Impressionismo – il mondo visto attraverso gli occhi dei pittori

L'epoca dell'Impressionismo nella seconda metà del XIX secolo segna una grande svolta nella storia della pittura. Da questo periodo provengono alcuni degli artisti e delle opere più celebri della storia dell'arte. Allo stesso tempo furono poste le basi per la pittura della Modernità. I pittori dell'Impressionismo si allontanarono da un modo di rappresentazione naturalistico e rispecchiarono nei loro dipinti la loro percezione individuale, in particolare della luce e dell'atmosfera.

Molti stili del XX secolo raccolsero gli impulsi dei pionieri impressionisti. Oggi alcuni dei dipinti più costosi di tutti i tempi sono da attribuire a questa epoca, per esempio "Montagne Sainte-Victoire" di Paul Cézanne, "Verger avec cyprès" di Vincent van Gogh nonché "Le Bassin aux Nymphéas" e "Les meules" di Claude Monet.

Gli Impressionisti svilupparono una nuova filosofia della pittura

I pittori dell'Impressionismo misero in discussione gli standard consolidati della pittura in una misura fino ad allora sconosciuta. A metà del XIX secolo la pittura era ancora interamente nel segno del Classicismo e del Romanticismo e aveva regole e strutture chiare. Così era considerata la massima arte elaborare i soggetti dell'immagine nel modo più naturalistico e perfetto possibile. Se le scene dipinte corrispondessero alla realtà era invece secondario, cosicché i dipinti mostravano spesso motivi esagerati, sovraccarichi di contenuto o anche fittizi.

Un piccolo gruppo di pittori parigini, tra cui Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley o Edgar Degas, non si riconosceva in questo stile pittorico e proclamò un ritorno alla realtà – ma non nel senso di una rappresentazione il più possibile vicina alla natura, bensì nel senso di una pittura che rispecchiasse autenticamente la percezione e le sensazioni degli artisti. Da quel momento gli Impressionisti posero al centro l'impressione dell'immagine e l'atmosfera di un unico istante fugace e non – come nei secoli precedenti – raffigurazioni di persone e oggetti o scene rappresentative. Soprattutto attribuivano una particolare importanza alla rappresentazione delle condizioni di luce. Qui si riallacciavano a pittori come William Turner, John Constable o Gustave Courbet, che già in epoche precedenti avevano saputo raffigurare nei loro dipinti di paesaggio la luce e l'atmosfera del momento.

Oggetti dell'immagine come superfici di proiezione per la luce

Gli Impressionisti svilupparono una particolare sensibilità per il modo in cui i colori e quindi l'intero carattere di una scena potevano cambiare con le ore del giorno, le stagioni o le condizioni meteorologiche. Con questa consapevolezza elevarono quasi a forma d'arte il dipingere un unico motivo dalla stessa prospettiva, ma ogni volta in condizioni ambientali mutate. Così, per esempio, Camille Pissarro creò diverse versioni di vedute del Boulevard Montmartre a Paris e Claude Monet ripeté in una serie di 30 dipinti la sua vista sulla cattedrale di Rouen.

Questo procedimento sottolinea quanto poco rilevanti apparissero ai pittori gli oggetti dell'immagine in sé e che in fondo li considerassero solo come superfici di proiezione per la luce. Gli stessi soggetti dell'immagine, viene citato Claude Monet, per lui non avrebbero comunque alcun significato: "Ciò che vorrei rendere è ciò che si trova tra il motivo e me."

Caratteristiche dell'Impressionismo: Pittura in una nuova luce

Gli Impressionisti avevano riconosciuto che non potevano raggiungere i loro obiettivi artistici con i mezzi stilistici della pittura conosciuti fino ad allora. Così modificarono per i loro scopi sia le tecniche e i modi di rappresentazione sia l'intero atto del dipingere.

All'inizio per gli Impressionisti vi fu la consapevolezza che con il modo di rappresentazione naturalistico, come era noto per esempio dal Classicismo, dal Barocco e dal Romanticismo, l'atmosfera di un momento e l'impressione soggettiva non potevano essere raffigurate. Così si allontanarono dal voler elaborare i singoli soggetti dell'immagine nel modo più dettagliato possibile e si concentrarono sull'impressione complessiva dell'immagine e sulla composizione cromatica. Ammorbidirono i contorni dei soggetti dell'immagine e imitarono così l'effetto per cui, nelle giornate soleggiate inondate di luce, degli oggetti non è quasi più riconoscibile altro che la loro silhouette.

Ignorarono anche altri principi tradizionali della composizione dell'immagine, come per esempio la prospettiva centrale. Inoltre i pittori impressionisti utilizzavano prevalentemente colori chiari e luminosi e lavoravano con pennellate brevi, ma chiaramente visibili, in singoli colori. Anche il pubblico dovette abituarsi alla tecnica degli Impressionisti. Ciò valeva soprattutto per l'osservazione, perché avvicinandosi particolarmente ai dipinti impressionisti, spesso si riconoscono solo macchie di colore. Solo da una certa distanza, dal mare di tratti e punti, emergono gli oggetti dell'immagine e si dispiega l'impressione visiva desiderata.

Gli Impressionisti percorsero nuove strade non solo nell'applicazione del colore

Lasciarono inoltre i loro atelier e collocarono i loro cavalletti direttamente davanti ai loro motivi. Nella pittura all'aperto potevano osservare al meglio la scenografia, assorbire l'atmosfera e trasferire le loro impressioni direttamente sulla tela. L'Impressionismo rivoluzionò quindi la pittura sotto diversi aspetti e creò la base per molti stili dei decenni successivi come l'Espressionismo, il Cubismo o il Surrealismo.

I motivi nell'Impressionismo

A metà del XIX secolo anche la scelta dei motivi era soggetta a regole severe. Di solito in un dipinto uno o pochi soggetti prominenti dell'immagine dovevano stare al centro. Anche da questa tradizione gli Impressionisti si erano congedati. Non dipingevano i soggetti dell'immagine per se stessi, ma li utilizzavano soltanto come superficie di riflessione per la luce, dunque in fondo come mezzo per uno scopo. Nei quadri dell'Impressionismo si cercano quindi invano personalità note, così come battaglie epiche o scene mitologiche.

Piuttosto gli Impressionisti sceglievano motivi e scene poco spettacolari e quotidiani, sui quali però potevano rappresentare le condizioni di luce in modo particolarmente suggestivo. Tra i motivi particolarmente frequenti rientravano quindi soprattutto paesaggi ("Ninfee di Monet", "Donna con parasole in un giardino" di Auguste Renoir), scene sulla spiaggia e al mare ("Sulla spiaggia di Noordwijk" di Max Liebermann; "Il mare a L'Estaque" di Paul Cézanne) e vedute urbane e architettoniche ("Boulevard Montmartre in una mattina d'inverno" di Camille Pissarro; "Terrazza del caffè la sera" di Vincent van Gogh).

Ma anche ritratti ("Donna con parasole" di Claude Monet), scene di genere con piccole o più grandi compagnie ("Giardino della birra di Monaco" di Max Liebermann; "I giocatori di carte" di Paul Cézanne) e nature morte ("Dodici girasoli in un vaso" di Vincent van Gogh; "Due pere" di Edouard Manet) appartenevano ugualmente ai motivi. Temi di critica sociale o politici, invece, non avevano quasi alcun ruolo – l'Impressionismo mostrava soprattutto uno sguardo spensierato, quasi idilliaco, sul mondo.

Il successo dell'Impressionismo arrivò solo tardi

Oggi l'Impressionismo è considerato una delle epoche più importanti della storia dell'arte, ma i suoi artisti dovettero inizialmente lottare contro notevoli resistenze. Con il loro stile pittorico progressista, al loro tempo non trovarono inizialmente alcun sostegno presso le istituzioni artistiche consolidate come accademie e musei, e anche la stampa si mostrò poco benevola. Così si dice che il "Figaro" nel 1876, dopo una mostra, avesse scritto che i "presunti dipinti" erano un "disastro" causato da alcuni "pazzi".

Paul Durand-Ruel – figura chiave dell'Impressionismo

Ma c'erano anche amanti dell'arte che si mostrarono aperti verso gli Impressionisti – tra cui il gallerista Paul Durand-Ruel, che sarebbe diventato una figura chiave dell'Impressionismo. Riconobbe presto il potenziale degli Impressionisti e si impegnò per la nuova generazione di artisti. Acquistò le loro opere, organizzò mostre nella sua galleria e sostenne inoltre finanziariamente alcuni pittori, tra cui Édouard Manet e Claude Monet.

Con il suo impegno per gli artisti ampiamente disprezzati, Durand-Ruel mise molto in gioco. Non rischiò soltanto la sua reputazione di serio esperto d'arte, ma letteralmente anche casa e beni: a causa delle sue elevate spese per gli artisti sfuggì più volte per un soffio al fallimento. Ma non da ultimo alla sua apertura mentale e al suo coraggio si dovette il fatto che l'Impressionismo poté svilupparsi ulteriormente ed essere percepito dal pubblico.

La svolta dell'Impressionismo in Germania e in Europa

Verso la fine del XIX secolo, infine, l'Impressionismo si era imposto a tal punto che molti dei suoi artisti come Claude Monet o Camille Pissarro potevano vivere bene del proprio lavoro. Negli anni successivi il nuovo stile pittorico dei Francesi trovò sempre più sostenitori in tutta Europa, anche in Germania. Tra i rappresentanti dell'Impressionismo tedesco all'inizio del XX secolo figuravano per esempio Max Slevogt, Lovis Corinth e Max Liebermann.