Barocco e Rinascimento: queste sono le differenze
La Reggia di Versailles, la "Mona Lisa" di da Vinci, magnifici giardini come a Schwerin e Hannover o "La nascita di Venere" di Botticelli: arte e architettura del Rinascimento e del Barocco sono ancora oggi tanto presenti quanto amate.
Le due epoche coprono insieme un periodo di oltre quattro secoli. Il Rinascimento nacque dal Medioevo circa a partire dall'inizio del XV secolo. All'inizio del XVII secolo fu sostituito dal Barocco. Il Classicismo concluse la fase di Rinascimento e Barocco circa alla fine del XVIII secolo.
A prima vista queste epoche hanno molte cose in comune. In entrambe, le belle arti erano sotto l'impressione diretta degli sviluppi politici, religiosi e sociali. Anche il loro stile lascia riconoscere alcune analogie. Ma qual è la differenza tra Rinascimento e Barocco?
Rinascimento e Barocco si distinguono soprattutto per le rispettive condizioni sociali: nel periodo del Rinascimento caddero la Riforma e l'Umanesimo. Sotto questo influsso, l'arte del Rinascimento scoprì l'uomo come soggetto autonomo. Si riferì in questo a modelli dell'Antichità greca e romana e attribuì valore a un modo di rappresentazione il più possibile fedele alla natura.
Cinque importanti artisti del Rinascimento furono
Il Barocco, invece, fu plasmato dalla Controriforma e dalla Guerra dei Trent'anni. Lo stile del Barocco si riallacciava fondamentalmente alle idee del Rinascimento, ma si sviluppò ulteriormente. Nella pittura, drammatizzazione e pathos sostituirono il Realismo. Inoltre temi biblici e temi mitologici furono riscoperti come motivi. L'idea della mortalità costituì la base di un genere proprio (nature morte "Vanitas").
Tra gli artisti più importanti del Barocco rientravano
- Jan Vermeer,
- Michelangelo Merisi da Caravaggio,
- Rembrandt van Rijn,
- Peter Paul Rubens e
- Jan Brueghel der Ältere.
Di seguito consideriamo in dettaglio le differenze tra Barocco e Rinascimento.
Rinascimento vs. Barocco: tempi di trasformazione sociale
Sia nello sviluppo del Rinascimento sia in quello del Barocco, il contesto sociale e politico svolse un ruolo importante. Entrambi gli stili reagirono a modo loro alle rispettive situazioni in cui nacquero.
Rinascimento: una nuova visione del mondo nel segno dell'Umanesimo
Nella fase del Rinascimento l'Europa aveva vissuto cambiamenti fondamentali nella cultura, nell'economia, nella scienza e nella politica. Tra gli sviluppi più importanti rientrava la Riforma e la conseguente scissione della Chiesa. Ma anche la stampa tipografica e i progressi nelle scienze naturali crearono un nuovo clima spirituale in Europa.
Nel complesso, durante il Rinascimento diminuì l'influenza della nobiltà e della Chiesa, che per secoli avevano dominato politica e società. Parallelamente, la borghesia benestante rafforzò la propria posizione all'interno della società. Essa traeva vantaggio dal commercio in costante crescita sia all'interno dei paesi sia tra gli Stati.
Questo sviluppo ebbe effetti anche sul finanziamento dell'arte e della cultura. Nel precedente Medioevo, essenzialmente nobiltà e clero erano comparsi come promotori e committenti delle belle arti. Questo ruolo fu ora assunto sempre più anche da mecenati borghesi.
Non solo le condizioni politiche ed economiche ebbero effetti sull'arte del Rinascimento
Anche le filosofie, gli ideali, le visioni del mondo e gli atteggiamenti di vita dominanti si rispecchiarono nelle opere di questa epoca. Così anche le sculture rinascimentali e i dipinti erano interamente nel segno dell'Umanesimo.
La filosofia umanistica costituiva il nucleo di ogni pensiero e azione in questa epoca. Fin dai suoi inizi nel XIV secolo, nell'Umanesimo si articolò il desiderio di cambiamento e di partenza verso un'epoca nuova. La sua teoria rappresentava un cambiamento radicale rispetto al pensiero del Medioevo. Qui aveva ancora dominato la dottrina cristiana, nella quale gli esseri umani erano chiaramente subordinati al divino.
Con il riconoscimento dell'agire creativo umano anche le scienze naturali acquisirono un nuovo status. Ricercatrici e ricercatori, eruditi nonché ingegnere e ingegneri si emanciparono poco a poco dagli insegnamenti della Chiesa. Numerose invenzioni e teorie rivoluzionarie furono sviluppate e pubblicate in questa epoca.
Anche se le persone si concentravano maggiormente sull'esistenza terrena e sulle sue sfide, spiritualità e religione non scomparvero del tutto dalla quotidianità del Rinascimento.
Il Barocco: un'epoca sotto l'impressione della Guerra dei Trent'anni
Subito dopo il Rinascimento seguì il Barocco. Rispetto al Rinascimento, il Barocco era completamente sotto l'impressione della Guerra dei Trent'anni. Come spesso accade, la situazione per popolo e nobiltà si presentava in modo molto diverso. Di conseguenza nei due schieramenti dominava uno stato d'animo molto differente.
Per gran parte della popolazione in Europa la guerra significò soprattutto un tempo pieno di sofferenza e privazioni. Malattie, morte, fame e distruzione appartenevano alle esperienze quotidiane di molte persone. I sovrani nobili e i benestanti, invece, derivarono dalla situazione un atteggiamento del tipo "a maggior ragione adesso". Vivevano in un lusso dispendioso e celebravano se stessi e il loro potere con festeggiamenti sfrenati ed edifici sfarzosi.
La Controriforma, da parte sua, fece crescere di nuovo l'influenza delle Chiese. L'orientamento al mondo terreno, come insegnato nel Rinascimento dall'Umanesimo, perse nuovamente un po' di importanza a favore della fede cristiana.
Dopo la Guerra dei Trent'anni molti monarchi e molte monarche poterono mantenere il proprio status. In diversi Stati d'Europa l'assolutismo si affermò come forma di governo. Imperatrici e imperatori, regine e re rivendicarono per sé il potere illimitato su popolo e Stato. Dimostrarono la loro pretesa di dominio assoluto con edifici sontuosi e uno stile di vita lussuoso e sfrenato.
Accanto alla nobiltà si rafforzò anche la Chiesa cattolica. Nella Controriforma poté ampliare il proprio potere e la propria influenza. Numerose opere d'arte con motivi religiosi furono commissionate dalla Chiesa cattolica in questa fase. Le sculture e i dipinti servivano a rafforzare la sua posizione tra i fedeli.
Parallelamente, tuttavia, in diversi modi venne scossa anche la visione tradizionale del mondo. Ciò riguardava da un lato la tradizionale società degli ordini. Il sistema dominante con nobiltà e clero da una parte e borghesia e contadini dall'altra venne messo in discussione. Dall'altro, tra scienziate e scienziati si fecero più forti le voci che non vedevano la Terra al centro dell'universo, bensì il sole.
Barocco e Rinascimento a confronto: motivi
La nuova visione del mondo e i cambiamenti nella società si rispecchiarono anche nei motivi di entrambe le epoche.
I motivi dell'arte rinascimentale
Così come nella filosofia e nell'atteggiamento spirituale del Rinascimento l'uomo passò al centro, anche le artiste e gli artisti ne fecero il tema figurativo centrale. Sia nella pittura sia nella scultura poteva da allora essere mostrato – così come le figure religiose – come motivo autonomo.
In questo le artiste e gli artisti si concentrarono sul riprodurre l'anatomia umana nel modo più fedele possibile alla natura. Ciò si mostrò in particolare nei ritratti, che diventavano sempre più popolari. Inoltre le prime artiste e i primi artisti cominciarono a realizzare autoritratti. Anche se l'uomo si sviluppava ora in un motivo sempre più importante, i temi figurativi religiosi e mitologici rimasero comunque soggetti rilevanti. Sia rappresentazioni figurative di contenuti dalla Bibbia sia scene e figure della mitologia antica furono realizzate in dipinti e sculture.
Accanto all'uomo e alle divinità, nella pittura rinascimentale acquisì importanza anche la natura. Paesaggi e animali fino all'inizio del XV secolo non avevano quasi alcun ruolo in dipinti e sculture. Ma nel Rinascimento le artiste e gli artisti cominciarono a dedicare sempre più attenzione a flora, fauna e architettura. Tuttavia si era ancora molto lontani da un genere autonomo della pittura di paesaggio. I paesaggi continuavano essenzialmente a servire come sfondi e quinte. Ma da allora le artiste e gli artisti attribuirono più valore a un'elaborazione dettagliata e fedele alla natura delle scene in cui agivano le persone.
Religione, Vanitas, natura – i motivi dell'arte barocca
Anche nell'arte del Barocco l'uomo poté affermarsi come tema. Così nacquero numerosi ritratti di monarchi e della nobiltà. Ma anche motivi con più partecipanti, come feste o altre occasioni sociali, venivano mostrati nei dipinti.
Parallelamente, la Controriforma fece sì che la religione acquistasse nuovamente importanza nella quotidianità delle persone. Ciò si rispecchiò anche nell'arte del Barocco. Il clero commissionò nuovamente in misura crescente dipinti e sculture con scene religiose e bibliche. Spesso qui erano al centro Gesù, la Vergine Maria o angeli, nonché rappresentazioni di cielo e inferno. Le sculture barocche mostravano però anche ancora figure della mitologia come Venere o Cupido.
Nella pittura barocca poté affermarsi come nuovo motivo la visualizzazione dell'idea della Vanitas. Soprattutto nelle nature morte si ricordava la finitezza della vita terrena. Diversi oggetti ricorrenti servivano a tale scopo come simboli, per esempio teschi, clessidre, candele, mosche o fiori appassiti. Con i motivi Vanitas, gli osservatori e le osservatrici dovevano essere indotti al raccoglimento interiore e a una vita morale.
Anche la natura si sviluppò ulteriormente come tema figurativo nell'arte del Barocco. Soprattutto nel Tardo Barocco e nella successiva pittura Rococò, i paesaggi compirono passi importanti verso un genere autonomo. Boschi, il mare o paesaggi montani, ma anche giardini, animali e piante potevano da allora essere mostrati anche senza persone.
Nuovo linguaggio figurativo e tecniche nel Rinascimento e nel Barocco
Non solo nei temi figurativi, ma anche nella composizione dell'immagine e nelle tecniche pittoriche vi furono alcune differenze tra Rinascimento e Barocco. Queste erano direttamente legate ai motivi e alla concezione dell'arte.
Rinascimento: la rinascita delle proporzioni nella tecnica pittorica
Soprattutto il ritorno ai modelli dell'Antichità influenzò il modo di rappresentazione nella pittura rinascimentale. Poiché l'uomo veniva ora percepito come individuo, le artiste e gli artisti attribuirono maggiore valore anche alla sua raffigurazione anatomicamente corretta, fedele alla natura e dettagliata. Con tratti del volto individuali e proporzioni naturali volevano avvicinarsi il più possibile ai loro modelli.
La stessa precisione la mostravano però anche nelle figure che non potevano avere direttamente davanti a sé, come personaggi biblici o mitologici. Anche in tutti gli altri generi, come paesaggi e architettura, si affermò il modo realistico di dipingere.
Parallelamente, le pittrici e i pittori del Rinascimento fecero progressi anche nella composizione dell'immagine. Tra le scoperte più importanti di questo tempo rientrava la prospettiva centrale. Con essa i pittori potevano creare l'impressione di profondità spaziale e tridimensionalità. A tal fine facevano convergere le linee (immaginarie) nelle loro immagini verso il cosiddetto punto di fuga. Gli oggetti che nell'immagine dovevano apparire più lontani li dipingevano più piccoli. I soggetti figurativi prominenti che dovevano apparire in primo piano li dipingevano più grandi.
Un ulteriore sviluppo importante della pittura rinascimentale fu la tecnica dello "Sfumato". In questo procedimento i pittori applicavano parzialmente un'ulteriore sottile velatura di colore bianco. In questo modo ammorbidivano un po' i contorni dei soggetti figurativi. Diversi effetti di luce, come nebbia o luce abbagliante, potevano così essere simulati. Inoltre in questo modo si poteva suscitare l'impressione di profondità spaziale, poiché la sfocatura faceva apparire gli oggetti in grande lontananza.
Arte barocca: passaggio dal Realismo all'emotività
Anche nelle tecniche e nei modi di rappresentazione vi furono differenze tra Rinascimento e Barocco. Laddove la pittura rinascimentale cercava ancora di avvicinarsi particolarmente alla realtà, nel Barocco si affermò un linguaggio figurativo più emotivo. Le scene mostrate erano opulente, sontuose e piene di movimento ed energia. Apparivano più inscenate e tendevano alla drammatizzazione e al pathos.
Nella modellazione degli oggetti dell'immagine le artiste e gli artisti continuavano però a orientarsi alla realtà. Con il gioco di chiaro e scuro definito "Chiaroscuro" simulavano una spazialità viva. Attraverso incidenza della luce e gioco d'ombre, le proporzioni di corpi e oggetti potevano essere definite ancora più chiaramente. In questo modo i soggetti figurativi apparivano molto plastici ed erano posizionati nello spazio in modo univoco.
A un'impressione figurativa vivace contribuiva anche una tecnica pittorica di nuovo sviluppo. Con l'applicazione del colore definita "Impasto", le artiste e gli artisti potevano accentuare o mettere in risalto determinate aree dell'immagine. La caratteristica più importante dell'impasto era la completa coprenza del colore. Talvolta il colore veniva applicato anche in modo pastoso, cioè leggermente in rilievo. In questo modo si potevano accentuare parti chiare o sezioni monocrome dell'immagine. Anche questo contribuiva a un'impressione figurativa tridimensionale e dinamica.
Nel Rococò, sviluppatosi dal Tardo Barocco, il modo di rappresentazione molto emotivo trovò il suo apice.
Il Rococò segnò la fine delle grandi epoche Rinascimento e Barocco.
Opere selezionate delle epoche Barocco e Rinascimento
