitico e scomporli in singole parti, ora li componevano prevalentemente a partire da forme astratte. L'immagine nasceva da una sintesi di diversi oggetti. Le artiste e gli artisti del Cubismo disponevano tutti i soggetti dell'immagine con pari valore in un unico livello piatto, evitando così qualsiasi impressione di spazialità.

Particolarmente evidente era però il fatto che gli artisti del Cubismo non svilupparono ulteriormente solo la composizione dell'immagine, ma anche i materiali con cui lavoravano. Così iniziarono a integrare oggetti quotidiani nei loro dipinti a olio. Incollavano sulla tela per esempio ritagli di carta e giornale, tappezzerie, tessuti, vetro, sabbia o legno. Crearono così la base per diverse tecniche dei decenni successivi come collage, arte oggettuale e ready-made.

Con i nuovi materiali riaprirono inoltre la loro tavolozza cromatica. Utilizzarono colori più chiari, più intensi e più variopinti e combinarono di nuovo in un'immagine un numero nettamente maggiore di diverse tonalità. Infine il Cubismo Sintetico mise nuovamente in discussione anche la concezione dell'arte. Le artiste e gli artisti del Cubismo non consideravano ormai definitivamente più la creazione di un oggetto artistico solo come mezzo per uno scopo. Intendevano invece il processo artistico come fine a se stesso. Un'opera d'arte non doveva servire a raffigurare gli oggetti, ma era ormai considerata un'entità autonoma, con la quale viene creata una nuova realtà.

La ricezione del Cubismo e il suo influsso nella storia dell'arte

Come tante forme espressive progressive e avanguardistiche nell'arte, anche il Cubismo nella pittura ebbe inizialmente una posizione difficile. Le reazioni nel vasto pubblico andavano dalla totale incomprensione fino al rifiuto.

All'inizio del XX secolo sul mercato artistico europeo e nelle accademie d'arte dominavano altri stili come Impressionismo e Simbolismo e c'era poca disponibilità a fare spazio a correnti progressive. Soprattutto l'influente critico d'arte parigino Louis Vauxcelles attaccò apertamente le artiste e gli artisti del Cubismo e derise il loro lavoro.

Il Cubismo nella pittura: vi fu anche un'eco positiva

Con il gallerista di origine tedesca Daniel-Henry Kahnweiler, gli artisti trovarono un grande sostenitore. Kahnweiler si impegnò molto per le giovani artiste e i giovani artisti del Cubismo e organizzò già nel 1908 le prime mostre con loro. Ma anche tra gli artisti europei i lavori cubisti suscitarono interesse. Influssi del Cubismo si trovarono più tardi tra l'altro in Marcel Duchamp, che sarebbe diventato famoso in tutto il mondo con i suoi ready-made, o anche negli artisti del Bauhaus Oskar Schlemmer e Lyonel Feininger.

Anche gli Espressionisti tedeschi come Franz Marc, August Macke o Paul Klee si lasciarono ispirare dalle forme compositive geometriche. Gli impulsi del Cubismo arrivarono in profondità nel XX secolo ed erano riconoscibili tra l'altro in Futurismo, Surrealismo, Astrazione, Costruttivismo e Pop Art.

La corrente artistica del Cubismo oggi

Oggi la grande prestazione e il merito degli artisti del Cubismo per l'ulteriore sviluppo delle belle arti sono riconosciuti ovunque da storiche e storici dell'arte. Picasso, Braque e tutte le altre artiste e gli altri artisti del Cubismo dell'inizio del XX secolo sono oggi considerati indiscutibilmente importanti pionieri della pittura. Con il loro modo innovativo di pensare l'arte fecero saltare lo stretto corsetto stilistico del loro tempo e posero le basi per la pittura astratta.